- Soy de lo más transparente cuando llego a compartir la afirmación, casi el axioma, de que una representación integral de la realidad incluye tanto lo fantástico y lo imaginario como lo real y racional. Porque dentro de lo figurativo más sistemático todo aún es posible.
- El neozelandés WALSH es un creador que dotado de un gran código de señales -como me ha explicado mi gran amigo y filósofo Álvaro Sánchez- ha hallado lo primigenio en el origen mítico, ha dejado que se expresase, y después lo ha traído hasta nosotros con el fin de deslumbrarnos con su conocimiento a través de un portento pictórico que armoniza la forma, el color y un universo que nos inunda la visión.
- Alguna vez me pregunto que haríamos sin ese delirio visivo, sin ese prontuario entre lo real y lo irreal, sin esa dimensión que reclama una plenitud que nos arrastra hacia un interior pensativo que constantemente nos define según una limitación del ser y su desengaño.
Se muere juzgado, sentenciado a aislamiento por el "otro".
(María Zambrano)
- Oskar Kokoschka no se contuvo al afirmar que la historia de las artes plásticas es historia de los descubrimientos de una nueva tierra de hombres: unos descubrimientos que han transformado también la naturaleza del mundo de las cosas. Yo, como soy muy escéptico, tengo mis dudas.
- Pero de lo que ni dudo es que en la savia del arte siempre deben estar infiltrados lo imaginario y lo fantástico, lo cual significa que nos deparan una visión insólita, extraña y completamente diferente. Que es lo que hace el bosnio POPOVIC´ al ofrecernos una obra que se mueve entre lo simbólico y fantasmagórico, entre lo maravilloso, lo ilusorio y lo ficticio.
- Estamos ante una soberbia maestría para crear dentro de arquetipos que van desde lo erótico, lo sensual y las compensaciones de un pensamiento romo, hasta esos sueños de lujuria o de horror entre la fealdad y la belleza, todo dentro de un hechizo que alimenta nuestras emociones y locuras.
Y entonces nos damos cuenta de que vivimos enteramente solos.
(María Zambrano)
- ¿Son cuentos góticos, mitos, leyendas, un contraste plástico entre hoy y ayer, un lenguaje simbólico que enfrenta la naturaleza con la urbe? La significación de estas obras constituye una secuencia que es un virtuosismo en busca del terror, el blanco sin luz, la construcción amenazada por usurpación de espacios.
- No cabe duda de que el griego Avramidis pone su maestría al servicio de un imaginario tan dramático como sensacional, con una pátinas cromáticas de una realidad extrema y aterradora, con una fuerza nacida de un talento escenográfico explosivo.
- La mirada se agarra a la emoción porque esos planos están encima, nos vemos dentro de ellos y sentimos el pavor de una conciencia que se encuentra con el abismo en una ruta planificada para ir en otra dirección. Lo físico de esta magia no sabemos medirlo pero sí experimentarlo como una vivencia insustituible.
A veces todo es oscuro,
parece que la borrasca
desarbolará la fe,
se llevará la esperanza.
(Manolo Romero)
- Estas yuxtaposiciones de realidad e irrealidad nos fagocitan, se confabulan para que la mirada quede maniatada dentro de una imaginería que se dota de una poesía visual configuradora de la exaltación de un mundo moderno, en el que la máquina debe de servir para no funcionar y no alienar.
- Es cierto que en esta investigación estilística del eslovaco-checo-sueco NEMES en el campo de la formación de los pigmentos y en el de la percepción óptica, se dan las garantías necesarias del paso de los datos ópticos a datos psíquicos e imaginativos.
- Y que la sucesión de los espacios en estas superficies son un delirio al mismo tiempo que una ordenación caótica, un juego lúdico y cromático en el que el espectador da después a lo que ve -no a lo que consume- una significación personal que depende de sus relaciones con ese mundo y consigo mismo (Pierio Dorazio).
Echa el ojo la mirada
por la sierra, su retina
caza; la mano cocina
el color; la pincelada
reproduce la zancada
de la huida, el sufrimiento...
la esencia del movimiento.
(Manolo Romero)
- Estos rostros salen de las paredes, de los muros, de los techos, de cualquier espacio. Es además un tinte blanco premonitorio abrasado por unas tonalidades broncas, no es neutro sino la sustancia que engendra la rabia de la ausencia que aparece para maldecir al que le mira porque no hay otro.
- El irlandés Le Brocquy tiene la sabiduría del artífice plástico para dar oportunidad a que los retratos sean más que simples retratos. Él espera, según va cuajando el proceso, en una furiosa tensión, que lo que había concebido, su secreto, se desvanezca. Prefiere, como Max Beckmann, ese final desconocido que lo revela todo.
- Pero es que además, muy bien señalado por Richard P. Lohse, el color ha recuperado el papel de la forma, la crea incluso. Y aquí queda una vez más puesto de manifiesto con una precisión y eficacia como en pocas ocasiones puede ser contemplado.
Y cuanto más medita más se extraña
de que pueda existir con lo que piensa.
(Manolo Romero)
- En esta ocasión me libero de unas denominaciones por coincidir en el hecho de que no deben ser empleadas como patrones de valor, ni siquiera como clasificatorias u orientadoras. Lo que es más atractivo es lo imprevisto, lo inclasificable, porque como decía Juan Gris, "estás perdido desde el instante en que sabes cuál será el resultado",
- Y en los dibujos del letón BRANTS estamos ante un misterio imprevisible, un misterio del que hemos de aprender y aceptar que la misma vida se funda en él, pues de lo contrario -¿verdad, Henry Miller?- la misma no nos servirá para nada. Sin asomarnos a él seremos insensibles a la sombra y a la oscuridad y no podremos interrogar a los seres salidos de la misma. Sabemos por sus miradas que no son fantasía sino una realidad viva merced a la mediación perfectamente calibrada del artista. Éste los traspone y les dota de categoría universal expresiva y vitalicia.
Y a la tercera semana
se rasga la porcelana.
Alguien de la nada asoma.
(Manolo Romero)
- Para Bruce Nauman es arte todo lo que el artista hace en su taller. Lo cual no es creíble hasta que verificamos y podemos constatar los resultados. Sí en cambio es cierto que el arte informal ha enriquecido considerablemente nuestra visión de la materia y de sus texturas.
- El alemán ADERHOLD tiene su propia manera de captar la realidad o, más bien, lo que dentro de la realidad escapa a la observación y la razón (Jean Paulhan). Aunque él, por su cuenta, le añade tal pluralidad de signos que podemos decir que estamos ante una obra abierta, entre lo real y lo fantástico.
- Las calidades cromáticas son las que crean las formas, irradian, marcan la señal y la dirección, constituyen una manera organicista que se despliega como una topografía inventada una y mil veces, cuya textura se condensa en una nueva manera de mirar la dinámica de tal acontecer.
Con el ceño circunflejo
te retiras del espejo
y acudes a la manada.
Y nada te dice nada...
Y cada día más viejo.
(Manolo Romero)
- Decía Paul Gardner que un cuadro nunca está terminado, sencillamente se detiene en lugares interesantes. El gaditano GARCÍA HERRERA, de nuevo en este blog, se ha detenido justo en el momento en que acaba un ciclo industrial, económico e histórico. Sus obras son los signos de una relación con el mundo. Y también retratos, no de una idea, sino de unos hechos que atraen las formas, éstas, a su vez, son atraídas por los colores y éstos por los signos.
- Todo lo que un día fue construido queda más tarde, transcurrida una brevedad, en un abandono total, conciliando soledad y destrucción, ausencia humana y desamparo. Estamos ante unas imágenes que fustigan nuestra visión, y esa es la razón de que la pintura sea un lenguaje emocional que se opone a todo lo que hay de establecido en el lenguaje convencional.
- Hasta la luz, que es el elemento vital del hombre y de la imagen, se apaga, se mete en la penumbra y oficia de conductora de una realidad rota, muda de tanto hablar, cuando las voces y los ruidos no paraban, eran un continuo restallar. Si es una metáfora del principio del fin, su plástica no puede ser más explícita.
- Es como si el destino se hubiese puesto en contra al buscar un soporte que ya en sí es un signo de la identidad de mi forma de plantear la pintura. Aunque ahora ya conforme con él, la barcelonesa RAMONEDA se deja llevar por unas tonalidades que, como decía Cézanne, tienen su propia lógica y no la de la mente.
- Pero una interpretación está de sobra puesto que como decía Pierre Soulages, "la pintura es antes que nada una experiencia poética. Es una metáfora, no se deja explicar, no se deja siquiera rozar por la explicación". No obstante, las obras de esta artista desprenden una melancolía, una tristeza, un rumor sin luz dentro de su lírica significación.
Cíngara, sube y baja la escalera
de la limosna y saluda a la plebe.
(Manolo Romero)
- Alfred Manessier aseguraba que el arte de la no figuración le parecía ser la única posibilidad actual por la que el pintor puede remontar mejor hacia su realidad y retomar conciencia de lo que es esencial en él. En el caso del francés FICHET es una aseveración acertadísima.
- Y además su obra tiene la validez exigida por Jean Fautrier debido a la calidad de la sensibilidad del artista y por cómo la plasma en el momento de exteriorizarla, sin reglas ni cálculos. Sencillamente su pintura fluye con sus desgarraduras, con sus juegos cromáticos que se yuxtaponen sin tratar de anular la capacidad de ser de unos sobre los otros.
- Por lo demás, ya añadía Robert Motherwell que todo el mundo sabe que el sentimiento es el verdadero contenido del arte. Aquí, en estas piezas, más que nunca es verdadero, con más encarnadura y con más libertad. A lo que habrá que sumar la expresión de Sam Francis respecto a que una obra de arte debe colocar al espectador en un estado de profunda duda.
Cuando llegue la luna llena iré a Santiago de Cuba,
iré a Santiago
en un coche de agua negra.
(Federico García Lorca)
- Se ha dicho que la figura del cráneo -aunque en este caso no haya coincidencia estricta- como elemento iconográfico y simbólico puede interpretarse no sólo como una referencia a la naturaleza muerta de la vanitas del barroco, sino también como una política universalmente conocida de la muerte y del tabú.
- En estas obras la pasta es densa para que la misión de la imagen se verifique, para que la fealdad sea más expresiva y concierna a todas las miserias que mantenemos en la oscuridad. No hay piedad porque la pintura mantiene sus texturas y sus signos. Pueden ser personajes odiosos o simplemente ingenuos, pero en el fondo aparecen como una belleza inigualable.
Los maestros enseñan a los niños
una luz maravillosa que viene del monte;
pero lo que llega es una reunión de cloacas
donde gritan las oscuras ninfas del cólera.
(Federico García Lorca)
