JOEL RAFAEL OLIVA (1989) / ¿EN DÓNDE HABITAN?

Las manchas de estos cuerpos pintados por el cubano OLIVA chocan con unos modos de ver acostumbrados a la percepción de verdades simuladas. 

En sus obras no hay simulación en los rasgos de una humanidad posnuclear que ya no sabe quién es ni dónde se encuentra, ni siquiera si está viva.

Es un principio que no tiene fin o es el fin que ha dejado de tener principio, porque esos rostros son los nuestros aunque se hayan convertidos en seres deformes y anónimos. 

Para que existe creación los artistas han de utilizar esencialmente procedimientos y medios.

 

J.A. MARTÍNEZ TENDERO (1965) / UNA TIERRA LATENTE

El proceso de construcción de una obra de arte se desgrana lentamente  y lentamente se clarifica, de modo que, cojuntamente, se intuye y se plasma.

Las obras del albaceteño MARTÍNEZ TENDERO se emplazan en una superficie a la cual se adapta la materia, se texturiza, se densifica y descubre su dimensión en toda su plenitud. 

Es una reflexión sobre la condensación geológica que encarna una visión de la tierra como madre de signos vitales y destinos, como sedimento de vivencias infinitas.    

El interés particular del estudio de las obras de arte radica en permitirnos captar en vivo, en diferentes momentos, objetivamente, por así decirlo, una de esas mutaciones que construyen grandes periodos de la historia (Francastel).  

CHIHARU SHIOTA (1972) / EN CASCADA

Al enfrentarnos a la obra de SHIOTA, podemos inferir que en la misma hay un significado espiritual que se ensimisma en la materia  y en el color intenso.  

Cada espectador sentado seguramente se vio abrumado por esa cascada de hilos de sangre que se abatía sobre él desde un lugar etéreo y que le obligó a levantarse para no ser afectado por una significación tan ambigua.

Son instalaciones que derraman sus efectos con la incredulidad de que su visión no establece ningún código, pero sí un modo de ver similar al sentir el lugar y el tiempo.

El rostro del ser humano como máscara de sí mismo, manipulada, propiciatoria, cómplice o víctima.  

CHARLES GREEN SHAW (1892-1974) / HE CONSEGUIDO LOS QUE CREÍA QUE ERAN MIS OBJETIVOS

En ciertos momentos y circunstancias se podría decir a título de inventario que cada obra de arte enuncia su propia definición de lo que es una obra de arte.

El americano GREEN exploraba, dentro de la fenomenología abstracta, variaciones, posibilidades, hallazgos y concreciones que diesen a sus obras un impacto plástico que significase su huella creativa. 

Geometría, cromatismo, formas, completan distintas opciones del artista a la hora de concebir su pintura y proporcionarle su propia identidad y revelación.   

PETER ALEXANDER (1939-2020) / QUIERO QUEDARME EN ESTAS ATMÓSFERAS

Promaclaba Croce que, sin duda, una intuición artística es un fulgor súbito, una iluminación, pero desde ese fulgor a la obra acabada, ¡qué largo camino, cuántas dificultades, cuántos esfuerzos y cuánta esclavitud por amor!

Las obras del americano ALEXANDER, miembro del movimiento Luz y Espacio, se revelan como un sueño mágico  que  invade la mirada, que le descubre un cosmos que se debate entre la luz y el color. 

Son resplandores de una nubosidad entre cielo y tierra, que alumbran y deslumbran, que invocan el encanto de una creación plástica embebida en su propio sortilegio.   

 Lo real es susceptible de ser descompuesto y luego recompuesto.

MICHAEL GOLDBERG (1934-2007) / ME QUEDÉ POR ENCIMA DEL TIEMPO

El expresionismo abstracto todavía goza de una continuidad al estar dentro de una segunda fase de la modernidad (Gerard Vilar), con sus discontinuidades, regresos y abandonos. 

El americano GOLDBERG es un miembro de esta saga que tiene una concepción de la pintura como desahogo y confesión de una lucha interna que se proyecta sin descanso. 

Podemos entender así que una vez que el artista ha dado lugar al proceso formativo (color, gesto y soporte) de la obra, exige que el dinamismo interior de la misma se adueñe de su proyecto creativo. 

Algún autor ha afirmado que podemos aprender a ver el expresionismo bajo la piel del Renacimiento.

UNA APROXIMACIÓN A MÍ MISMA (1964) / BARBARA WALKER

Ante estas obras de la británica WALKER, me viene a colación la reflexión de Heidegger en relación a que lo que pueda ser el arte está determinado única y decisivamente  a partir de la pregunta por el ser. 

Estos retratos forman parte de la visión de una identidad colectiva e individual, de su sentido existencial e histórico, de su destino como intérprete de una comunidad.

Es una plasmación que, desde una concepción virtuosa de la práctica llevada a cabo, transmite una revelación prodigiosa de una humanidad que ha optado por vivir sin rendición. 

La visión de obras de arte que son encarnación del antiguo ideal de belleza revela otra verdad profunda: la belleza es algo superficial que solo muestra un aspecto de la realidad.