Ante la obra del húngaro CSATO -que estuvo obligado a hacerle un retrato a Stalin con él sentado enfrente cuando estaba en un campo de trabajo- podríamos asegurar que somos reflexivos, conscientes, cultos y simbólicos.
Y afirmar que su concepción plástica es una ideación que conforma una naturaleza geométrica libre que ha encontrado su forma y color.
Así es como nos encontramos como espectadores ante las infinitas posibilidades y manifestaciones de una nueva dimensión propia de espacio y tiempo.
El arte es todo lo un artista decide que lo es. ¿Y quién decide que uno es artista?
En la obra del uruguayo PÁEZ hay una concreción interpretativa de un significado que se conjuga con la polivalencia de símbolos destinados a a la estratificación de los sentidos.
Son las vicisitudes de unas criaturas que pueblan un imaginario remoto que al conocerlo a través de la pintura del artista nos acerca a nuestros arcanos más recónditos.
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Son hallazgos plásticos y oníricos que expresan secretos guardados y olvidados que él renueva y vivifica, los presenta como antecesores y guardianes de un misterio que nunca ha desaparecido.
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Alguien se cre que en los manuales de arte del año 2105 todos los artistas serán una simple nota a pie de página, excepto Pollock, Warhol, Judd y Hirst.
Los rostros del argentino Fernández Caeiro reflejan la fuerza y el sentimiento de la forma como símbolos de carne amedrentada en un mundo amenazante.
La intuición del artista son sueños despiertos de un esplendor plástico capaz de revelarnos la brutalidad espiritual que anida en el ser humano.
No hablamos de fealdad sino de una realidad existencial buscada y hallada, de transmitir una visión que plasma con el fin de salvar lo que hay que transformar en vivir con el fatal trance hasta morir.
Se puede concebir al individuo como una expresión mediada o como un espacio interior anímico.
La americana SHANTI, en su obra, quiere abarcar todos los fenómenos aunque constituyan una zona infinitamente mayor que la que puede ser controlada por sus sentidos.
Así y todo satura el espacio de unas sensaciones cromáticas delicadas que se entrelazan armónicamente y que son el resultado de una suma que se ha hecho forma y que el intelecto define como un mar plástico y panteísta.
Las sutiles tonalidades y capas pictóricas configuran técnicamente una representación que es un soporte existencial para una contemplación con la que nutrir el sentimiento de vida.
Los artistas siempre entran en conflicto con su obra, tardan en asumirla, no le encuentran un escenario propio ni fuera ni dentro. Al final hay una reconciliación no por prevista menos deseada, pues en ella reside la pasión. Luego será esa misma pasión la que resurja al mirar y pensar.
El abstracto del alemán ZEIDLER está saturado de una sensaciones que se filtran de cara a la consecución de una mirada activa y abierta en el espectador.
Lo que se materializa en unas turbulencias cromáticas ejecutadas en capas y tonalidades que sustentan unos significados articulados sobre la base de sus efectos expansivos y refulgentes.
Sus obras, no cabe duda, denotan el vigor de unas estructuras texturizadas que se alimentan a si mismas, que saben como solazarse en sus dominios y sembrar de luz el cosmos.
La pretendida comprensión profunda de la situación se deja en las manos de teóricos especuladores y de sus compinches.
El imaginario plástico del brasileño-español SILVA es como un océano compartido que irrumpe en un espacio habitado por criaturas que no se siente solas.
Su cromatismo brillante lleva una dirección, sus figuras otra, la suya, para preguntarse si seremos capaces de adivinar su pensamiento en todo esa dinámica que los envuelve y les hace vivir.
Es una obra delirante y saturada de sensaciones que se entrelazan armónicamente, que después de hacerse forma formulan una visión que ya está en nuestros confines perceptivos.
Algunas técnicas estilísticas se imponen sobre la exposición de la forma.
Según Danto, el método dialéctico en el desarrollo del arte consiste en un determinado fenómeno que actúa por contradicción y conservación desde un planteamiento inicial, al que le sigue un planteamiento contrario que culmina en una síntesis que da lugar a un nuevo comienzo.
El francés CHELKOFF actúa sobre un espacio en el que divagar por medio de signos, caligrafías, colores vivos, escrituras, texturas, con los que formar un complejo mundo de incitaciones plásticas.
Su visión es vibrante y fruto de una voluntad artística de hacer síntesis innumerables en una superficie que a modo de huellas son estratos de un devenir.
Del conflicto que nace de la tensión entre lo actual y lo posible surge la reconciliación de la forma estética y su plasmación como naturaleza del ser histórico concreto.
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