La alemana TEBBEN no deja resquicio sin cubrir en la superficie, es tal su ansia de que la materia fermentada adquiera ese estado de locura y éxtasis.
Así es como en su obra la masa cromática, bien densa, saturada y texturizada, adquiere una fuerza ontológica y catártica que la define en su condición de cosmos mutante.
Evidentemente la artista es un aliado esencial en ese trazado indómito, propio de quien considera la plástica como un mensaje para una existencia que no tenga fin.
¿Podría hablarse entonces de una triple articulación de lo apolíneo, lo dionisíaco y lo utópico.
Nos dice el español Lazkano que en el arte, el concepto de progreso, de evolución, de conquistas estéticas, forman parten de la gran ficción y construyen un discurso que deja fuera a demasiados aspectos, propuestas y artistas que por falta de oportunidad han quedado en el olvido o desaparecidos.
El japonés-americano OKAMURA nos ha ofrecido una obra en que lo plástico quiere mostrar un mundo que no sale de su propio centro, que en su orografía guarda los significados que necesita.
Por eso, la materia se articula con la volubilidad informe que toma posición de su espacio, invadiéndolo con una topografía cromática que busca la sombra debajo del sol.
¿Es posible escapar de la realidad objetiva y refugiarse en la interioridad del yo?
La americana FIEDMAN ofrece una obra textil minuciosa en la que plasma un universo de signos que evocan múltiples significados y referencias.
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La resplandeciente visualidad cromática despide un aroma de realidades que conforman un espacio que se autoenriquece con su presencia, que semeja un dimensión en continuo crecimiento.
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Es un trabajo que se expresa a través de un dinamismo que envuelve un lenguaje cuyas claves están abiertas a interpretaciones tanto vitales como emotivas.
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En no pocas ocasiones la incapacidad expresiva conduce a una fraseología hueca que, en el mejor de los casos, orienta la interpretación hacia los aspectos técnicos, tratando sobre ellos en lugar de exponer el sentido propio de la obra.
¿Cómo atraviesa las corrientes del siglo la obra del artista constante en su parcela de modernidad, fiel a su imagen pintada, solitario frente a la fugacidad de las modas?
Esa constancia es la del vasco CHILLIDA en una obra en la que el silencio cromático y plástico infunde una mirada de percepción de sueños que se extienden por el horizonte.
Fiel a los consejos de Rilke, de pensar en su pintura como un proceso lento que crece despacio, paciente, luminosa, apoyada en profundas raíces.
No sé si quedarme con la ordenación apolínea o con lo orgiástica dionisíaca, pues ninguna de las dos implica una armonía utópica.
Para Panofsky, de cara a la interpretación de una obra de arte, han de tenerse encuenta tres niveles de contenidos:
- El primario o natural (que implica la identificación y descripción de los rasgos formales).
- El secundario o convencional (análisis iconográfico).
- El terciario o intrínseco (el contenido propiamente dicho para llegar al cual hay que proceder a un análisis más profundo).
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El neerlandés LUCEBERT, en su singular concepción estilística, no repara en más opciones y criterios que en plasmar una humanidad tal como él la ve y percibe, sin tapujos y a brochazos.
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Es una visión que hace que la realidad sea diferente en su belleza, en su comportamiento, acción y pensamiento, que se acerca a nuestros ojos para confersanos que ellos son un absoluto al que se puede llegar.
¿Es una verdad completa que el artista no sabe explicar teóricamente sus propias obras?
Escribía Gadamer que el arte transforma la realidad constituyéndola, y lo hace para alguien: la obra es un ser-activo-con.
El chileno ZAÑARTU, en su ascético trabajo, muestra la ejecución de una plástica rasgada y simbólica en una abstracción íntima muy focalizada.
La materia es densa y está desarrollada como una semántica de manchas cromáticas que ha perdurado y evolucionado desde sus orígenes hasta el momento en que el artista ha perforado hasta descubrirla.
Siempre acuden los planteamientos unitarios configuradores de forma y contenido, de estructura y significado.
El cubano LLANES plantea en su informalismo unas reminiscencias evocadas de sus orígenes, de sus relaciones vitales con la tierra de su nacer.
Por la superficie flotan sustancias, regueros, vertidos, vientos, despojos y señales de una plástica cuyas texturas son como raíces de un poder que se encuentra degradado.
Son abismos que el artista presiente, que ensombrece, que capa tras capa hace de ellos una manifestación semántica de su propia reflexión y pensamiento pictórico.
¿Se puede sustituir la obra de arte por los sentimientos y viviencias suscitados por su contemplación, con lo que en el comentario no se expresa otra cosa que su descripción?
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