CHARLES GREEN SHAW (1892-1974) / HE CONSEGUIDO LOS QUE CREÍA QUE ERAN MIS OBJETIVOS

En ciertos momentos y circunstancias se podría decir a título de inventario que cada obra de arte enuncia su propia definición de lo que es una obra de arte.

El americano GREEN exploraba, dentro de la fenomenología abstracta, variaciones, posibilidades, hallazgos y concreciones que diesen a sus obras un impacto plástico que significase su huella creativa. 

Geometría, cromatismo, formas, completan distintas opciones del artista a la hora de concebir su pintura y proporcionarle su propia identidad y revelación.   

PETER ALEXANDER (1939-2020) / QUIERO QUEDARME EN ESTAS ATMÓSFERAS

Promaclaba Croce que, sin duda, una intuición artística es un fulgor súbito, una iluminación, pero desde ese fulgor a la obra acabada, ¡qué largo camino, cuántas dificultades, cuántos esfuerzos y cuánta esclavitud por amor!

Las obras del americano ALEXANDER, miembro del movimiento Luz y Espacio, se revelan como un sueño mágico  que  invade la mirada, que le descubre un cosmos que se debate entre la luz y el color. 

Son resplandores de una nubosidad entre cielo y tierra, que alumbran y deslumbran, que invocan el encanto de una creación plástica embebida en su propio sortilegio.   

 Lo real es susceptible de ser descompuesto y luego recompuesto.

MICHAEL GOLDBERG (1934-2007) / ME QUEDÉ POR ENCIMA DEL TIEMPO

El expresionismo abstracto todavía goza de una continuidad al estar dentro de una segunda fase de la modernidad (Gerard Vilar), con sus discontinuidades, regresos y abandonos. 

El americano GOLDBERG es un miembro de esta saga que tiene una concepción de la pintura como desahogo y confesión de una lucha interna que se proyecta sin descanso. 

Podemos entender así que una vez que el artista ha dado lugar al proceso formativo (color, gesto y soporte) de la obra, exige que el dinamismo interior de la misma se adueñe de su proyecto creativo. 

Algún autor ha afirmado que podemos aprender a ver el expresionismo bajo la piel del Renacimiento.

UNA APROXIMACIÓN A MÍ MISMA (1964) / BARBARA WALKER

Ante estas obras de la británica WALKER, me viene a colación la reflexión de Heidegger en relación a que lo que pueda ser el arte está determinado única y decisivamente  a partir de la pregunta por el ser. 

Estos retratos forman parte de la visión de una identidad colectiva e individual, de su sentido existencial e histórico, de su destino como intérprete de una comunidad.

Es una plasmación que, desde una concepción virtuosa de la práctica llevada a cabo, transmite una revelación prodigiosa de una humanidad que ha optado por vivir sin rendición. 

La visión de obras de arte que son encarnación del antiguo ideal de belleza revela otra verdad profunda: la belleza es algo superficial que solo muestra un aspecto de la realidad. 

QUIN BOVÉ (1959) / ATRAPAR LA INFINITUD

Decía Tapies que para el artista de genio la forma es algo espontáneo, indiscutible, personal, una consecuencia natural del momento, del pensamiento y emociones. 

El catalán BOVÉ deja que su pintura espacial cuaje como un ente que ofrece a través de movimientos esféricos y dinámicos una visión cosmogónica.    

Es una plástica fulgurante de un cromatismo brillante y significante que entraña todo un significado global del espacio y su estructuración. 

¿El auténtico inconsciente es un desconocido y enigmático, que se experimenta indirectamente? ¿Un engranaje interior de la psique individual o del alma del mundo? 

JOAN PERIS (1965) / HORIZONTES QUE DESLUMBRAN

Decía Rothko que la claridad consiste en la eliminación de todos los obstáculos entre el pintor y la idea y entre la idea y el observador.

Es así como el castellonense PERIS, en sus obras, afronta una creación que busca su materialidad en horizontes más allá de su simple presencia en el espacio. 

Las texturas y el cromatismo hacen que su visión plástica queden como un signo de interrogación admirativa en la mirada previo a una reflexión sobre la dimensión que ocupa.  

Polignoto decía que los personajes tenían que estar en primer plano, sin relación entre ellos y sin un escenario que por sí solo crease relaciones e hiciese posible presencias a distintas distancias.

ALBERTO REGUERA / PAISAJES COMO GERMEN PICTÓRICO

De los tres modos de pensamiento espacial de la teoría que Soja formula, el percibido, el concebido y el vivido, uno de nuestros artistas más internacionales, el segoviano REGUERA, se despliega en todos ellos con la poética más depurada.     

Su obra, desde sus inicios, revela una imaginación cosmopolita y un potencial estético que hace que sus mallas, superficies y texturas plásticas obtengan un reconocimiento de su lugar dentro del mundo al mismo tiempo que lo va descubriendo desde ópticas diferentes. 

El propósito de estos paisajes, fruto de sus perfomances en la national Art Gallery of Canada, en Otawa, es proyectarse hacia nuestra mirada como la relación intensa entre el artista y su cosmovisión, que es al mismo tiempo la sensación visual que nos transfiere y compartimos como una vivencia estética única y singular.  

Y también podemos constatar que son estelas que desbordan límites y planos, que quieren impregnarlos en su totalidad con un cromatismo profundo e interior, capaz de transmitir valores esenciales.  

En definitiva, estamos un ejercicio magistral de creatividad, de  sensibilización de la materia, de técnica, de intuición y de conocimiento.