JUAN OLIVARES (1973) / NO OS SOLTÉIS


  •  En el valenciano OLIVARES la significación estética incentiva las percepciones más ópticas, las engulle entre esas ondas que conforman un aleteo, un movimiento y un dinamismo donde el color ha tomado una posición determinante a la hora de intercalar sus agudas resonancias.  
  •  Como escribió Merleau-Ponty, "la pintura despierta, lleva a su máxima potencia el delirio que es la visión misma, ya que ver es tener distancia, y la pintura extiende esta extraña posesión a todos los aspectos del ser". En estas obras la vieja distinción entre contenido y forma no tiene sentido, pues en ella la propia forma es contenido y el contenido está dentro de la forma. 
El que sabe escuchar hace de conciencia del otro y, así, sobreviene a veces un silencio: el silencio del que habla con su conciencia o ante ella.
(María Zambrano)

RENATO COSTA (1974) / EL TESTIMONIO VISUAL ES MI TUTELA

  •  Estamos ante una obra, la del brasileño COSTA, que debe mucho a la espontaneidad, pues en la creación artística la espontaneidad responde a un empuje instintivo previo a toda reflexión. Ahí es cuando comienza a revelar, a través del medio plástico, los elementos del imaginario personal o colectivo acumulados en ese hecho visible que es la obra.  
  •  El dibujo y ese alumbramiento líquido, que es un cromatismo sensiblemente expresivo, pero casi indomable, nos enmarca una visión en que la naturaleza humana está sometida a su propia y cruel condición, que busca otros espacios y otros ámbitos aunque su esperanza está muerta y su habitabilidad destruida. Lo que significa que esa realidad nos concierne a pesar de que sintamos la añagaza que de que se encuentra plasmada afuera y nunca nos abordará dentro.  
 El hablar a quien nos escucha nos descubre, sin que él nos diga nada, el grado de verdad y, sobre todo, el grado de convicción de lo que decimos.
(María Zambrano)

CHEN YU (1965) / ¿NO TENEMOS IDENTIDAD?

  •  Es verdad que algunas veces el espectador llevará la obra de arte más allá de la intención original del artista, pero será un fenómeno que frecuentemente desemboque en que él también se adhiera a esa interpretación. Tal podría ser mi caso si esta iconografía lo utilizo como un reverso de la revolución cultural china.
  •  Sin embargo, el chino YU, autor de estas magníficas obras de un perfil reflexivo y perceptivo, aspectos indivisiblemente interrelacionados (Rudolf Arnheim), expresa ese mínimo de identidad -labios cerrados, un ojo abierto, et.- ante la homogeneización ideológica reciente de la colectividad de su país, que supuso tal acontecimiento. Por tanto, utiliza la técnica cartelista para transmitir ese mensaje que ha formado parte de su biografía.   
 Cuando los humanos obedecen o piden obedecer, tienden a hacerse mudos, como las criaturas de la naturaleza.
(María Zambrano)

MÒNICA SUBIDÉ (1974) / SÓLO QUIERO CARNE

  •  El soporte es la piel donde se corporeiza toda imagen. En la obra de la catalana SUBIDÉ es la piel la que hace de soporte de la carne, la cual a su vez se hace imagen perturbadora. Lucian para esta artista es un referente, pero cada obra de arte contiene un determinado modo de ver, sólo es cuestión de encontrarlo.   
  •  Si pensamiento y significado nacen solo con el acto de pintar, en esta producción el pensamiento guarda terribles secretos y el significado se contorsiona con esas carnes y rostros angustiados y empastados con el fin de que esa saturación sea una expresión de mayor crueldad. Bajo esta plasmación se da como cierto el que las formas y estilos pueden agudizar nuestra percepción de la sociedad.   
 Pues vivir exige y es una larga paciencia, un hacerse con el tiempo, experiencia, parto de la historia.
(María Zambrano)

HANS HENDRIK GRIMMLING (1947) / NO SÉ CÓMO ENVOLVER MI FETO

  •  Hace falta considerar la obra por sí misma -método formal- y en su contexto histórico-social -método crítico (contextual)-. Con ello, es de suponer que encontraríamos varias claves en cuanto a la comprensión de la misma, sin que ello signifique que una interpretación sea la única aceptable, pues son múltiples las que se suscitan, las que pueden ser correctas y no contradictorias. Lo cierto es para ser válida tiene que estar trabajada y argumentada. 
  •  Bien es verdad que el misterio de la pintura radica en ampliar el mundo, engendrar formas que amplíen nuestro conocimiento y nuestra sensibilidad. Y como en caso del alemán GRIMMLING casi podríamos decir que es premonitoria y alucinatoria, ya que se percibe una fusión total.
  •  La preponderancia de las grandes formas, del color negro, de las líneas encerrando los cuerpos, tratando de no salir al peligro exterior, a la violencia, a la crueldad, a la vorágine del aniquilamiento y la tortura, enmarcan una fantasmagoría indómita. Alegorías sobre territorios y sociedades que han sido víctimas de la monstruosidad.       
 Quien se mira, aunque se objetive, lo hace él mismo, así que se adentra en sí.
(María Zambrano)

CARMEN SELMA (1980) / LA SANTA COMPAÑA

  •  No cabe duda que el artista es también el portavoz de los secretos psíquicos de la época, dentro de un contexto cultural y socio-histórico concreto, pues es obvio que han de influir en las características visuales de la obra, en el entorno creativo del autor, en una mirada que constituye la imagen de todo un universo.    
  • Mas en la producción de la valenciana SELMA se vive además un Greco o un Goya al revés, hay una ruptura del orden lógico del pensamiento al hacer su entrada una verdad de la imagen grotesca, la condensación de un proceso alucinatorio con una imagen formal autónoma (Carl Einstein).  El color potencian las imágenes en su intensidad expresiva y nos sumerge en la pureza del espejo en que nos miramos.  
 Convivir más es que las pasiones fundamentales, los anhelos, marchen de acuerdo.
(María Zambrano)

KAREL BALCAR (1966) / EL BUFÓN SUPREMO DE LAS ASTURIAS (F) TORTURA A SUS SOMBRAS

  •  Pura escenografía barroca, muy cercana a Caravaggio, concebida actualmente por el checo BALCAR, y que tiene un talante sombrío, turbio, taciturno, premonitorio, en ese virtuosismo que simboliza cuerpo, tortura, muerte, sexo y violencia. Estilo inequívoco para hacer asimilable su pensamiento.
  •  No en vano Kenneth Clark señalaba que limitar la pintura a sensaciones puramente visuales es tocar sólo la superficie de nuestros espíritus. Por tanto, ante la obra de este artista corremos el riesgo de caer en la tentación de confundir un mero divertimento del pasado en el presente. No es así, es una expresión singular de lo contemporáneo del hombre, porque parte de su equipamiento mental es el que ordena su experiencia visual es variable, y, en su mayoría, culturalmente relativo, en el sentido de que está determinado por la sociedad que le ha influido. Y si no, habrá que preguntárselo al bufón supremo de las Asturias cuando ponga en marcha su ardor guerrero y confiscatorio.  
 El poder tiende a ser taciturno.
(María Zambrano)

ALBERTO REGUERA / PAISAJES SÍN LÍMITES

  •  La obra de mi estimado y segoviano REGUERA, uno de nuestros artistas más internacionales, está de nuevo en Madrid, en la galería Fernández-Braso, hasta el 11 de junio. Aglutinada bajo el título "Paisajes sin límite",  ofrece una de las preocupaciones fundamentales de su mundo pictórico, el que lo sublime plástico se alíe con una concepción estilística con la que hacer más fulgurante la forma.  
  •  Evidentemente, como ha escrito Tatarkiewick, la tarea creativa puede ser deliberada o no intencionada, impulsiva o dirigida, espontánea o resuelta metódicamente a base de estudio o reflexión. En el caso de Alberto estamos ante un pensamiento creativo que no entiende de hábitos ni de convenciones, porque como Bacon, lo primero que hace son manchas, texturas o delicados trazos, luminosos, después estudia las superficies, dentro o fuera del marco, como si fuesen una especie de diagrama y finalmente ausculta dentro del mismo las posibilidades que se plantean.  
  •  Por tanto, en esta obra soñadora la fuerza espontánea de un instinto enlaza con la reflexión que hace de los signos una trama global de sentido. Casi tendríamos que añadir, como Spengler, que su estilo es una revelación metafísica, una misteriosa construcción, un sino, o el hombre mismo, tal como señalaba Button. 
  •  Lo cierto y verdad es que su producción tiene una piel de sensaciones organizadas en forma de ideas, pero estas sensaciones no son puramente visuales, agarran más fuerte y acaban siendo una experiencia por sí misma en lo tocante a lo material y espiritual, con independencia de que sean ecos de vivencias inolvidables.     
  •  Como tales creaciones son y seguirán siendo siempre dada su capacidad de significar y permanecer, de traspasar su esencia y atravesar el tiempo. Por eso decía Rilke, que el artista representa la eternidad que se adentra en los tiempos.

EMILIO TADINI (1927-2002) / EL ESPACIO ME QUEDA PEQUEÑO

  •  Cada obra del italiano TADINI es el equivalente a una narración fantástica de sueño impenetrable. Los mismos espacios no saben que lo son, los colores planos brillantes, las figuras distorsionadas intentando entablar diálogos, geografías y arquitecturas imposibles, letras y signos,  seres sin adscripción alguna, etc.  
  •  Si, como dice Pere Salabert, entre las entidades del mundo que el artista utiliza por modelo y la representación que hace de ellas, se abre siempre un espacio intercalar que infunde vida a la significación, en el caso de este autor ese espacio se queda corto, le falta aire para respirar y horizonte para continuar. Y aún así es un arte auténtico siempre actual.  
 Pues no todas las "víctimas" resisten su situación sin enloquecerse en la violencia, sin pasar a ser verdugo: ¿no es esto lo que espera del condenado quien de verdad condena?
(María Zambrano)

MARTA PALAU (1934-2022) / CONGREGACIONES DE FUEGO

La catalana PALAU, recientemente fallecida, ha estado envuelta en los orígenes de una cultura autóctona y ancestral americana que ha marcado...