KATHARINA GROSSE (1961) / SI ES VIDA TIENE COLOR


  •  El color es una fuente de placer con la que disfrutamos cuando se desangra. En estas obras de la alemana GROSSE conforma no sólo un plano, sino múltiples, hasta envolvernos o circunscribir nuestro entorno con sus irradiaciones y destellos. 


  •  No tiene un espacio definido, se salta fronteras, acordona, arrolla y encierra, su tiempo es ilimitado, el don que nos transmite y remueve no cesa. ¿Cómo no ver en él un aspecto de nuestra génesis? ¿Una marca de nacimiento que introduce un desarrollo y una forma de conocimiento?    


  •  Baudrillard dice que si existe hoy una gran dificultad para hablar de la pintura, es porque existe una gran dificultad para verla. Yo no veo ninguna, a no ser que no estemos hablando de la misma, del concepto que la ha de definir si es que hay alguno, y no intuición que se funda en ese ir más allá en la contemplación.     


  • Vivir, vivir lo justo,
  • hasta el último verso.
  • Que la muerte nos libre
  • de un vivir a destiempo.

(Rafael Montesinos).

MAY NEUMANN (1949) / NO SOY YA CAPAZ DE ENTENDER


  •  El hombre en la civilización actual es una perpetua interrogación, que nace de sus propias dudas ante el destino a tomar o la acción que ha de seguir para una transformación que nunca llega. El alemán NEUMANN lo ve así y así nos lo transmite.


  •  Por eso sus obras parten de indagaciones que después quedan en su interior pero dejan a la figura sin marca exterior, desposeída de su identidad, embarcada en misterios sobre su naturaleza, ciega y con pesadillas vacías.


  •  Son reflexiones sobre su propio quehacer, su trascendencia, el valor que añaden o restan a una plástica que también en estos tiempos es un cúmulo de búsquedas que no pueden quedar sin respuesta, por mucho que Lacan diga: todo ese asunto de la materia y la forma, ¡cuántos viejos cuentos de copulación sugiere!  


  • Y en la gloria del mundo,
  • pobre gloria del mundo, que nos basta, 
  • los malvados erigen sus robadas mansiones,
  • sus blancos monumentos, sus panteones insignes.
  • Dime, ¿por qué? ¿Por qué?

(Salvador Pérez Valiente).

KORL HORT HÖDICKE (1938) /


  •  La voluntad expresionista del hombre es una distorsión en paralelo a la angustia que uno siente cuando se coloca ante el soporte, son vientos del exterior huracanados los que le recorren desde la cabeza a los pies, los que le impulsan a crear como si fuese el fin de sí mismo en un tiempo y sociedad determinados.    


  •  Como decía Michaux, el artista es aquel que resiste con todas sus fuerzas a la pulsión fundamental de no dejar huellas. Al final las deja porque está en su condición y es el medio de encontrarse a sí mismo frente a lo que le rodea y lo que le aprisiona. Y de transmitírselo a los demás. 


  •  En el caso del alemán HÖDICKE, adscrito al llamado neoexpresionismo, la hoja de ruta está muy clara, es pura naúsea sobre lo que somos, sobre como nos vemos, sobre como estamos marcados dentro de una plástica que lo vierte según unos presupuestos existenciales que bordean la sumisión a la sátira, el vacío y la pérdida de convicción. No hay piedad en esos gestos pictóricos que trazan el escepticismo de haber venido y todavía no estar de regreso.    


  • Primero han de morir otros sentidos.
  • Yo bien lo sé: definitivamente
  • la muerte me entrará por los oídos.

(Javier de Bengoechea). 

CLAUDIO PARENTELA (1962) /


  •  La pintura, el collage y el arte en general es un lenguaje sin códigos (aunque nos empeñemos en crearlos y significarlos como referencias y cauces), es decir, extremadamente elástica y sin adherencia a los significados (los espectadores somos los encargados de dárselos o negárselos).      


  •  Por tanto, nada hay previsible en este mundo de la imagen, que juega con la mirada que quiere adentrarse en ella y su opacidad, su no transparencia. En este caso, estas obras del italiano PARENTELA se posicionan ante el espectador como un gran marco significante, en el que el lenguaje concibe múltiples asociaciones y relaciones con un nexo común que es la figura en sus distintas vertientes constructivas y deformadoras, en un puzzle que aglutina formas de enfocar una plástica que refleje lo que trata de escapar de nuestra imaginación al mismo tiempo, en una secuencia sin fin.  


  •  Cuando evocamos lo interno pensado, se nos va de las manos la precisión para captar una realidad distorsionada. alumbradora de incoherencias, magias, sentimientos y emociones, esas introspecciones que el artista sabe captar y culminar con una formulación patética o luminosa, melancólica o pecaminosa, virtuosa o de enfatizante fealdad. Él lo hace posible porque tiene las claves, la capacidad y el sentido de la creatividad determinante. 


  • Los tristes son como el recuerdo; apenas
  • si tienen luz sus ojos, su mirada;
  • apenas si son alguien, la tristeza
  • les llena lentamente toda el alma.

(Rafael Morales).

JUSTMAD4 / ¿ES EMERGENTE O SÓLO TRATA DE SER FLOTANTE?


  •  El inclasificable Maurizio Cattelan decía que si intentas llevar los límites un poco más allá, de pronto te das cuenta de la facilidad con que el mundo del arte es capaz de absorber cualquier golpe. Pero no pasa nada, supongo que es parte del juego.  


  •  JUSTMAD, en cada edición, forma parte de ese juego de ir más allá porque es la tipología de lo emergente lo que está tratando de mostrar y vender.  Pero, aunque las intenciones sean buenas y los emergentes traten de flotar y no sumergirse en lo oscuro (para algunos sería la ocasión), los resultados son irregulares y ponen ante nuestra mirada desde lo perverso (esos perros disecados y colgados) hasta lo más banal.   


  •  Claro que es cierto que si la manualidad tiene un enfoque conceptual y el material banal de la vida diaria, muy en el espíritu de la idea surrealista, se transforma en algo sorprendente, surge el arte. De ser así, hemos tenido la oportunidad de contemplar los productos de unas voluntades creadoras, a las que encontrar una interpretación plenamente adecuada es quimérico (Adorno). 


  •  No obstante, si he de citar a autores, no puedo pasar por alto a ROCÍO GUERRERO (¿metafísica del cuerpo?), JAVIER DE BENITO, JOAO CASTRO SILVA, TANIA BLANCO, GUILLERMO PEÑALVER, STARKY BRINES y otros.  En definitiva, los hallazgos han sido despertares acendrados más contundentes que años pasados, lo cual es de celebrar y mantener.


  • Vivir es caminar siempre de sombras
  • cargado hacia un fatal destino.

(Leopoldo de Luis).


  • Reproducciones de obras de:


Rocío Guerrero.
Tania Blanco.
Bonus-Extra
Joao Castro Silva
Guillermo Peñalver 

EARL STALEY (1938) / YO HICE VIVIR LOS ESPACIOS


  •  La pintura sigue siendo el deseo absorto que nos descubre desde el exterior. Nunca pasa una página sin que haya removido tierras y campos de visión. Ni cede un milímetro si piensa que la metástasis ya está funcionando y hace nacer un alba.


  •  Y dentro de este amanecer el creador va destilando y celebrando su propia versión del acontecimiento visivo, situándose dentro del mismo, estableciendo parámetros desde los que observar la finitud que él, como mediador, tiene que evitar que cese. El norteamericano STALEY no deja que la luz ni la forma se apaguen, al contrario deben dirigirse a nuestra mirada para que intercambiemos lugares y entrañas, las profundas razones de cada plenitud y del furor del encuentro.   


  •  Es una obra fruto de la libertad, de ver el mundo a la luz de unos principios por los que rige su hacer y su construcción, su fe en que la decisión es la que enlaza su producción con lo que entiende que debe ser una plástica que ha de ganarse vibración sin enloquecer al sueño.   


  • En esta encrucijada
  • del cuerpo siempre lleno de luz, de amor, de gracia,
  • y del alma sombría, siempre oscura, siempre vana,
  • qué ramaje de sangre apartaré con la mano
  • para ver el paisaje que fuera de mí se prolonga.

(Ricardo Molina).

ARCO 2013 / PASEN, VEAN Y ALLÁ LO QUE SE CREAN


  •  ARCO 2013 es una versión continuista y continuadora, nada dada a las sorpresas pero siempre con la salvaguarda de disfrutar de grandes obras. Lo moderno y lo contemporáneo ya son prácticamente uno solo y me da lo mismo que a un SAURA se le encaje en un módulo y a un ROIG en el otro.   


  •  Citar a los autores más representativos es un preferencia de códigos y lenguajes que no vienen al caso. Sí, en cambio, resaltar las muestras de abstracción tanto lírica como matérica, algunas esculturas que merecen el título de apóstatas y alguna instalación que otra. Bien es verdad que sobran muchas chorradas que se se hacen pasar por lo que no son, pero son más las auténticas, que nos seducen y atraen, que nos sensibilizan y hasta nos hacen contraer ciertos compromisos con ellas.  



  •  Otra cosa que merece un estudio de largo alcance es el inmenso ganado que un día como hoy, dedicado a profesionales, inunda esos espacios. De arte, que me perdonen, no tienen ni puta idea, pero de besos, saludos, fariseísmos, dinero (aparentemente) y tontería, como para dedicarle toda una feria, pero de las inefables.  Y el reduccionismo del léxico que utilizan hace ininteligelible cualquier forma de sintonía sobre lo que estás contemplando. Se limita a fíjate cómo lo hace, se parece a mi tía Desideria o es chocante así colgado. Impresionante, oiga.         


  •  La verdad es que siendo una vez al año no hace daño y se conecta con manifestaciones artísticas que nos familiarizan con un producto humano que en sí mismo no huele a podrido y corrupto, nos plantea la observación y análisis sobre nuestra especie y su creatividad y no nos condena a ningún infierno, aunque no nos engañemos nos incita a pensar en él más de una vez.   


  • Que se consuma el tiempo. Que la carne muera. Que la vida pase
  • si no son como al hombre le apetecen, 
  • de su estatura y dignidad.

(Ramón de Garciasol)

Reproducciones de obras de Alberto Reguera, Hugo Fontela, Max Neumann, Katharina Grosse y Secundino Hernández.  

JAMES ALBERTSON (1943) / PROFANACIÓN


  •  Decía M. Dufrenne que la pintura es lo representado en lo que no se le parece. En la obra del norteamericano ALBERTSON nada puede afirmarse que no pueda ser afirmado en contrario. Y con una plástica que no tiene nada de sublime, más bien tosca, airea el tufo que nuestros sueños van dejando.    


  •  Explicita con el significante adecuado desvaríos y alucinaciones, asociaciones y relaciones que las imágenes toman alegremente como danzas de vida que no tienen sentido del tiempo, porque él, ese dios, casi el único, es el que nos convierte en seres que conciben la metafísica desde otras intrascendencias, paganas por supuesto, que son las más corrosivas y divertidas.  


  •  Tenemos que ser adonisíacos, maestros del caos y pensar que desde el mismo y a partir del mismo nos hacemos significado múltiple y acontecimiento eterno, sin denostar veleidades, mancillando si ha de mancillarse, profanando si ha de profanarse, y mordiendo la carne si ella no pide contrición y absolución. 


  • ¡Espera, tiempo! ¡Espera, carne! ¡Vida, espera!
  • Ni el tiempo, ni la carne, ni la vida, esperan.

(Ramón de Garciasol).

REINHARD STAMMER (1952) / SOMOS COMO APARECEMOS




  •  Los artistas alemanes siempre se han significado por pulsar unas tribulaciones que bailan con lo abominable, lo desdichado, el sufrimiento, la violencia y el hedor de los cuerpos en descomposición. Me atrevería a decir que con su expresionismo han dado lugar a una metafísica del suplicio. 


SUSANNE THEMLITZ (1968) / ¿QUÉ BUSCAS Y NO ENCUENTRAS?


  •  Los márgenes de horror del hombre que nos agarran tomando una copa en el bar de la esquina son los márgenes también del horror en el arte. Pero en esos monstruos se ocultan caracteres infames, semánticos de pasión y odio, o quizás son simples defensores del uso de la razón, pues ella es suficiente para hallar estruendo y amputación de cabezas pensantes que no encuentran otro medio de afirmarse.  


  •  Que la portuguesa THEMLITZ parte de una angustia y un pasado introspectivos -muy lejanos-, de inequívocas referencias a los límites que uno mismo como artista se impone, no es nada que nos condicione, la mirada tiene ya la sabiduría para captar los propósitos y la ironía de una esbeltez y belleza que son un tiempo que resbala dejándonos esta congoja entre escapularios. 


  •  Dentro de este mundo, que en sus planos pictóricos tiende a conquistar espacios, me siento retratado y único, capaz de establecer preámbulos de un final que ya no requiere que me transforme: me veo a mí mismo como lo que soy.   


  •  Debemos ocultar entre sonrisa y canto nuestra verdad más honda,
  • olvidar que sabemos la soledad del hombre,
  • porque hemos descifrado la quietud de la tierra en ese alerta inmóvil que precede al espanto.

(Ildefonso M. Gil).

KEIKO SATO (1957) / VERSIÓN DE UNA TIERRA QUE YA NO ES LA MÍA

Dice Gerard Vilar que el significado de las obras de arte cambia en el curso de la historia porque los tres mundos (objetivo, social y subje...