ANTONIO RECALCATI (1938) / SÉ QUE LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO

• Dice Jean Baudrillard que hay una gran dificultad para hablar de la pintura de hoy porque hay una gran dificultad para verla. Porque la mayoría de las veces ya no quiere ser exactamente mirada, sino visualmente absorbida y circular sin dejar rastros.
  
  
  
  
  • Pues tal fenómeno no me pasa con la obra del italiano RECALCATI, que se debate entre esos cuerpos que son emociones vibrantes de soledad, de dudas en ambientes fríos, helados, con vientos que les señalan como personajes frágiles, efímeros, que se corroen con la sustancia coloreada -pálida pulsión del pop- de su propia ficción. Y esos espacios que describen metafísicas incontinentes, abiertos a los escalpelos del alba. O ese cuadrado anónimo que inscribe los rostros de otros anónimos que ya se encuentran dialogando bajo otros cielos.
    
    
    
    
    
    • 
      Es una pintura que guarda las distancias, que tiene en su aparato conceptual la visión lumínica de un hoy multiplicado en distintos escenarios, pero se queda en la opción más difícil de negar lo que nos parece que tiene de ya suscrito y visto, mayoritariamente visto y suscrito.
      
      
      
      
      
      • Quisiera escapar de las líneas de mi mano
      
      
      • río arriba, desafiando el vértigo
      
      
      • como un arcángel, sin estómago
      
      
      • para no vomitar el universo.
      
      
      • (Manuel San Martin Palacios).
        
        
        
        
        
        
        
      
      

AGOSTINO BONALUMI (1935) / EL QUE NO QUIERA VER QUE SE QUEDE CIEGO

• Es un hecho que las prácticas artísticas y culturales están hoy estrechamente ligadas al desarrollo tecnológico, al de los medios de comunicación y de información.
  
  
  
  
  • Pero Marc Fumaroli lo plantea desde otra convicción: "en su lugar han aparecido y proliferado un arte contemporáneo y unas artes plásticas totalmente serviles a la imagen tecnológica, a la publicidad y al comercio de lujo".
    
    
    
    
    
    • Entonces, la obra del italiano BONALUMI, la que enmarcan dentro de este contexto como una experiencia táctil y de abstracción sensorial, me remite a Pascal con aquello de que "me aterra el silencio eterno de los espacios infinitos".
      
      
      
      
      
      • Silencios monocromáticos de unas superficies cinceladas que contienen un sino, que es el de exhibir la condición de su manifestación como un retablo ausente al que únicamente le queda la piel.
      
      
      
      
      
      • No obstante, la lujuria está presente, la austeridad de la opulencia también, y si se colocasen estas obras en un altar de ceremonias tendría lugar la fastuosidad de un reencuentro con la visualización soltera y harta de tanto acontecimiento narrado.
      
      
      
      
      
      • Se acabó el relato, solamente hay tiempo para que un plano no nos deje más que una historia palpable de sí mismo.
      
      
      
      
      
      • El azul que está en el aire, con cruz de relámpagos,
      
      
      • chispa en los seres y animal en la supervivencia
      
      
      • mañana, otra persecución a lo inanimado del dibujo real
      
      
      • que lo sustenta.
        
      
      
      • Así pasan sopletes en tornados de vida,
      
      
      • martillos pilones en heridas abiertas,
      
      
      • me canso que me toque la enfermedad,
      
      
      • es la vida.
      
      
      • (José Álvarez Vélez).
        
        
        
        
        
        
      
      

OSVALDO LICINI (1894-1958) / SE PUEDE SEGUIR PINTANDO HASTA DESPUÉS DE MORIR

• El artista, a partir de su experiencia personal y plástica, ha de ser capaz de dispersarse en todo lo que conoce, ser todo lo que puede sentir. Y sentirlo todo. Entonces su experiencia es universal e intemporal (La Camama).
  
  
  
  
  • Ejemplo de ello es el italiano LICINI, vitalidad concentrada en un sueño etéreo, animado, de cielos abiertos azules, negros, rojos, de ámbito oníricos en los que nuestras sombras blancas flotan y nos esperan.
    
    
    
    
    
    • Sobre ese misterio que nunca agoniza, su pintura es una bahía que sirve de refugio para que esas cromáticas conjugaciones maquinen esplendores, mapas cósmicos, y unos pobladores de movimientos fugaces que dejan estelas que les proporcionen el regreso por nuevos caminos.
      
      
      
      
      
      • Es un poema exultante esa sencillez desnuda, ese sentido de acentuar lo mágico sin apenas señalar el objeto y su cúmulo, lo pluriforme y su hacinamiento, el vertido y su configuración espacial.
        
        
        
        
        
        • Por eso es un canto de amor a la confluencia de tesituras artísticas que hacen de la cualidad estética actual su fundamento, su razón de concebir y realizar, su parangón universal.
        
        
        
        
        
        • Donde parten las palabras caben los sentidos,
        
        
        • rompiste el vértigo al ser madre por placer
        
        
        • donde el amor se siente, hay en el océano de tus ojos
        
        
        • una herida cálida, sombras con párpados cerrados,
        
        
        • ventanas pintadas, labios rojos y ceniza en la barbilla.
        
        
        • (José Álvarez Vélez).
          
          
          
          
          
          
          
          
          
        
        

WERNER BÜTTNER (1954) / SENTIMIENTOS HONORÍFICOS

• El soporte ha de estar muy embutido, así ha de evitarse que la figuración se escape y asalte al espectador. Además de que ese embarrado propicia más que nunca una encarnadura limpia que explica unas claves de ironía y de conciencia sobre lo que es la pintura cuando se descuelga de su propia metafísica estética.
  
  
  
  
  
  
  • La obra del alemán BÜTTNER están en función de los rastros que va dejando, de la antítesis de una plástica que se ha concebido como una convocatoria iconoclasta.
    
    
    
    
    
    
    
    • Mientras las corrientes conceptuales anidan, las aves de la discordia trazan historias zoomórficas bien empastadas que aglutinan delirios y venganzas, no sin antes proclamar que es hora de que amemos lo que vayamos a negar.
      
      
      
      
      
      
      
      • Estamos ante un enfoque casto pero peligroso, perverso pero infantil, sombrío pero de orgasmo feliz, estéril pero fecundo en imágenes que no por abatidas han reaparecido con una sonrisa feliz.
    
    
    
    
    
    
    
    • Aprovecho el día con mi existencia,
    
    
    
    • ¡es afirmación el día a día!
    
    
    
    • Si preguntáis de donde vengo,
    
    
    
    • son amargos los pasteles, los grillos no cantan
    
    
    
    • al sol, las palomas están sin condiciones de volar
    
    
    
    • y al violeta le han indicado que es su Semana Santa.
    
    
    
    • (José Álvarez Vélez).
    
    
    
    
    
    
    
    
    
    

AlMUDENA LOBERA (1984) / YO CREO QUE SIEMPRE TENEMOS QUE IR MÁS ALLÁ

• Confiamos en la pluralidad de estilos y en la multiplicidad de lenguajes y códigos, aunque la ayuda de la tecnología posindustrial ha sido decisiva.
  
  
  
  
  • Y también apelamos al eclecticismo, a la publicidad y el marketing, sin olvidarnos de los medios de comunicación.
    
    
    
    
    
    • ¿Y la obra? ¿Es un mero pretexto o es el fin? ¿Es un único concepto o reúne arquetipos, sensibilidades, representaciones, alegorías, etc?
  
  
  
  
  
  • La de la española LOBERA se sostiene en caligrafías, floras, instalaciones lúdicas en las que el simulacro está lleno de preguntas sin que ello sea óbice para detenernos en su contemplación todo el tiempo del mundo sin necesidad de respuestas.
    
    
  
  
  • Organiza y complementa visualmente un núcleo de visiones que hacen de vehículo de una ambigüedad mágica, catalizadora de preferencias tomadas aquí y allá, de lo que vivimos y de lo que imaginamos.
    
    
    
    
    
    • 
      Trasudan momentos en los que necesitamos que sean estos signos y vocabularios los que nos conciernan y aludan. Ya nos son insuficientes los que hay, aunque cada día se lanzan nuevos, pero no todos son válidos, algunos se incorporan desde su origen agotados. No obstante, en este caso la realidad de este quehacer es agua fluyendo sobre sus propios límites.
  
  
  
  
  
  • La vida es una dura disputa agitada por desgracias concretas, y hace falta un terreno en el cual arraigar, y hace falta el calor que madure y huela, y hace falta la tarde que inunde de melancolía y la mañana que refresque y conforte.
  
  
  
  
  
  • No tengo más que caminos y caminos: el gris pérfido de esta senda sin fin.
  
  
  • (Giuseppe Ungaretti).
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  

SAMUEL BURI (1935) / LAS VACAS PACEN EN MIS LIENZOS

• Marc Jimenez sostiene que el artista es polivalente, capaz de poner en ejecución, simultánea o sucesivamente, diferentes procedimientos mediante soportes y materiales diversos.
  
  
  
  
  • 
    En ese caso el suizo BURI es el artífice de unas prácticas que abrazan la plenitud cromática desencadenando tormentas abstractas sin necesidad de recurrir a alcurnias trasnochadas.
    
    
    
    
    
    • Pero ahí no queda todo. Hay que policromar, a continuación, las vacas símbolo, que para eso son la hechura icónica de un entorno que detrae significaciones colaterales para condensarse en la concatenación e interrelación entre lo animal, lo vegetal, lo geográfico, la luz, la sustancia óptica y el pensamiento plástico. Y sin olvidar la enseña propia.
      
      
      
      
      
      • 
        De buscarse referencias no hay otras que las que brotan en la aplicación de enfocar fusiones, mixturas, mezclas, que hacen que el color señale, imponga y hasta escriba el discurso de su inacabable pirueta o giro entre la nada y lo absoluto.
    
    
    
    
    
    • Con avaricia ávida me como el día,
    
    
    • el corazón apresurado sin marcapasos,
    
    
    • con un paso apresurado para encontrar sustento
    
    
    • del Dios que no llega.
    
    
    
    
    
    • Los calcetines que guardan manos,
    
    
    • pies desnudos en los maltrechos
    
    
    • espesos del hambre.
    
    
    • (José Luis Álvarez Vélez).
    
    
    
    
    
    
    
    
    

CARLOS URIBAZO (1951) / ENSENADAS INUNDADAS

• ¿Hasta qué punto es cierto lo que afirma Nelson Goodman, eso de que lo que vale hoy es el contexto filosófico y artístico en el cual aparece la experiencia artística y lo de menos es el juicio, el valor y la calidad de las obras?
  
  
  
  
  • La obra del cubano URIBAZO tiene su propio contexto -lo tiene cada obra que es capaz de suscitarlo-, la de un tapiz introducido en una realidad plástica que se despierta a toque de diana pensando en una recolección de visiones.
    
    
    
    
    
    • Si no están esmaltadas y vidriadas se resisten a aparecer, y cuando lo hacen emergen ceñidas y con una genealogía de formas metamorfoseadas según un caleidoscopio metafórico de colores.
      
      
      
      
      
      • La atmósfera caribeña imprime esos reflejos, esas solubilidades luminosas que gozan ante tonalidades y gamas como si estuviesen en un baile verpertino de rumbas o en un ambiente al alba de boleros. Y configuran en sus obras cuerpos, imágenes y espacios que forman microcosmos de saberes fantásticos, de mensajes en clave de códigos ilustrados y sacrificados a la pasión de la pintura.
        
        
        
        
        
        • Por lo tanto, los valores plásticos aquí reunidos son los que no buscan un juicio final sino el principio de un entendimiento con la razón de ser del artista.
          
          
          
          
          
          • Hoy es domingo, y esto
          
          
          • tiene muchos siglos; de otra manera,
          
          
          • sería, quizá, lunes, y vendríame al corazón la idea,
          
          
          • al seso, el llanto
          
          
          • y a la garganta, una gana espantosa de ahogar
          
          
          • lo que ahora siento,
          
          
          • como un hombre que soy y que he sufrido.
          
          
          • (César Vallejo).
            
            
            
            
            
            
            
            
            
            
            
          
          

¿EXTRAVAGANCIAS EN EL ARTE?

• MICHEL JOURNIAC se empeñó en consagrar el evento con una hostia recortada de una morcilla fabricada con su propia sangre: noventa centímetros cúbicos de sangre humana líquida, noventa gramos de cebollas crudas, noventa gramos de grasa animal, una tripa salada y reblandecida en agua fría y luego secada, ocho gramos de las cuatro especias, dos gramos de plantas aromáticas, azúcar, etc.
  
  
  
  
  
  
  • Entonces GÉRARD GASIOROWSKI me dice que está desesperado porque Kiga, maldito el día que lo inventó, mezcla su mierda con hierbas y después con los dedos impregnados de ese revuelto pinta visiones y se las atribuye a él. No sé como acabará esto.
    
    
    
    
    
    
    
    
    • A continuación, WIN DELVOYE me pide mil quinientos euros por un trozo del excremento excretado por su máquina Cloaca. Me asegura, mientras se unta el pene con sulfato de vario para exponerlo a los rayos X, que se alimenta de comidas especiales preparadas por los mejores chefs de la gastronomía francesa.
      
      
      
      
      
      
      
      
      • Cuando ya harto voy a hablar con PIERRE PINONCELLI, lo encuentro seccionándose con un hacha una falange del meñique izquierdo, después de destrozar a martillazos una réplica de la Fuente de Duchamp. Como lo condenaron a trescientos mil francos de indemnización no me contestó y siguió en silencio.
        
        
        
        
        
        
        
        • Y encima a PHILIPPE MESTE lo sorprendo masturbándose encima de fotos de top models. Es para que así vayan condecoradas, me susurra, es muy importante para su publicidad.
          
          
          
          
          
          
          
          
          
          

YAYOI KUSAMA (1929) / ¿HAY RUTAS ESTABLECIDAS?

• A la japonesa KUSAMA (cuya obra puede verse actualmente en el Reina Sofía de Madrid) le fascina lo que puede aportar la ciencia a su actividad y a sus necesidades de proyectar lo que cada día constituye su despertar. Gracias a ella y a los materiales que incorpora (uso de los cuales es una clave del arte contemporáneo) a sus realizaciones, los límites se han roto, la pluralidad de medios, escenarios, imágenes, es posible, alcanzable y conseguible.
  
  
  
  
  • La metodología y las técnicas industriales , tan accesibles y maleables, le permiten crear sus biotopos, sus comunidades de objetos, sus fiestas sorpresa, sus carnavaladas, sean cuales sean, lo importante es que despidan vientos de desconcierto, de asombro, de estupefacción, de sensaciones que tenían la mecha apagada.
    
    
    
    
    
    • Los siguientes pasos estaban ya pensados: convencer de la riqueza visual y subliminal de esa integración disciplinar, obtener como sea y por donde sea un lanzamiento internacional y a través de él la llegada al gran público.
      
      
      
      
      
      
      • 
        Pero simultáneamente ha de compaginarse tal despliegue con la leyenda, como aquella que hacía referencia al artista Wu Daozi, que se perdió en la bruma de un paisaje que acababa de pintar. La suya ha de ser casi similar, la de una desaparición y ocultamiento. Lo peor hubiese sido que nadie la hubiese querido encontrar.
      
      
      
      
      
      • ¿La muerte? ¡Opónle todo tu vestido!
      
      
      • ¿La vida? ¡Opónle parte de tu muerte!
      
      
      • Bestia dichosa, piensa;
      
      
      • dios desgraciado, quítate la frente.
      
      
      • Luego hablaremos.
      
      
      • (César Vallejo).
        
        
        
        
        
        
      
      

PABLO RODRÍGUEZ GUY (1950) DEJA SU RASTRO EN MADRID

• La obra del andaluz RODRÍGUEZ GUY está a la vista en la sala ACGallery de Madrid. Y si ya en un post que le dediqué el 13 de noviembre de 2009 hablaba de su seguridad en cuanto a plasmar el acervo y su expresión más allá de lo que aparentemente se veía, ahora revalido tal acercamiento desde la convicción de que la hondura de su quehacer es el rastro de su significación.
  
  
  
  
  • Sus vivencias hindúes, a modo de resonancias yuxtapuestas y fundidas en la superficie del soporte, hacen que la materia fuertemente espesada, texturizada, cobre un imaginario poblado de ecos, sean cosmogónicos o telúricos, que reunifica, amplifica y singulariza una plástica de perspectivas abiertas en cada ángulo y centímetro de un espacio que está en un constante proceso de renovación.
    
    
    
    
    
    
    • 
      Y si la coloración es un elemento decisivo de fuerza, el conjunto es un ideario que parte de lo eternamente vivo, sin dejar que un mínimo rasgo quede marchito, arrojado a su suerte. Éstas son sus señas de identidad, que no corren riesgos de extravío, sino al contrario, de prolongar una continua construcción hacia un mayor cúmulo de márgenes.
      
      
      
      
      
      • 
        Hay un vacío
      
      
      • en mi aire metafísico
      
      
      • que nadie ha de palpar:
      
      
      • el claustro de un silencio
      
      
      • que habló a flor de fuego.
      
      
      • Yo nací un día
      
      
      • que Dios estuvo enfermo.
      
      
      • (César Vallejo).
        
        
        
        
        
        
      
      

STERLAC (1946) / DERIVAS BIO-TECNOLÓGICAS

• Al hombre le asusta la la modificación de su cuerpo, pero si es través de la bio-genética el horror es asumible si nos proporciona la inmortalidad. Arte y genética, todo un descubrimiento a través del sufrimiento.
  
  
  
  
  • Pero no parece ser éste el caso, el de la perpetuidad me refiero, porque ¿colgarse de anzuelos es una metófora anfibia que la persigue o un simple intento de volar en el vacío, sea o no metafísico? Se habla de un expresionismo fisiológico o transgénico. Y también podría añadirse un expresionismo tecnológico.
    
    
    
    
    
    
    • 
      En el marco de estos perfomances con ciertos tintes monstruosos, de mucha tecno-ciencia, eso sí, late un designio de romper fronteras, casi como un destino manifiesto que se queda en brazos de un probable nihilismo. Paul Virilio defiende que lo nihilista, hoy en día, es el conocimiento mismo. Ya no hay valores porque no hay nada que valorar ni tampoco voluntad para hacerlo.
      
      
      
      
      
      
      • El chipriota, residente en Australia, STERLAC nos sitúa ante un espectáculo de carne en busca de una fusión o prolongación mecánica, alambicada, de piel festejando su propia derrota sadomasoquista, porque hay abismos que para cruzarse no requieren del arte, creo yo, por muy largos que sean los miembros y la sangre.
    
    
    
    
    
    • Amor! Y tú también. Pedradas negras
    
    
    • se engendran en tu máscara y la rompen.
    
    
    • ¡La tumba es todavía
    
    
    • un sexo de mujer que atrae al hombre!
    
    
    • (César Vallejo).
    
    
    
    
    
    
    
    
    
    

LEON GOLUB (1922-2004) / PERDÓN A LAS VÍCTIMAS

• Decía en mi post de 16 de septiembre de 2008 sobre este mismo artista norteamericano, que los seres repulsivos (lo son porque rechazamos tal posición) que nos repugna ver como víctimas están ahí, a nuestro alrededor, porque también forman parte de nosotros y por lo tanto no podemos rechazarlos.
  
  
  
  
  • Ahora, en su exposición actual en Madrid, podemos certificar que la verdad de esas pinturas de gran formato son un quejido implacable, monstruoso sobre la impiedad, sus sicarios y la inutilidad de los torturados, martirizados, que no queremos ver ni oír, ni siquiera presentir.
    
    
    
    
    
    
    • Es más fácil que nos lo hagan mirar en espíritu bajo un ideal plástico resplandeciente, pero nunca rehabilitando el cuerpo para inmediatamente dar cuenta de su destrucción, pues lo que hace GOLUB es dejarnos intencionadamente sin ese consuelo, el que justifica enigmas, secretos, irrealidades, mentiras y cómodas sensualidades de luminosas filigranas o espectaculares minuetos.
      
      
      
      
      
      • 
        No son imágenes técnicas ni ópticamente correctas, son visiones renovadas que crean una realidad de otra realidad, una estética espesa, sucia, que llena la superficie de nuestros espejos como la condición de nuestro reflejo.
        
      
      
      • Manifiesta muy acertadamente Jon Bird que se trata de narrativas visuales que incluyen cuerpos -mediante gestos, posturas y expresión facial- como portadores de significado y verdad, alegorías de nuestro mundo contemporáneo desplegándose a través del espacio pictórico.
        
      
      
      • No se la pierdan, háganme caso, no se arrepentirán.