FÉLIX BERROA (1952) / ¿QUÉ ES LO QUE ME QUEDA POR POSEER?

•  La luz antillana se ha metido dentro para que sea enriquecida por el color, para que el creador se deje llevar por la pintura hacia la pintura. No hay nada como la huella de esa luz color, de ese dibujo que la hace suya para que su plasmación tenga la visión de un descubrimiento.

• Así es como podemos afirmar que el dominicano BERROA da pie a la expresión de todo un universo particular, íntimo, imaginativo, con el que comunica una manifestación plástica que no se derrama sobre el lienzo como un desgarramiento casual e inopinado, sino que  formula una figuración en base a la estético del contenido, por una parte, y la estética de la forma, por la otra.

•  Un visualizar como una procreación de seres que se encuentran, que se reconocen, que se aman o se odian, pero con una luminiscencia que encarna la realidad de su naturaleza, de su danza escenográfica y múltiple, que irradia ese candor simulado que en su culminación es su reverso, que es esa otra ceremonia de lo pagano.

Esta mañana el mundo está esforzándose
en borrarse del mapa. Y en borrarnos.
(Lorenzo Oliván)

GUILLERMO KUITCA (1961) / LA TRAGEDIA SIN PERSPECTIVA NO ES TRAGEDIA

•  Antes de los mapas y las plantas arquitectónicas el argentino KUITCA se expresaba con una mano en la tragedia y con la otra en el drama. Pero su configuración tempestuosa estaba en la perspectiva y en la concepción de unos ámbitos espaciales que provocaban su deglución abismal. 

•  Dentro de esos espacios no se buscaba una ejecución elaborada y estilística, sino una atmósfera turbia sostenida en ese cromatismo sucio, desapacible y hasta fatal, pues no hay artista que aspire a la armonía en una sociedad infeliz.   

•  Al final cada obra nos induce a pensar en lo confuso y borroso, en que hay que obviar lo aparente por su falta de claridad y penetrar en ese pequeño mundo que es tan grande y en el que, por el contrario, suceden tantos hechos tan enormes y terribles.  

Ese reloj no quiere 
llegar al tiempo
al que el tiempo llegó
hace ya mucho. En vano
marcha hacia atrás huyendo
de la tragedia que ya ha acaecido.
(Lorenzo Oliván)

VIVENCIAS PLÁSTICAS: BRUNO CECCOBELLI (1952) / DE VÍCTIMAS Y ORACIONES

VIVENCIAS PLÁSTICAS: BRUNO CECCOBELLI (1952) / DE VÍCTIMAS Y ORACIONES

BRUNO CECCOBELLI (1952) / DE VÍCTIMAS Y ORACIONES

•  Las palabra de Francis Bacon llevan una carga definitiva y nunca bien entendida: "el lienzo en blanco se encuentra lleno de prejuicios, de condiciones, a las que intento asesinar, borrar, tachar o reconducir hacia otro sitio al pintar".   

•  Para el italiano CECCOBELLI, alejado de modas y tendencias, lo fundamental es eso, el alcanzar la materialidad y plasticidad de una espiritualidad que él vive como ser y como artista. De ahí vienen esas imágenes esotéricas, ungidas por toda una concepción metafísica, incluso teosófica, que perfilan unas obras al borde de un umbral impredecible.

•  Están como grabadas a cincel en el tiempo y en la superficie, como símbolos de un logos que se ha precipitado ante nuestra mirada, nos distancia y al mismo tiempo nos acerca, nos fusiona bajo un cúmulo de destinos universales que plasman su condición de iconos insustituibles y sacramentados.

 A cada nuevo paso
que das, escuchas, hueco,
el eco de otro igual.
Una réplica exacta que te hiela la sangre.
(Lorenzo Oliván)

VETTOR PISANI (1934-2001) / ME HE IDO VOLUNTARIAMENTE CON ELLOS

•  Que haya un punto de partida, por favor, uno sólo aunque sea inconsciente, pues éste siempre se desarrollará a través del accidente o el azar, confesaba Francis Bacon. El italiano PISANI, que acabó suicidándose, es fiel reflejo de ello con todo su magnífico aparato imaginativo.  

•  La suya es una pintura y una escultura que no esconde las paranoias, las contradicciones, las sofisticaciones y falsedades del mundo que nos rodea, pero para ello suelta sus mejores dotes y capacidades plásticas, aunque los despistados le acusen de una liturgia surrealista breve y concisa.    

•  Nada más lejos de ello, la locura que anida en su interior transforma y suprime lo superfluo, se queda con los más arbitrario y mortífero, con la creación y la destrucción, con la alegoría y el sursuncorda, con el despiporre y la sagrada luz. Entonces es cuando se ha ido para dejarnos algo imborrable. 

Cerrarte en un paréntesis de brazos
donde no cabe el mundo, ver que rota
mi ser alrededor de tus caderas,
romper con lo exterior todos los lazos,
y entrar en una realidad ignota,
que es sólo un centro en donde no hay afueras.
(Lorenzo Oliván)

LITA CABELLUT (1961) / LA PINTURA ES EL MAYOR CAUCE CON EL QUE ME HE ENCONTRADO

•  La catalana CABELLUT, que ya ha estado en este blog con todo merecimiento, sigue paseando su obra por todo el mundo, quizá, por una parte, porque por fuerza, decía Robert Hughes, continúa con su pintura echando miradas nostálgicas hacia el pasado. Aunque, por otra parte, creo que se queda corto y hay que completarlo, pues el imaginario estético de la artista ofrece una visión que cicatriza existencial y vivencialmente en el lienzo al mismo tiempo que en la mirada.    

•  Parece que no viola ningún código y lo cierto es que lo transgrede todos, desde el plástico hasta el dramático, desde lo real hasta lo enmascarado, desde lo vital hasta lo puramente formal. Es una poética y una liturgia que nace del desasosiego, de la angustia, de la rabia, pero también de la meditación y la reflexión, ya que se origina como una introspección sobre la naturaleza del ser, que siempre resulta oscura, contradictoria y aflictiva a lo largo de la historia del arte.  

•  Cada personaje, cada mirada, cada rostro, cada ropaje, vienen definidos por el contexto en que se plantea, mejor dicho, en el que ella lo plantea, en que iniciado el punto de partida, son ellos, los seres, los que hablan, callan, maldicen, piensan, mueren, y todo ello en su propio lenguaje, tal y como comenta Francis Bacon. En definitiva, es una propuesta insólita que roza la perfección y que está hecha para contemplar indefinidamente.  

Detrás de aquella raya, queda un mar
que tus dos ojos niegan, tachan, hunden.
Acostumbra a tu mente -más osada-
a saltar por encima de ti mismo.
(Lorenzo Oliván)

JOSÉ MÁRQUEZ VALDÉS (1961) / AMPLÍO HORIZONTES SIN SALIRME DE LA RUTA

•  La obra del cubano MÁRQUEZ, de nuevo en Vivencias Plásticas, ha tomado otros derroteros, quizá porque, como decía Bonito Oliva, la idea de que el arte transforma y modifica, en el sentido de que da forma e intención a la energía del mundo, se corresponde, en la historia de la cultura, con el proceso alquímico. 

•  Cierto que él no deja de insistir en que la superficie siga relatando sus bases abstractas, aunque no ciegas, incluso que se forzase y densificase más, superponiéndole más capas, papeles, desgarros, pigmentos, hasta la ilusión de unos animales rondando por encima de ella.   

•  Pero también es evidente y coherente que sean los cimientos de unas estructuras constructivas derrotadas, abortadas, abandonadas, como unas biografías sin parada y fonda. No hay pulcritud cromática que valga, ha de manifestarse un reverso tan viejo y cansado que llegada su última hora ilumine, lance destellos postreros de una existencia que resiste y aguanta hasta sumergirse como la plataforma cósmica que nunca llegó a ser.  

• Por tanto, muestra una creatividad que parte de un conglomerado fructífero de lo material, lo hace vivir y transmitir con tal desasosiego e inquietud que parece una estación final desde una dimensión que no nos es desconocida pero sí ignorada por ser territorios de naufragios sin tesoros.  

Al blanco bosque del poema llega
tras buscarse entre negras sombras, cada
vez que el oscuro perro de la nada
le ladra su vacío, o si se entrega
a sus más turbias obsesiones.
(Lorenzo Oliván)

LUDMILA SEEFRIED-MATÊJKOVA (1938) / ME HAN ACOMPAÑADO SIEMPRE

•  Decía Francis Bacon que la biografía de un artista puede ser el punto de partida para la interpretación de su obra. Y claro que ese punto de partida es evidente en el caso de la checa alemana LUDMILA, porque en sus personajes la piel es tanto un límite como una superficie (la que ella misma retuvo). 

•  Se han quedado como autorretratos a los que se les ha quitado la máscara y ya no tienen donde posar la mirada. Por tanto, repite Bacon, es erróneo concebir su soledad y silencio como sinónimos, puesto que la soledad habla continuamente, incluso grita. 

•  Las efigies, estáticas, inmóviles, melancólicas, se sostienen con el fin de mostrarse como una vez fueron, como una vida, la suya, que se hundió sin ser protagonistas sino perdedores, aciagos perdedores que han extraviado el habla, y que si son obesos por casualidad es por no comer y servir de modelos de una utopías caídas en el descrédito y el exterminio.    

Y con qué rapidez
tanta luz concentrada se dispersa 
en mi sangre entre sombras.
(Lorenzo Oliván)

VIVENCIAS PLÁSTICAS: MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTAN

VIVENCIAS PLÁSTICAS: MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTANgoyovigil.com

MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTAN

•  Si no vale la pena vivir una vida no criticada (Sócrates), tampoco lo vale el que no seamos autorretratados y caricaturizados, pero con la condición de un lenguaje luminoso que permita el júbilo de la mirada cuando se produce el reconocimiento. 

•  Reconocimiento que, al final, el americano TRACY, sitúa en el contexto de una sociedad confusa, caótica  y atribulada del presente, dejando que sus personajes se conviertan en carnavalescas efigies en libertad de callar, decir, sufrir, tocar, cantar, mentir, disparar o volar. Ellos son los señores de su espacio y no acatan dogmas que no vengan cifrados.   

•  Desmitificar desmitifica a la vez que deforma y desaliña. Pero también embellece y parodia, además de conformar en el estilo de la mejor tradición y embelesar con una plástica de la fealdad y del tiempo sin marcha atrás. Conjuga, pues, lo que es conjugable y arma una desazón de fondo para que no nos quedemos en la superficie.   

No me escandalizaré cuando una lenguas murmuren puta, no,
porque yo reclamo con desesperación esa tregua
que me haga sentir hembra.
(Ana Isabel Serrano)

NICOLA SAMORÌ (1977) / ESTOY CIEGO PARA NO VERLO

•  Son los muñones quienes nos miran,  ellos mismos nos sitúan, nos ven y no tenemos más remedio que quitarnos las máscaras, porque siempre hay que regresar a la tradición, aunque se debe violentarla antes, ultrajarla, confundirla, destruirla.......porque si no lo haces tú como autor, lo hará ella contigo (Francis Bacon). 

•  Quizás el italiano SAMORÌ no sea tan consciente de ello como de espantarse a sí mismo, negarse, deformarse y mutilarse. Es una humanidad que no ha llegado a ser, a constituirse como tal, tal si fuese un espíritu maltrecho que deja huella en la materia, que la hace a su imagen y semejanza.  

•  Es de una perfecta clarividencia en sus intenciones, que las hace salir de su ocultamiento, que crean esas formas plásticas a su pesar de la disconformidad de las mismas, con su dolor y patetismo, con sus trozos de carne seca, mugrienta, indefensa. Sus obras son viscerales, con el vértigo del pathos a sus espaldas y la muerte a la espera, aguardando extasiada en cómo se va cimentando.  

Dejando al viento a su dirección, con el alma entregada y un
enorme castigo de silencio.
(Ana Isable Serrano)

SUSIE GADEA (1953) / CLAVES EN SILENCIO

•  Viene a cuento de la obra de la peruana GADEA las palabras de Matisse en lo referente a que el color contribuye a expresar la luz, no su fenómeno físico sino la única luz que existe de hecho, la del cerebro del artista. Cada época lleva consigo su luz particular, su peculiar sentimiento del espacio, como una necesidad. 

•  Yo diría que más que cada época, es cada artista el que encuentra esa vivencia a su escala: la medida del gesto pictórico apropiado a la imagen y el medio que utiliza. Ser capaz, como escribía Eco, de restablecer, después de cada golpe originado por lo nuevo, el equilibrio orgánico sobre el que descansa, incluyendo las nuevas adquisiciones en otro sistema de comportamientos espontáneos y reflejos.  

•  La plástica de esta artista, de una abstracción lírica que busca una intemporalidad basada en la delicada pátina cromática, se encamina por derroteros propios en los que la soledad y el silencio son los interlocutores que expresan el anhelo a la mirada y a su sensibilidad necesitada, como un suave rumor visual que hay que recibir con un mutismo secreto.  

Bicolores....malvas, grises, amarillos, azulones
caen ante mis ojos, ante mi inmóvil presencia,
parpadeo, sonrío y muero sin remedio.
(Ana Isabel Serrano)

OLIVER CZARNETTA (1966) / LA MEDIDA DE MI CEREBRO

•  En el interior del cerebro del hombre siempre hay profundos misterios, pero no merece la pena desvelarlos sino es a través de un material como la resina para explorar así mejor sus condiciones y capacidades plásticas.

•  Con ello, el alemán CZARNETTA, da proyección a signos, manchas, palabras, que en una testuz  impregnada de sustancia cromática infunde una sensación de estar ante otro sentido de lo que es creativo cuando se manifiesta. Estaba dentro y ahora ya se lo puede mirar, viene a decirnos. 

•  No cabe duda que es una apuesta entre lo simbólico y lo innovador, entre lo que era un hábito perceptivo acomodado a lo que es un nuevo planteamiento de diferente categoría, en el que destaca su aspecto visionario e iluminado.  

Ese diablo que habita en un reino desolado y frío, monótono
y aburrido. Que sonríe taciturno y silencioso es quien ha
manipulado su vida.
Es quien mandó su paraíso al olvido,
quien dejó en penumbra su alma.
(Ana Isabel Serrano)

ANTONIO GUERRERO (1968) / SUEÑOS DE CRISTAL

• El cubano GUERRERO es un fabulador de un imaginario prodigioso que hace referencia a una particular odisea. Él parte de un dibujo que se desliza a través del azar, de la fantasía, de una quimera que siempre está a la espera en una isla que ya ha esperado demasiado. 

•  Sus ensueños tienen un poso profundo y un virtuosismo que va al encuentro de lo que podría ser un delirio de técnica y realidad propia, que da forma a lo ilimitado que hay en un escenario que nunca está vacío. 

•  Sabe plasmar y encuadrar, configurar y enmarcar desde distintos planos lo que es una imaginería barroca y existencial, pues toda obra es una serie continua hasta la muerte y todo el cuerpo de cada personaje es mirada (Francis Bacon).  

Sentí su susurro......vomitaba vibraciones
que hacían de mi quietud un desasosiego
y aún siendo aprendiz me entrego en cuerpo y alma
a ese delicioso mundo que es escribir.
(Ana Isabel Serrano)