REINHARD STAMMER (1952) / SOMOS COMO APARECEMOS

•  Los artistas alemanes siempre se han significado por pulsar unas tribulaciones que bailan con lo abominable, lo desdichado, el sufrimiento, la violencia y el hedor de los cuerpos en descomposición. Me atrevería a decir que con su expresionismo han dado lugar a una metafísica del suplicio. 

SUSANNE THEMLITZ (1968) / ¿QUÉ BUSCAS Y NO ENCUENTRAS?

•  Los márgenes de horror del hombre que nos agarran tomando una copa en el bar de la esquina son los márgenes también del horror en el arte. Pero en esos monstruos se ocultan caracteres infames, semánticos de pasión y odio, o quizás son simples defensores del uso de la razón, pues ella es suficiente para hallar estruendo y amputación de cabezas pensantes que no encuentran otro medio de afirmarse.  

•  Que la portuguesa THEMLITZ parte de una angustia y un pasado introspectivos -muy lejanos-, de inequívocas referencias a los límites que uno mismo como artista se impone, no es nada que nos condicione, la mirada tiene ya la sabiduría para captar los propósitos y la ironía de una esbeltez y belleza que son un tiempo que resbala dejándonos esta congoja entre escapularios. 

•  Dentro de este mundo, que en sus planos pictóricos tiende a conquistar espacios, me siento retratado y único, capaz de establecer preámbulos de un final que ya no requiere que me transforme: me veo a mí mismo como lo que soy.   

•  Debemos ocultar entre sonrisa y canto nuestra verdad más honda,
• olvidar que sabemos la soledad del hombre,
• porque hemos descifrado la quietud de la tierra en ese alerta inmóvil que precede al espanto.

(Ildefonso M. Gil).

GERMÁN VENEGAS (1959) / MIRÁNDOME A MÍ MISMO, ADIVINO AZARES

•  Decía Willem de Kooning que la carne fue la razón por la que se inventó la pintura al óleo. El méxicano VENEGAS le añade más, como es la suma de mito, leyenda, horror, abstracción, infiernos y en la escultura los reversos románicos y góticos del cielo. Es una obra de hombres dolientes, solos, olvidados, anónimos y casi siempre vencidos. 

•  Mirándose a sí mismo, adivina azares en las rayas de su alma, tal como recita el poeta, y así sin un solo lamento deja que la pasión se pueble de fantasmas, de historias y configura espacios donde rasgar sueños y pesadillas.

•  Es un descifrador de verdades plásticas que estaban olvidadas en la hondura y que tienen voz de alerta ante una quietud de muertos, pero que lo han sido de angustia en un tiempo que hace poesía del espanto.  

•  ¿Cómo podía ser tan plena y tan confusa, tan mía y tan lejana,
• la segura y doliente presencia de mi sangre?

(Ildefonso M. Gil). 

BOSCO SODI (1970) / ESTOY DENTRO DE ELLA

•  La plasticidad, en la obra del mexicano SODI, es alquimia que, sin ser esotérica, busca la transmutación de la materia hasta mostrar en toda su plenitud el proceso y mecanismo que la ha hecho salir y probar su convicción de ser.

•  Física y química a partir de una cosmovisión telúrica que conforma tumbas de arraigo o esferas de grietas en las que anidan orígenes y fósiles de estructuras y seres ya regenerados por otra carne que se volverá a solidificar y continuar el ciclo. 

•  Casi es un completo diluvio incandescente que nos relata y significa, que es base y cielo, cuerpo y voz, imagen y tiempo. Sensaciones táctiles que no desmienten que de existir un vacío ha de ser un delirio como éste. 

• Suena a canción mi angustia, como el frío
• girar de tu mensaje eterno. Suena 
• la sorda muerte a vida al entregarme.

(Enrique Azcoaga).

RICHARD T. SCOTT (1980) / LA PINTURA ES MI PROFANACIÓN

1. En la pintura siempre un culto a la profanación gozosa, pero que no está tanto en ella como en la mirada del que queda preguntándose si ese es el destino correcto. El significante ya es sí mismo una irreverencia, magnífica eso sí, lo cual no es obstáculo para que el significado sea el que penetre y dé cuerpo al sentimiento y reflexión del espectador.  

•  SCOTT es un americano que celebra esa profanación a base de una memoria pictórica y estética que siempre ha existido, una referencia que no ha cesado y una consagración de un hacer plástico que es presente, pasado y futuro.   

• Es irreverente porque él mismo y su obra son todo lo que no vemos hoy, todo lo que habíamos olvidado, todo el sentido de una significación que es discurso, texto, imagen y culminación máxima -simbolismos, sueños, mitos- de lo que materia cromática es capaz de seguir sintiendo y creando, estimulando y creciendo, evolucionando y mutando, mas sin perder un ápice de su auténtica identidad y vida.    

• Y si has de llorar vertiendo las cenizas de tu sangre
• sobre las cenizas del empeño maltrecho y remoto,
• busca la soledad y ríndete en silencio.

(Gabriel Celaya).

OLIVIER DE SAGAZAN (1959) /

•  En toda obra hay una búsqueda del reconocimiento de la singularidad de la misma. Y con ella viene la innovación, la ruptura, la extravagancia, la idiosincrasia, el prodigio y hasta la maravilla y la excepcionalidad.

•  Con la deformación, desfiguración, descomposición, mutación, simulación y el disfraz llegamos al horror, "a la conclusión de que es la propia realidad, cuando se pinta, cuando se mira, cuando se vive con ella, la que es terrorífica" (Arturo Leyte).

•  SAGAZAN, nacido en el CONGO, practica una fusión de fotografía, escultura, pintura y perfomance, hasta alcanzar una transfiguración que no está muy lejos de las palabras de Hegel cuando afirmaba que el espíritu sólo conquista su verdad cuando es capaz de encontrarse a sí mismo en el absoluto desgarramiento.

•  El arte ya no es belleza contra fealdad, bien contra mal, error contra acierto, verdad contra falsedad, sino que es todo ello y además la conversión del pan y vino en cuerpo y sangre, conceptuando al hombre como un mero sujeto que no sabe vivir, sentir y pensar sin él.

•  Lo sabe sin saberlo, negándose a la vida,
• viviendo en otro mundo sin límites, creando
• con barro de la nada el cosmos de una sospecha que ignora.

(Dionisio Ridruejo). 

DYLAN EIJKES (1983) / MANOS DOLIENTES

•  Lo dice John Berger: los artistas no pueden cambiar o hacer la historia, lo que más pueden hacer es despojarla de sus pretensiones. Y hay diferentes modos de hacerlo, entre los que se incluye el de mostrar la crueldad existente. 

•  En estas obras del holandés EIJKES todo el cuerpo debe concentrarse en el ojo. El ojo debe ser el delegado del cuerpo para que la visión resulte devoradora (M. Dufrenne).

•  El ojo selecciona, rechaza, organiza, discrimina, asocia, clasifica, analiza, construye...Nada se ve desnudo (Nelson Goldman). Entonces ¿podría la representación pictórica ser reducida, en algunos casos, a un juego de sustituciones basado en la reciprocidad del significante y del significado (Damisch). 

• Están así los hombres
• con sus manos fabriles o bien sólo dolientes,
• con manos que a la postre no sé para qué sirven.

(Gabriel Celaya).

JOHN BERGER (1926) / EL DIBUJO ME ENFRENTA A LO QUE SOY

•  El propio y gran autor, BERGER, británico, que es además crítico de arte, escritor, pintor y dibujante, considera que dibujar, el reto que plantea el dibujo, es mostrar esto, hacer visible en el papel o en la superficie del dibujo no sólo cosas discretas, reconocibles, sino también mostrar hasta qué punto lo que se extiende es una sustancia, que acosa al acto de dibujar. Las líneas de un dibujo son tensas, acosadas. Quien dibuja está solo en lo infinitamente extenso.      

•  Por eso, en ese proceso tiene lugar una conjura de apremios que quieren forzar el desarrollo y el dinamismo de lo que va saliendo en múltiples direcciones, algunas concretas porque tienen la obligación de explicar lo hallado, otras indeterminadas porque consideran que hay entelequias que no deben someterse.   

•  El artista, en estas singladuras ancestrales, parte de esas premisas para obtener las líneas espirituales de un misterio que es la fundamentación del campo de lo artístico, sin él no existiría éste y sin éste el ser humano probablemente estaría mutilado de un hacer que le hace confrontar y enaltecer.    

• Del fondo de los sótanos; de las siniestras galerías de las minas,
• brotaron seres atónitos, cuajados de espanto,
• esgrimiendo su desesperación al firmamento.

(Victoriano Cremer).

LUIS ZERBINI (1959) /

•  En estas obras el artista brasileño multimedia, ZERBINI, nos ofrece un amplio panorama topográfico enfocado como una visión entre lo edénico, lo posible y lo letal presentido, que se proyecta como una realidad simulada pero no incierta. La multiplicación de la vida en esos espacios, esa naturaleza radiante, no es una antítesis sino, tratándose de Brasil, de una leyenda que está entera y suscrita al entendimiento final de las cosas.   

•  ¿Son ausencias o presencias o ambas a la vez? Decía John Berger que la función de la pintura es llenar una ausencia con el simulacro de una presencia, es decir, contradecir las leyes que gobiernan lo visible: hacer ver lo que no está presente. 

•  Sin embargo, para el espectador, en estos casos, cuenta más la presencia, puede adentrarse en ella y seguir contemplándola con una imaginación que busca esa riqueza como si todavía estuviese virgen, que no lo está, y no necesitase más que servir de esencia intocable e imperecedera. 

• Tu cuerpo sosteniendo, alimentando
• la esperanza del hombre de tu especie
• apretado a la sombra de tu paso.

(Victoriano Cremer).

LUIS FEITO (1929) / PINTURAS DE 1957 A 1962

•  No vamos a descubrir a estas alturas que FEITO es uno de nuestros más grandes pintores del siglo XX. Ni tampoco que estas obras, expuestas actualmente en la galería Fernández-Braso, son lo más emblemático de su trabajo creativo, razón por la que nunca es posible dejar de mirarlas. 

•  Pero sí que la singladura de este artista es uno de los ejemplos más obvios de esa paradoja de la pintura que invita al espectador a pasar a su habitación para contemplar el mundo que se extiende más allá (John Berger). 

•  Él supo intuir ese mundo, captarlo en toda su dimensión, hacerlo ilimitado a pesar de sus aparentes simulacros de sinopsis y conferirle unas coloraciones que son rostros de la luz, la misma sin la cual no podríamos vivir.  

• Incluso podríamos tomarnos la licencia de sugerir que es como esa pintura tonal descrita por Gillo Dorfles, cuya función no es respetar o copiar una atmósfera, sino inventarla, crearla ex novo. Un universo atmosférico que baña las cosas, la naturaleza circundante.

• Porque sucede que la verdad es una vieja aletargada
• como un oscuro sapo al sol. Que la justicia es dueña zurcidora,
• y la hermosura un inefable don, lejos del hombre;
• tal una estrella, asomada a un pozo profundísimo.

(Victoriano Cremer).

LINE GULSETT (1981) / EL TIEMPO DE LA MUERTE VIENE CON EL MOVIMIENTO

•  Si las pinturas son estáticas, la noruega GULSETT se la ha ingeniado para que el movimiento se adhiera a la superficie y a la mirada del espectador. Si la imagen permanece intacta una vez colgada, dentro del marco se altera y moviliza para cumplir un destino que corre a la misma velocidad que el tiempo del observador.  

•  Es una realidad que intranquiliza no sólo por el hecho de su dinamismo sino por lo que ese proceso va gestando, hasta reconocer que lo que pulgada a pulgada va deslizando, pululando, transitando crea unas fuerzas fantasmagóricas poderosas e incluso aterradoras.

•  Las sombras son el clima que acompaña estas soledades como fuente de su movilidad, se ven como agentes de un hado cuyo misterio no es tal, pues no es lo resucitado sino lo muerto o lo que ya tiene confirmado ese color en el tiempo que le queda.  

• Porque sucede que la tierra es un destartalado cementerio 
• donde almacena el hombre sus muertos inservibles;
• porque los muertos válidos, los elocuentes muertos,
• se hacen junto a las tapias o en las hondas cunetas solitarias.

(Victoriano Cremer).

PAPERBLOG

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JIM SHAW (1952) / ¿QUIÉN SE HA QUEDADO FUERA?

•  La realidad es infinita e imposible de tomar de una sola vez. Hay que dejarla suelta, libre, fraguando rabias y jolgorios con destellos, manipulando luces para tocar las vivencias que difunden las sagas del color. Así lo ha interpretado el norteamericano SHAW, que crea y se divierte simultáneamente con sus juegos plásticos en los que cabe todo lo que sucede en un mundo imperfecto.   

•  Heisenberg es muy claro respecto a que en el momento en que pasamos de lo conocido a lo desconocido podemos esperar comprender, pero puede que también tengamos que aprender al mismo tiempo un nuevo sentido de la palabra comprensión. 

•  Pues así es como debemos abordar la obra de este artista, que al final no deja de ser un brillante recaudador de imágenes que vemos todos los días sin parar a pensar que son un reflejo artístico de los signos de nuestro destino en la contemporaneidad. 

• Yo sé que rojas pupilas
• se desnudan como sables
• para cortar la garganta
• del grito que lleva el aire.

(Victoriano Cremer).