GLEN RUBSAMEN (10959) / LUGAR DONDE NACÍ

•  Lo decía Friedrich porque lo sabía bien, cual es que el pintor no debería pintar solamente lo que ve cerca de él, sino también lo que ve dentro de él. El americano GLEN plasma lo que desde afuera reinventa hacia dentro.

•  Esta quietud paisajística que retrata es un encuentro imaginativo que evoca, y al hacerlo se implica en una creación muy bien organizada y con una economía muy precisa.  Al final, la visión, a través de ese prisma cromático que inunda el espacio y lo magnetiza, descubre una forma de mirar distinta y más imperecedera.   

•  Coleridge exponía la diferencia esencial entre la habilidad conformadora del talento mecánico y el poder armonizador de la imaginación, siendo esta última el poder vital productivo. Tal es lo que se contempla.

El tiempo, en sombra, es insondable.
(Francisco Brines)

HANS BERNARD LUGINBÜHL (1929-2011) / NO SON PARA EL ATAQUE

•  Read escribió que existe una profunda separación entre nuestra civilización mecánica y materialista y los valores estéticos o espirituales que constituyen una cultura. Yo considero que de haberla, mi querido Herbert, es por no saber atinar con la solución plástica adecuada.  

•  Que haya una distinción real entre las formas orgánicas y las inorgánicas no es lo esencial si el resultado final alcanza el cenit creativo que compagina una significación sólida con una configuración visual excepcional. 

Vive
amando, como un loco que creyera
en la tristeza de hoy, o la alegría 
de mañana.
(Francisco Brines)

•  Es lo que ha hecho el suizo LUGINBÜHL con sus esculturas de gran y mediano formato, en las que sobresale un espíritu de inventiva cuyas combinaciones estructurales singularizan una visión basada en el delirio de artefactos que pueden ser nuestra compañía de mañana.   

KATRIN FRIDRIKS (1974) / ¿MI AUTÉNTICA ISLA?

•  Albertí ya nos advertía que un conocimientos de las leyes de la óptica colocaría al artista en posición de lograr mejor la producción de efectos sensibles, puramente estéticos. La islandesa FRIDRIKS, en los albores del siglo XXI, ha ido a buscarlos aunque después incluso se le escapasen por las rendijas.  Eran demasiados. 

•  En realidad, su percepción no engaña, son explosiones de todos los colores posibles, que incluso dejan que un espacio blanco en ocasiones se deje ver. Fluidos, líquidos, formando brisas o tumultos, rompiendo y climatizando de esa forma a su isla.  

•  Es sacar hacia afuera otra atmósfera, darle una impronta plástica extrema y confiar en que su visualidad conforme una relación nueva con el espectador, que se ve abducido por este embolsamiento que guarda misterios en su interior. 

Y este género de fracaso  era entonces y sigue siendo ahora la garantía de un renacer más completo.
(María Zambrano)

LE BUL (1964) / LAS SIMIENTES DE LO VISIONARIO

•  Una materia inerte que parece disecada, pero sólo es apariencia porque en el sueño de la visión está a punto de ser vida. Como espectadores nos atenemos a nuestra base sensorial, sin entrar en contradicción con la mirada reflexiva. Hegel estaba empeñado en que si el predominio recayese en ésta únicamente, eso significaría la desaparición del arte.

•  Ante esta propuesta estética de la coreana BUL, configurada en esculturas e instalaciones que constituyen organismos extraños, en proceso de crecimiento, fallidos, abortados o simplemente especímenes en los que podemos acabar convertidos, no nos queda más que demostrar nuestro asombro ante una imaginación desaforada.  

•  Bien concebidos y articulados a partir de un material que se ajusta a la perfección a esas nuevas formas, tan la perfección como si fuesen una matriz que estuviese continuamente generando hasta llegar al delirio.

La nada, ¿no será acaso, al no ser ni contra ser, la anegadora de todo ser?
(María Zambrano)

REZA DERAKSHANI (1952) / DESDE LA MONTAÑA

•  Es difícil que un artista olvide sus espacios originales, ya que en ellos se produce el inicio de su larga visión, del asomo de claridad, la cual se va conformando según se vayan sumando los engranajes de su intuición y experiencia plástica.  

•  El iraní REZA tiene en cuenta en su obra los factores que se desencadenan a su alrededor, el contexto artístico en el que quiere insertarse y una voluntad innovadora que conjugue la base cultural de la que procede con su nueva realidad exploratoria.    

•  Así es como va realizando una iconografía sumamente singular y que tiene distintas perspectivas desde las que abordar la plasmación de una significación configurada en las vicisitudes de Oriente Medio, sin incurrir en significados desbarrados.   

La esperanza fallida se convierte en delirio.
(María Zambrano)

ADRIAN FALKNER (1979) / SON MI REFLEJO

•  Cierto que todo es efímero, por eso los trazos en estas obras son fugaces o son planos que hacen de pantallas. Y además la espontaneidad con que se mueven no permite una geometría cosificada, la rechazan por completo.  

•  Además, el suizo FALKNER, orquesta, igualmente, unos colores que con las formas indeterminadas dan lugar a un espécimen abstracto que añade más valores plásticos a un modo de crear y mirar. El conjunto atrae como un rito luminoso de señales que conforma la poesía de la pintura, la que se ve y no se oye, de la que hablaba Leonardo.   

•  Por lo tanto, estamos ante un grafitero que configura juegos y esquemas aéreos y espaciales en las paredes, que obliga al espectador a establecer un imaginario que para él es imprevisto y enigmático en la medida que apueste por seguir el hilo de su mirada.  

Me alivia el agua muerta
y las voces que no sé ni donde están.
(Tomy Fernández)

MÁXIMO GONZÁLEZ (1971) / TIEMPOS VISUALES

•  El arte contemporáneo, más proclive que nunca a las instalaciones, es el medio, nos explican, de modificar, reformar o revolucionar nuestro entorno. La atmósfera visual en la que vivimos y cohabitamos es anodina, repetitiva y frecuentemente fea y cutre. Ni siquiera es capaz de abismarse.

•  Por eso el argentino GONZÁLEZ idea otra, más resplandeciente, más aérea, más ornamentada, que implique una profunda metamorfosis de nuestra mirada, que la haga aspirar a ámbitos que cambien su vida y su modo de entenderla. 

•  Además, si es verdad que, como decía Marsilio Ficino, el hombre es el dios de todas las materias, el artista es el que mejor sabe manejarlas, darles nuevas formas y cambiarlas. En la medida que crea, proporciona futuras visiones a nuestra existencia, que se pregunta las razones de no estar dentro de ellas para seguir siendo.

El que habla sólo hablando desde sí puede hablar de sí.
(María Zambrano)

GULIA BOWINKEL/BANZ FRIEDEMANN / VIDA Y LUZ

•  Se produjo una ruptura del cuerpo virtual, mas quedan, no obstantes, sus partes deshilachadas que en su volatilidad van adquiriendo una autonomía visual generadora de visiones empíreas y que por su fragilidad vuelan al compás de una brisa suave y acariciadora. 

•  Pero también se excitan y se revuelvan, se enroscan y luchan, se encrespan y arman su estructura con un festín cromático que personalice sus extremidades, pues saben que el espectador envidia su capacidad de dar a luz siluetas plásticas seductoras.   

•  Para la pareja alemana creadora de estas sinfonías la conceptualización va más allá de lo simplemente empírico, porque la finalidad que pretenden es una transformación de lo que se ha venido entendiendo por ilusión en el campo de la estética, sustituyéndolo por el postulado de una nueva forma de visión más entroncada con la situación actual.     

Los más bellos colores, puestos en confusión, no darán tanto placer como la silueta en tiza de un retrato.
(Aristóteles)

MICHAEL BURGES (1954) / NUNCA ME DIO POR TOCAR EL INFINITO

•  Quizás veamos huellas de un topografía polícroma que al flotar en ese espacio sean los signos celulares de una materia viva y luminosa. Esas huellas engendran la fluidez y la flexibilidad de un llanto cubierto por la esencia de una realidad abstracta. 

•  La plasticidad de esta propuesta del alemán BURGES está muy concentrada, es un quehacer intuitivo y dinámico, que perdería su función visual si el pensamiento se entrometiese, tal como afirmaba Cézanne, que si pensaba mientras pintaba ya no podía continuar haciéndolo.

•  Aunque parezca, tal y como versificaba Fray Luis de León, que todo lo visible es lloro, en esta obra, además de sollozo, hay un soplo de vida incontenible, un significante melodioso, una dimensión armoniosa.     

Y así, servimos la inspiración en la inocencia, más utópica aún por la falta de utopía.
 (María Zambrano) 

DAVID CHOE (1976) / ME QUEDO EN URGENCIAS

• Me interno en la parafernalia del muralista y grafitero americano CHOE y es como entrar en un infierno lleno de sorpresas. Su obra puede ser tanto de una visceralidad y crueldad que roza lo inconmensurable como de un humor e ingeniosidad fascinantes. 

•  No se le puede discutir sus capacidades y hallazgos en la concepción de un trabajo soportado sobre un color perfectamente ajustado al contenido y a una representación que goza de su propia forma de aparecer y atraer.

•  No puedo compartir ni dar la razón en este caso a Françoise Choay cuando argumenta que el ajuste de los objetos a las necesidades del consumos cultural -yo diría también popular- podrían equivaler a una destrucción cultural desde el punto de vista físico e intelectual.  Aquí el ajuste es propicio y hasta necesario.  

•  Estoy más de acuerdo con Henry Moore, que en su momento afirmó que para él una obra debe tener en primer lugar una vitalidad propia, con independencia del objeto que represente. La producción de este artista ya la ha adquirido, no cabe duda. 

El terror nos oculta, nos vuelve animales de selva.
(María Zambrano)

DOREEN GARNER (1986) / NINGUNA AMBIGUEDAD

•  En el programa del grupo Cobra se leía que el acto de creación tiene mucha más importancia que el objeto creado y éste gana en significación en la medida en que lleva en sí las huellas del trabajo que lo ha engendrado. 

•  Ese aspecto es el que puede ser tomado en cuenta a la hora de evaluar la capacidad visual de las obras de la norteamericana GARNER, aunque la conceptualización y escatología de sus resultados expresan el designio surreal y fatídico de una hibridación de sexo, carne, piel, muerte, lujo y despojo fatal.   

•  Es una estética de pesadilla, cuya tribulaciones de angustia, aversión y náusea se cree que han desaparecido y nada más incierto, pues el arte las retoma y concibe, si bien habrá sectores que lo califiquen de degradado, si bien con la identificación de contemporáneo es suficiente.   

Si la vida está regida por números, conocerlos es ya estar muerto.

(María Zambrano)

JILL MULLEADY (1980) / ME ENCUENTRO CON ELLOS TODOS LOS DÍAS

•  La uruguaya MULLEADY, en su obra, es como si buscara y expresara una turbiedad de su sueño más profundo. Colores que van hacia la sombra y que son más visibles dentro de ella, porque al fin y al cabo lo que representan no les permite opciones que se muevan más en la luz. 

•  Tales propuestas plásticas son fruto de lo onírico, de lo surrealista, de lo hermético, que se suma a una cosmogonía no explicativa, sino a la manifestación de un arcano depositado en la artista y que ella transfigura.

• Es una producción interesante que puede dar muchos frutos si paulatinamente se va concentrando e internándose en unas vivencias pictóricas más originales y propias, en las que desencadene un imaginario con mayor proyección.   

Las entrañas dejadas del corazón son un puro infierno.
(María Zambrano)