- Baudrillard afirma categóricamente que ya no creemos en el arte, sino sólo en la idea del arte. De ahí que el arte, al ser sutilmente más que una idea, se haya puesto a trabajar sobre ideas, con lo que todo son signos, alusiones, conceptos.
- Pero es que la obra de arte excluye por sí misma toda codificación o, en todo caso, jamás se ve agotada por sistematización alguna: la polisemia es su naturaleza misma. Por consiguiente, no se trata de creencias sobre una definición ya etiquetada sino del encuentro con esa formulación inédita que siempre nos da un susto a la vuelta de la esquina.
- Muchos dirán que la obra del mallorquín BESTARD ya está hecha, ha sido vista o está vieja. Pues eso es imposible por la sencilla razón de que nunca se ha contemplado desde la perspectiva íntima y formal con la que él la ha manejado. Es una carne que se sale de ella misma, que en su piel guarda una razón plástica y real que implica una ficción por vivir o ya vivida.
- Que muestra sus fantasías, unos imaginarios hechos de espejos en los que no se refleja lo puramente físico, también un pensamiento que queda quieto en la mirada, que reflexiona sobre lo que se ve a partir de ella, lo que no se resume en una pincelada, ni en un formulario cromático, porque se explaya en murmullos y quimeras, en poesías visuales de largos horizontes.
El que no se recubre de una apariencia opaca,
el que no es, siendo búho, como el buitre además;
ese ni gloria obtiene ni beneficio saca;
hay que llegar de lado, hay que caer de atrás.
(Arturo Capdevila)
- Baudrillard siempre está molestando y provocando. Ese es su papel y la verdad es que lo hace bien, como cuando afirma que todo el movimiento de la pintura se ha retirado del futuro para orientarse hacia el pasado.
- El navarro RICO no lo entiende así ni tiene razón por la que pensar de ese modo. Para él es presente que ya está siendo pasado. Un pasado de una era industrial aún no acabada que nos pesa, tira de nosotros, nos lleva en vuelo, nos envenena y también marca y planea sobre nuestro futuro.
- Es un concepto plástico que reniega de la representación sin pérdida de su aura configuradora y transmisora. Incluso es minuciosa en su plasmación, en el juego cromático, en la perspectiva, en la ejecución, hasta alcanzar esas cotas de evocación, de predicción, de verificación de un mundo que no queremos reconocer porque es demasiado nuestro.
-No hay que asustarse-les dijo,
irguiéndose, el veterano-:
Ese que gime en el bosque
es el cacuí solitario;
y mientras sufra la patria
tanto martirio, paisanos,
y nuestros ranchos no sean
algo más que pobres ranchos,
¡ay, porque nunca supimos,
a nuestra vez, ser hermanos,
se oirá ese grito, ese lloro,
ese clamor desgarrado!
(Rafael Obligado)
- El catalán LOURENÇO quiere llevar la contraria a Baudrillard en el sentido de que en el arte moderno no todo es abstracto y está atravesado por la idea, que todavía queda mucho de imaginación de formas y sustancias.
- Quizá, ante esta obra, tenga algo de razón en lo concerniente a que en el arte actual hay cita, simulación y reapropiación. A que haya una cierta dedicación a reapropiarse de manera más o menos lúdica, más o menos kitsch, de todas las formas y obras del pasado, cercano, lejano y hasta contemporáneo.
- Pero es que es hasta cierto punto inevitable y constructivo. En este caso se dan todas las condiciones para relacionar este trabajo en todos los órdenes, mas acaba siendo único en esa plasticidad volcada en el anonimato de la figura, que es el compendio de una manera, de un estilo, en que la individualidad está en el formato y no en el contenido. Por eso, su resultado global es un relato indagatorio y fascinante.
- Como espectadores quedamos subsumidos en esos espejos como parte de un incógnito que nunca acaba por resolverse, que es una imagen continua, en unas circunstancias gris, en otras más clara y vibrante, más allá vertida en un aura oscura, fría, infranqueable.
sueño por sueño, en el mundo
quiero soñar con lo alado.
(Rafael Obligado)
- ¿Qué abismos sondean esos ojos? Ni siquiera MARÉCHAL, el gran grabador y pintor francés radicado en España, lo sabe. Él también está en el Museo Luis González Robles de la Universidad de Alcalá de Henares, junto con García-Ochoa, Alcorlo y Estruga.
- Antonio Bonet Correa habla de un artista de mirada penetrante, a veces inquisitiva, irónica y mordaz, la mayor parte del tiempo socarrona y sarcástica, sin ninguna indulgencia ante lo terrible y grotesco de la vida; es, sin embargo, delicado y lírico cuando se encuentra en la faz de la pureza y belleza de un mundo ideal y de romántica sensibilidad.
- La verdad es que es todo lo contrario de lo que Jean Baudrillard sostiene cuando escribe que, en amplia medida, el arte contemporáneo se dedica precisamente a esto: a apropiarse de la banalidad, del desecho, de la mediocridad, como valor y como ideología. La verdad es que su obra nos remite a un canto a la condición humana proyectada desde muchos ángulos. Desde el amor hasta la agonía.
¡Ah!, ¡si es mi voz impotente
para arrojar, con vosotros,
nuestra lanza y nuestros potros
por el vasto continente;
si jamás independiente
veo el sueño en que he cantado,
no me entierren en sagrado
donde una cruz me recuerde:
Entiérrenme en campo verde
donde me pise el ganado!
(Rafael Obligado)
- El vasco GARCÍA-OCHOA está ahora en el Museo Luis González Robles de la Universidad de Alcalá de Henares. Y no podía faltar tampoco en este modesto medio. Y citándole ya comprobamos lo que es: "mi pintura creo que está marcada por un pathos que domina sobre mi obra, una obra cuya diversidad temática y su propia ambigüedad quizá acentúan el carácter irónico o fantástico o paradójico. De todas formas el adjetivo que puede definir una relación entre mis propuestas estéticas y mi percepción de la vida es el de esperpéntico, y en este sentido vuelvo a abundar en el dato de mis raíces españolas: Goya, Quevedo, la picaresca, Valle..."
- Y termina: "La verdad es que creo en muy pocas cosas y sé muchas menos. No sé, ni siquiera, cual es mi papel en el Gran Carnaval de los pecados capitales. Y me importa un rábano. Qué más da, ¡si al final todos nos vamos al carajo!"
- De la Puente reseña que es un pintor de prepotentes sonoridades, del rosa que reniega dulzuras y se pone cegador y se mete en honduras, de los desgarrados ardores del bermellón, los profundos arranques del ultramar y la percusión selvática de los esmeraldas..." Y es que esas figuras monstruosas tiene la virtud de hacernos ver las cosas.
Si se arma algún revolutis
siempre han de ser los primeros
no se muestren altaneros
aunque la razón les sobre-
en la barba de los pobres
aprienden pa ser barberos.
(José Hernández)
- Hasta hoy la obra del catalán ESTRUGA se me había pasado incomprensiblemente por alto a pesar de haber estado en su galería de Madrid y conocer una parte importante de su obra. Pero ha sido en la exposición recientemente inaugurada en el Museo Luis González Robles de la Universidad de Alcalá de Henares donde fui consciente de la oportunidad de que no podía dejar escapar la ocasión de incluirlo en este blog.
- Y diría que por muchas razones, que resumidas nos llevan a un viaje por los orígenes de nuestra cultura y arte en el Mediterráneo, aunque esta travesía la hacemos hoy con otra visión, que es la que ha de encajar con la de pertenencia, imaginación, recursos y valores estilísticos-formales del autor. Como dice Corredor Matheos, como el lugar y el tiempo en que todo está próximo a todo, en que todo es un solo ser, una misma cosa, donde la metamorfosis es constante y nos revela la aparente multiplicidad y la unidad.
- Sobre la base de una certeza material, física, que se nos impone, está ese continuo génesis que se hace visible en sus esculturas y que nos mantiene en el misterio ancestral del mismo, en que lo antiguo, tradicional, incluso lo clásico no han acabado con un germen que, mientras haya un creador como éste y guarde el misterio, seguirá manifestándose, apareciéndose, haciéndose presente de mil formas, de mil maneras.
Es la ley como la lluvia,
nunca puede ser pareja-
el que la aguanta se queja,
pero el asunto es sencillo-
la ley es como el cuchillo
no ofende a quien lo maneja.
(José Hernández)
- El artista español Alcorlo cree que no es posible entender el mundo, ese entramado variopinto, sin el hilo conductor del dibujo, alma de la pintura. Él nos lleva por los infinitos vaivenes de la forma.
- La chilena SANDRA nos enfrenta a unos vaivenes que tienen un fondo oscuro, una caída libre sobre lo contumaz de la muerte, sobre la idea infernal eterna, sobre la osamenta que es un futuro cargado de agonías, estertores, también de ironías y depuraciones.
- Es el cuento intemporal de nunca acabar, el que encierra un juego plástico de introspecciones y aleluyas, de encierros y bailes en círculos diabólicos, de vivos y muertos tratando de saber qué es el espíritu (la carne ya está frita) y por eso quizás llega un momento que no nos guste, para los que nos queda de él al fin y al cabo.
Y con algunos ardides
voy viviendo, aunque rotoso,
a veces me hago el sarnoso
y no tengo ni un granito,
pero al chifle voy ganoso
como panzón al mais frito.
(José Hernández)
- Dentro de los muros y paredes hay misterios ocultos que de repente un agente nos los descifra y aún va más allá, nos los muestra con sus claves y significados de humor y de horror. Hay un sentido de la impudicia que no anula la razón, la hace más auténtica si nuestro pensamiento visual no se agota en los pormenores.
- Hay también un pesimismo existencial con el que convivimos en nuestros espacios habituales sin darnos perfectamente cuenta que está ahí, atrayéndonos cuando descorremos la cortinas o tiramos tabiques o paredones. No hay posibilidad de evitarlos porque son nuestros fantasmas, y cuando son tan íntimos los percibimos dentro.
- Después nos viene a la mente el impulso de la horca, de la intromisión, del dislate, de chupar de la pureza neoplasticista, de encapucharnos, de destruir supuestos valores éticos y estéticos, de disfrazarnos y convertirnos en uno de ellos con el mejor talante, con la más hipócrita sensación de engañarnos contemplando estas obras del murciano RICO.
-Con el cuento de la guerra
andan matreros los cobres.
-¡Vamos a morir de pobres
los paisanos de esta tierra!
Yo cuasi he ganao la sierra,
de puro desesperao....
-Yo me encuentro tan cortao
que a veces se me hace cierto,
que hasta ando jediendo a muerto....
-Pues yo me hallo hasta empeñao.
(Estanislao Del Campo)
- Para el ruso POLISSKY lo más importante es el mito, la realidad sola no significa nada.
- Pero sus instalaciones y construcciones en medio de una vasta naturaleza intentan competir con ella en el marco de un contexto de insuficiencia paradigmática de lo que el arte debe generar en cada momento, en cada etapa, en cada época.
- Sus obras quieren marcar un nuevo hito que se alimente de imaginación, fantasía, tecnología y cosmos. No obstante, no olvida que en ese todo caben también las referencias ancestrales, los significados de espacios que se mantienen como locuaces interlocutores del hombre.
- Y también les confiere una luz nueva que rompe las sombras sin aislarlas, porque ese color lumínico impacta a la manera de una aparición imprevisible que sustenta la creación de un mundo hasta ahora posiblemente ignorado. Estaba tan oscuro que era difícil verlo.
Naufragio del momento
desmemoriado, asido
a doble soledad sin pensamiento
desde un mundo abolido,
¿muerto o renazco en este mar de olvido?
(Rafael Alberto Arrieta)
- André Breton, desaforado, gritaba que el único arte digno del hombre y del espacio, el único capaz de llevarle más allá de las estrellas.......... es el erotismo.
- Las figuras de la sueca VON ZEIPEL son terriblemente blancas, virginales, pero en sus gestos manifiestan una obsesión que no esconden, simplemente la muestran y en gran tamaño para que el espectador sepa que esos miembros, esos cuerpos están pensados para ofrecerse siempre en una erotización global. Quizás así nos iría mejor.
- Ya no hay escándalos que valgan, es, al contrario, la legitimidad de otros tiempos la que es ofensiva e irritante. Ésta ya no, ésta a su vez es la coreografía que en su exterior es muy vociferante y provocadora, en su interior, es esa poesía que visualiza, es un canto desnudo a lo que podemos ser en cada momento, en cada día que pasa, dándole tal sentido a la belleza canónica que no tendrá más remedio que configurar otra fe estilística, ceremonia incluida.
Que pueda reanimarse allí mi lodo,
pobre lodo de animal cansado,
por viejas sendas, de rodar, hastiado.
(Alfonsina Storni)
- Estos entes o criaturas profundamente visionarios caminan cerca del mar, no implican amenaza alguna sino la condición de una naturaleza que se ha transformado, que es producto de la ingeniería y el arte, lo visual y el prodigio.
- El holandés JANSEN, escultor cinético, ha creado estos fenómenos para que nos sirvan como una confrontación a nuestros sentidos y a nuestra razón. Que fulminen aquellas creencias sobre lo que es posible o no, que la mirada que posamos en ellos se abra al estupor, al asombro, a una utopía que podemos tomar como falsa o verdadera pero nunca como un suceso anodino y neutro.
- Si la contemplación dentro de esos espacios y atmósferas, que inciden de manera oportuna y crucial, es irreal, también lo es una parte importante de nuestra historia, de la evolución conceptual y emotiva que tienen estos acontecimientos que se producen delante de nuestros ojos. Estamos, ante estas cosas, seres, elementos, como ante una visión de la que no pensábamos que la tuviésemos tan cerca.
Perder la mirada, distraídamente,
perderla, y que nunca te vuelva a encontrar;
y, figura erguida, entre cielo y playa,
sentirme el olvido perenne del mar.
(Alfonsina Storni)
- Los artistas figurativos cubanos del presente siempre tienen unas referencias muy concretas a la hora de concebir su trabajo. No se vislumbran difusos, extraviados, sin identidad, al contrario, remarcan la misma, sean las circunstancias que sean.
- Pero además, como YOEL, se ligan a sus símbolos, a sus ultratumbas, a sus creencias más íntimas y desgarradoras, sin olvidar que su configuración formal ha de alcanzar ese ensamblaje de práctica plástica e ideario con una penetración tan insólita y visual como sea posible.
- En estas obras hay delirio, perfección, belleza, anhelo, desesperación y ese aislamiento isleño que desampara, que no ofrece refugio, que deja que la desnudez sea el principio y el final, la vida y la muerte. Entonces sí que podemos afirmar que la formulación pictórica, hoy tan despreciada, nunca deja de rescatar lo prodigioso, lo que uno contempla desde la sensualidad hasta la razón, pero sin abdicar de la emoción.
Mientras vaciaba el pomo, caliente, de mi pecho,
no sentía el acecho,
torvo y feroz, de la sirena negra.
Alfonsina Storni).
