IBRAHIM EL-SALAHI (1030) / NADIE VE LO QUE YO VEO

•  No cabe duda que el sudanés EL-SALAHI es un artista dotado de una inspiración prodigiosa, mucho más significativa, expresiva y convincente que la de sus coetáneos occidentales. Es una iconografía renovadora del numen original que se ha ido sedimentando a través de la fuente de su cosmogonía.       

• David Hockney proclamó lo que todavía sigue pensándose: "lo artísticamente nuevo sólo puede surgir de la confrontación crítica con distintas ideas anteriores o contemporáneas". En su concepción, la innovación únicamente es posible sondeando en el arsenal de la historia del arte. 

•  En este artista, además de ello, la creación es una dimensión que se acrecienta, que metamorfosea la forma del ser compartido, la mística del icono bizantino, la palpitación intemporal de la representación desde una visión espiritual que invita al recogimiento y exaltación de la mirada,  la de una lucha por la identidad y la eternidad. 

• Como un perro que aúlla interminable
• que aúlla inconsolable
• a la luna
• a la muerte
• a su breve vida.
• Como a un perro.
• (Idea Vilariño)  

HIROSHI SENJU (1958) / TODA UNA MEDITACIÓN

•  Quizás sea un éxtasis zen o una elegía sobre el paso de la vida según Heráclito. Son más que cascadas y más que unas iluminaciones que desbordan nuestra capacidad visual. Es un ejemplo que aglutina todos los hallazgos del llamado arte contemporáneo en uno que resucita la globalidad de las epifanías por descubrir.  

•  El japonés SENJU muestra, en todas sus obras, un sentido místico y declamatorio, unos espacios que brotan en sí mismos, una serenidad que perfila un pensamiento que extiende el núcleo de su sustentación por todos esos confines, que si en un primer momento aparecen ser concretos, más tarde se van volviendo una poesía verdadera.  

Quiero morir. No quiero
oír ya más campanas.
(Idea Vilariño)

NIKLOS ASLANIDIS (1980) / TRABAJAR PARA LA MUERTE

•  Las concepciones baconianas sobre el ser humano nos dejan un poso premonitorio y de augurios ya determinados. Y es porque la pintura se encarna tanto que se hace carne y sangre, derrota y presentimiento, dolor y muerte, dejando ese manto tétrico como la sustancia imperecedera.  

•  Esta sabiduría histórica y al mismo tiempo muy concretada en sus orígenes nacionales es la que impone el griego ASLANIDIS en sus creaciones, que son un éxtasis religioso de la locura, del quietismo, de un misticismo carcomido por la inevitabilidad del destino final. 

• Tonalidades calculadamente sombrías son las hacedoras de las apariciones del cuerpo y del festín del espíritu, conmovido él mismo por lo que es y por el artificio que sustenta, por el lenguaje que conforma y transmite, por la entraña de lo que es y no ha llegado a ser y creer.   

Sólo esperar que caigan
que se gasten
que pasen
los días
los minutos
los segundos que quedan.
(Idea Vilariño)

MARCELLO LO GIUDICE (1957) / ARAÑAS

•  Las texturas son infinitas. Son urdimbres que estallan una vez se sedimentan y crían. Cuánto más volcánicas, más elocuentes y fabuladoras. Y están poseídas por el color, tal como aseguraba Klee, que para él no había necesidad de perseguirlo. 

•  El italiano LO GIUDICE es un informalista que estudia e investiga sobre superficies que llegan a depositar capas y capas de materias y experiencias, de historia y existencia, de fuego, aire y agua.  Él las vuelve a recrear meticulosamente, imprimiéndoles la huella del hombre, la riqueza visual de su dominio, el espíritu ancestral de su sangre y de sus miles de tiempos.  

Cómo olvidarse cómo
desalojar el crudo
recuerdo de la muerte
esa desgarradora memoria
esa herida.
Si es precio increíble
el altísimo orgullo.
(Idea Vilariño)

MARISA MERZ (1931) /¡Oh, QUÉ DULCE PERSPECTIVA!

•  Imagínense ese grupo de mujeres aguardando al artista en el lecho mientras él se quedaba en el despacho  buscando todos los puntos de puga de la perspectiva, hasta que una de ellas lo llamaba para que se fuera a la cama, a lo que él replicaba: ¡Oh, qué dulce perspectiva!

•  Por tanto, los distintos rostros de la italiana MERX es el fruto de una búsqueda entre lo clásico y el futuro, en que nada es menos real que el realismo, tal como apuntaba Georgia O´keefe. Sólo por medio de la elección, la omisión y la acentuación avanzaremos hacia el verdadero significado de las cosas.  

•  Por lo tanto, tal y como afirmaba Paul Klee, "el arte no reproduce lo visible, sino que visualiza", y es entonces, cuando en ese impulso, las dimensiones no paran de desarrollar análisis que conducen a lo vital, a lo imprevisto, a lo inesperado, a una realidad material que da vida a la obra, la que al llegar a ser única emite su significado y discurso sobre la razón y la causa.        

• Sus rostros son epítomes que lucharon por ser lo que son, por mostrarse como son, por representar lo que son, por quitarse la máscara, porque su belleza al desnudo sea firme, dura, ataviada con el ardor guerrero del que han logrado resurgir acabando la sumisión, la debilidad y invisibilidad.      

Quiénes somos

qué pasa

qué extraña historia es ésta

por qué la soportamos

si es a nuestra costa

por qué no soportamos

por qué hacemos el juego.

(Idea Vilariño)

KATJA NOVITSKOVA (1984) / MI ZOOLÓGICO ES INOFENSIVO

• Lo específico del arte contemporáneo es en ocasiones, o ya con mucha frecuencia, el uso y abuso  del artificio, de una ilusión que juega entre la representación y su visualización física, lo que hace que los espectadores estén dentro y fuera, miren a ver si hay algo más, ya sea una trampa, ya sea un artilugio de mago.

• Las obras/instalaciones de la estoniana NOVITSKOVA priman ante todo el efecto visual y sus consecuencias, aquellas que funcionan como fruto de un espejismo, de una sorpresa, del placer de asombrar y deslumbrar, y de imponer una huella estilística que tuviese en esa configuración escénica su eje de desarrollo. Como si hubiese escuchado al recientemente fallecido  John Berger cuando declaró que "lo visible ha sido siempre y sigue siendo la principal fuente de nuestro conocimiento del mundo; nos orientamos por lo visible".

No sé no sé Rubén
no sé pero qué hermosa
a veces tu poesía
qué grande qué valiente
o qué honda qué humana
a veces tu poesía.
Vaya a saber. Tal vez
tú mismo no supieras.
(Idea Vilariño)     

KEN KIFF (1935-2001) / ¿ES O NO ES?

•  Creo que fue Valéry el que escribió que en la crítica de arte nada es seguro sino la incertidumbre más vaga y la diferencia más irreconciliable. Ninguna postura es tan sólida que no pueda ser atacada.

•  Muy cierto si se trata de enjuiciar la obra del británico KIFF porque le ha sido fiel a la frase de Friedrich Nietzsche: "lo que puede amarse en el hombre es el hecho de ser un tránsito y un ocaso".  Por tanto, son creaciones que nos desvelan que el arte, entre ese tránsito y ocaso, no puede ser más que la expresión de la fealdad y crueldad que anida en nosotros como seres humanos infelices e incapaces de reconocernos.  

 Nadie se asusta de una muerte al sol
cuando se da la vida por un sueño.
(Idea Vilariño)