- Fundador de Art borrachos y coautor con Alexander Melamid de innumerables proyectos, el ruso KOMAR, con lo que él llama un nuevo simbolismo, construye una representación en la que la asociación de imágenes y efigies instituye una plástica de símbolos encontrados, reunidos y cosificados en su carácter de convidados a no ceder y sí determinar.
- A través de ellos penetraremos en una dramaturgia pictórica envolvente, cuya figuración lleva aparejada una coloración visual que descubre lo que para el espectador ha sido la dimensión de una época.
- Es más, sin embargo, la concurrencia de una escenografía que se apoya sobre la eficacia de una retórica que tiene en la alegoría la marca de su visión. Un discurso que enfatiza un tiempo y una realidad desde la premisa de que hay estéticas negadas para la añagaza de la utopía, para el artificio de la fábula, porque son meras alucinaciones de una historia, la misma que mata la ficción y el ideal, la creatividad y el estilo, con la misma contundencia con la que levanta otras.
- La visita a esta muestra de nuevos realismos organizada por el Reina Sofía no depara grandes sorpresas pero sí la imperiosa aproximación a controvertidos argumentos.
Si bien hay uno incontestable: sólo es posible partir del reconocimiento de que la idea y el concepto, el núcleo y la raíz surgen con la figura de MARCEL DUCHAMP. Si la temática persigue e intelectualiza la descontextualización de los objetos y su integración en una manifestación artística, es por incitar al espectador a situarse en un ámbito en que han de fusionarse historia, sociedad, tecnología y cultura en una nueva plataforma estética.
Se construyen dimensiones en las que la materia es un espectáculo de formaciones y series de los cúmulos de la ruina y los escombros, ejemplo de una teorización de la autodestrucción y su exaltación. Y la sucesión de las salas es la culminación de un flujo invertido, según el cual los despojos son los hábitats que ornamentan un modo de vida, un espíritu de civilización.
Efectivamente, para DUCHAMP es el espectador quien completa la obra de arte, labor que en esta caso se hace intrínseca con la visión más determinada y consecuente. Por consiguiente, los trabajos de YVES KLEIN, ALLAN KAPROW, JEAN TINGUELY, RAYMOND HAINS, JACQUES VILLEGLÉ, FRANÇOIS DUFRÊNE, ROBERT RAUSCHENBERG, CLAES OLDENBURG, JIM DINE, ARMAN, PIERO MANZONI, YAYOI KUSAMA, etc., son las localizaciones de una época y unas trayectorias.
- No obstante, me permito la licencia de considerar el acrílico de las cuatro cabezas del español LUIS GORDILLO como la configuración emblemática de la forma de un tiempo y espacio que son los nuestros.
- Reproducciones de obras de LUIS GORDILLO, KUSAMA, DINE, KAPROW y VILLEGLÉ.
De la extensa nómina de artistas cubanos que han pasado por este blog me he dejado a CHOCO, posiblemente porque a menudo es compleja la apropiación visual de una obra que remonta orígenes, rebasa estaciones y configura al final genes étnicos y ancestrales.
Signos y genealogías se confunden, se fusionan para clarificar un lenguaje que hace del mestizaje -¿hay algo que no sea mestizo o mulato en Cuba, tal como insistía Carpentier?- un poema plástico basado en los fundamentos de las estrías, las arrugas, las incisiones, las rayas, las texturas -siempre la labor del tiempo señalando las agujas de su poder- y la envoltura alquímica del color.
A modo de efigies rituales, colocadas en altares, nos involucran en la ceremonia de mirar más allá de lo que se representa y más acá de lo que es. Y no hay que ceder un ápice si nos hablan, nos interrogan, si las raíces de una veta cultural y visionaria nos proclaman sus herederos, pues sus pretensiones están ahí marcadas, en el soporte, tal que un icono del pasado se hace presente y viceversa.
Con ello el autor, en esa propuesta tan fértil, nos hace depositarios de un legado pictórico que acumula significaciones de toda índole, que se gestan sobre sí mismas, su historia y su imagen, y están abiertas a transmitir y diseminar toda una polifonía de rasgos, seres, rostros, que son el cruce de sangre de percepciones espirituales que necesitan ser obra y materia, piel y barro, pueblo y patria.
El cubano SOSABRAVO robotiza mediante un artificio la fantasía, para que los ecos de los sueños infantiles nos visiten metamorfoseados en multicolores personajes de cada una de sus historias, que también son las nuestras.
Por eso descongela el centelleo de esas fisonomías, hace irradiar esas ficciones en la imaginación y en la penetración de la mirada, reposa su mundo en las vivencias plásticas de un espectador que ha renunciado a la observación. Prefiere éste embarcarse en el recuento visual de una figuración que estampa su fulgir desde unas bases que ya no son mediadoras, simplemente han pasado a formar parte de un escenario que tiene la misión de destellar.
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Hay una liberación del encuadre y de la misma geometría -y de la acentuada grisura de la melancolía en las circunstancias actuales de esa insularidad-, y hay un raciocinio del color con vistas a potenciar la ensoñación que se encuentra en él. También se disfruta de un misterio y de su elocuente secreto.
Si su obra es un espejismo netamente tropical, nos envuelve con todo su aroma y esplendor. Y si es un refugio ante lo inexistente, ante la carencia acelerada, nos viste la contemplación con una nueva morada. Si la ocupamos podemos alentarla y prolongarla; si, por el contrario, desistimos, desperdiciaremos un feraz imaginario, otro vocabulario con el que narrarnos del modo que necesitamos.
- El Malecón nos detiene ante la entrada. Mi amigo Humberto y yo debemos escucharle atentamente. La victoria es nuestra, nos dice, por saber esperar, porque la vida es larga y el sacrificio inocente. Pero si se parte sin aguardar, el sacrificio lo haré largo y además hiriente. No ha añadido nada sobre el ron, mal asunto.
- La fuerza del trazo no hace más que canalizar una energía en pleno caos. Luego, cuando está agotada, analiza sus miedos confesos en la superficie y le devuelve cierta serenidad, una placidez que se va iluminando poco a poco y recobrando el sentido de lo que nunca dejó de ser pictórico.
El francés MIOTTE no le teme a los encasillamientos, ni a los que desdeñan lo previsto, sino a las pérdidas del acontecer, el no recordar, el desconocer, de ahí la rabia inicial y después el deslumbramiento final.
Ha triunfado en un proceso que genera desviaciones, inseguridades, involuciones; ha vencido por encima del control que unifica sobre lo falso; ha cobrado ventaja y pujanza respecto a lo que le persigue y acosa.
Nosotros, espectadores, también obtenemos las formas que deseamos, las que nos transportan desde afuera hacia dentro siguiendo los meandros del rojo, amarillo, azul, negro y blanco. Podemos llegar muy lejos, sin prisa y con la angustia inflamando el acervo de una visibilidad desvelada.
No establezcamos parámetros ni patrones, permitamos que las huellas sean sus propias huellas y que las pisadas en un espacio tan virgen no queden más que como pensamientos expresados y no callados.
Ni tampoco encubramos con la mirada aquello que silenciamos, la incomunicación no ha enmudecido, simplemente el autor la ha convertido en una confidencia y un destino.
Parece que en los últimos años la épica ha desaparecido de la pintura. Y no es por razón de haber abusado de ella en ese ámbito expresivo, sino probablemente porque una sociedad enferma de globalización y escepticismo no la ha necesitado.
Pero el escocés HOWSON ha surgido para tatuar la epopeya en sus más siniestros trances, hasta dejarla tan carente del significado que es su condición, que lo que vemos es su contrario, celebrando con ello intencionadamente la glorificación de una historia criminal digna de ser sacralizada mediante su bendición plástica.
Ha desvirtuado los proscenios ceremoniales, desmitificado las quimeras, embrutecido los anocheceres y amaneceres, desatado las tinieblas de la desolación. Mas nos queda la odisea visual, la entronización del desprecio y del odio, que no es poco. Y quizás la parodia de unos ojos y de una mente que ya reconocen, o lo han hecho siempre desde los lindes de un rostro hibernado.
Su mayor descubrimiento ha consistido en cubrirnos de infamias -sabe que nos divierte-, en dibujarnos con las insignias cromáticas del esperpento, de lo bestial, de lo bárbaro y despiadado, y, sin embargo, la mirada la mantenemos viva, descarnada, impertérrita ante su obra. No nos escondemos, incluso quisiéramos formar parte de ese entramado que es nuestra propia sustancia, nuestro más íntimo soplo estético, el que se conforma y guarda en el silencio de una memoria oreada, impregnada del viscoso sentir de un tiempo averiado y cerrado a cal y canto.
- El catálogo es el instrumento básico de marketing de una casa de subastas.
- - Josh Baer, de The Baer Faxt:
- "Muchos artistas a los que ahora les va bien no tendrán ningún valor dentro de diez años".
- El mercado Warhol es, seguramente, el más complicado dentro del arte contemporáneo".
- - Para los coleccionistas, las tres D son las causas básicas e históricas que explican la mayoría de las ventas en subastas:
- "Deceso, divorcio, deuda". Y una cuarta sería devolución.
- Sarah Thornton:- "Un sentido plástico del coleccionismo de arte bien podría relacionarse con la búsqueda de la juventud y el decidido intento de rejuvenecer a través de la posesión de novedades".
- Amy Cappellazzo, de Christie´s:- "Siempre sospeché que las estrategias de puja tienen que ver con la práctica sexual de los licitantes".
- - Precios récord en arte contemporáneo:
- Benefits Supervisor Sleeping, de Lucian FREUD, 33,6 millones en 2008.
- Hanging Heart (Magenta/Gold), de Jeff Koons, 23,6 millones en 2007.
- Lullaby Spring, de Damian Hirst, 22,7 millones en 2007.
- False Start, de Jasper Johns, 17,7 millones en 1988.
- Francis Outred, de Sotheby´s:- "Hoy en día muchos de los artistas logran el éxito sobre bases netamente comerciales".
- - Reproducciones de obras de ELENA RATO, GRAYSON PERRY, NATALIA PASTOR, WOLFGANG TILLMANS y TOMMA ABTS.
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