LITA CABELLUT (1961) / LA PINTURA ES EL MAYOR CAUCE CON EL QUE ME HE ENCONTRADO

•  La catalana CABELLUT, que ya ha estado en este blog con todo merecimiento, sigue paseando su obra por todo el mundo, quizá, por una parte, porque por fuerza, decía Robert Hughes, continúa con su pintura echando miradas nostálgicas hacia el pasado. Aunque, por otra parte, creo que se queda corto y hay que completarlo, pues el imaginario estético de la artista ofrece una visión que cicatriza existencial y vivencialmente en el lienzo al mismo tiempo que en la mirada.    

•  Parece que no viola ningún código y lo cierto es que lo transgrede todos, desde el plástico hasta el dramático, desde lo real hasta lo enmascarado, desde lo vital hasta lo puramente formal. Es una poética y una liturgia que nace del desasosiego, de la angustia, de la rabia, pero también de la meditación y la reflexión, ya que se origina como una introspección sobre la naturaleza del ser, que siempre resulta oscura, contradictoria y aflictiva a lo largo de la historia del arte.  

•  Cada personaje, cada mirada, cada rostro, cada ropaje, vienen definidos por el contexto en que se plantea, mejor dicho, en el que ella lo plantea, en que iniciado el punto de partida, son ellos, los seres, los que hablan, callan, maldicen, piensan, mueren, y todo ello en su propio lenguaje, tal y como comenta Francis Bacon. En definitiva, es una propuesta insólita que roza la perfección y que está hecha para contemplar indefinidamente.  

Detrás de aquella raya, queda un mar
que tus dos ojos niegan, tachan, hunden.
Acostumbra a tu mente -más osada-
a saltar por encima de ti mismo.
(Lorenzo Oliván)

JOSÉ MÁRQUEZ VALDÉS (1961) / AMPLÍO HORIZONTES SIN SALIRME DE LA RUTA

•  La obra del cubano MÁRQUEZ, de nuevo en Vivencias Plásticas, ha tomado otros derroteros, quizá porque, como decía Bonito Oliva, la idea de que el arte transforma y modifica, en el sentido de que da forma e intención a la energía del mundo, se corresponde, en la historia de la cultura, con el proceso alquímico. 

•  Cierto que él no deja de insistir en que la superficie siga relatando sus bases abstractas, aunque no ciegas, incluso que se forzase y densificase más, superponiéndole más capas, papeles, desgarros, pigmentos, hasta la ilusión de unos animales rondando por encima de ella.   

•  Pero también es evidente y coherente que sean los cimientos de unas estructuras constructivas derrotadas, abortadas, abandonadas, como unas biografías sin parada y fonda. No hay pulcritud cromática que valga, ha de manifestarse un reverso tan viejo y cansado que llegada su última hora ilumine, lance destellos postreros de una existencia que resiste y aguanta hasta sumergirse como la plataforma cósmica que nunca llegó a ser.  

• Por tanto, muestra una creatividad que parte de un conglomerado fructífero de lo material, lo hace vivir y transmitir con tal desasosiego e inquietud que parece una estación final desde una dimensión que no nos es desconocida pero sí ignorada por ser territorios de naufragios sin tesoros.  

Al blanco bosque del poema llega
tras buscarse entre negras sombras, cada
vez que el oscuro perro de la nada
le ladra su vacío, o si se entrega
a sus más turbias obsesiones.
(Lorenzo Oliván)

LUDMILA SEEFRIED-MATÊJKOVA (1938) / ME HAN ACOMPAÑADO SIEMPRE

•  Decía Francis Bacon que la biografía de un artista puede ser el punto de partida para la interpretación de su obra. Y claro que ese punto de partida es evidente en el caso de la checa alemana LUDMILA, porque en sus personajes la piel es tanto un límite como una superficie (la que ella misma retuvo). 

•  Se han quedado como autorretratos a los que se les ha quitado la máscara y ya no tienen donde posar la mirada. Por tanto, repite Bacon, es erróneo concebir su soledad y silencio como sinónimos, puesto que la soledad habla continuamente, incluso grita. 

•  Las efigies, estáticas, inmóviles, melancólicas, se sostienen con el fin de mostrarse como una vez fueron, como una vida, la suya, que se hundió sin ser protagonistas sino perdedores, aciagos perdedores que han extraviado el habla, y que si son obesos por casualidad es por no comer y servir de modelos de una utopías caídas en el descrédito y el exterminio.    

Y con qué rapidez
tanta luz concentrada se dispersa 
en mi sangre entre sombras.
(Lorenzo Oliván)

VIVENCIAS PLÁSTICAS: MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTAN

VIVENCIAS PLÁSTICAS: MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTANgoyovigil.com

MIKE TRACY (1951) / CONFÍO EN QUE NO MIENTAN

•  Si no vale la pena vivir una vida no criticada (Sócrates), tampoco lo vale el que no seamos autorretratados y caricaturizados, pero con la condición de un lenguaje luminoso que permita el júbilo de la mirada cuando se produce el reconocimiento. 

•  Reconocimiento que, al final, el americano TRACY, sitúa en el contexto de una sociedad confusa, caótica  y atribulada del presente, dejando que sus personajes se conviertan en carnavalescas efigies en libertad de callar, decir, sufrir, tocar, cantar, mentir, disparar o volar. Ellos son los señores de su espacio y no acatan dogmas que no vengan cifrados.   

•  Desmitificar desmitifica a la vez que deforma y desaliña. Pero también embellece y parodia, además de conformar en el estilo de la mejor tradición y embelesar con una plástica de la fealdad y del tiempo sin marcha atrás. Conjuga, pues, lo que es conjugable y arma una desazón de fondo para que no nos quedemos en la superficie.   

No me escandalizaré cuando una lenguas murmuren puta, no,
porque yo reclamo con desesperación esa tregua
que me haga sentir hembra.
(Ana Isabel Serrano)

NICOLA SAMORÌ (1977) / ESTOY CIEGO PARA NO VERLO

•  Son los muñones quienes nos miran,  ellos mismos nos sitúan, nos ven y no tenemos más remedio que quitarnos las máscaras, porque siempre hay que regresar a la tradición, aunque se debe violentarla antes, ultrajarla, confundirla, destruirla.......porque si no lo haces tú como autor, lo hará ella contigo (Francis Bacon). 

•  Quizás el italiano SAMORÌ no sea tan consciente de ello como de espantarse a sí mismo, negarse, deformarse y mutilarse. Es una humanidad que no ha llegado a ser, a constituirse como tal, tal si fuese un espíritu maltrecho que deja huella en la materia, que la hace a su imagen y semejanza.  

•  Es de una perfecta clarividencia en sus intenciones, que las hace salir de su ocultamiento, que crean esas formas plásticas a su pesar de la disconformidad de las mismas, con su dolor y patetismo, con sus trozos de carne seca, mugrienta, indefensa. Sus obras son viscerales, con el vértigo del pathos a sus espaldas y la muerte a la espera, aguardando extasiada en cómo se va cimentando.  

Dejando al viento a su dirección, con el alma entregada y un
enorme castigo de silencio.
(Ana Isable Serrano)

SUSIE GADEA (1953) / CLAVES EN SILENCIO

•  Viene a cuento de la obra de la peruana GADEA las palabras de Matisse en lo referente a que el color contribuye a expresar la luz, no su fenómeno físico sino la única luz que existe de hecho, la del cerebro del artista. Cada época lleva consigo su luz particular, su peculiar sentimiento del espacio, como una necesidad. 

•  Yo diría que más que cada época, es cada artista el que encuentra esa vivencia a su escala: la medida del gesto pictórico apropiado a la imagen y el medio que utiliza. Ser capaz, como escribía Eco, de restablecer, después de cada golpe originado por lo nuevo, el equilibrio orgánico sobre el que descansa, incluyendo las nuevas adquisiciones en otro sistema de comportamientos espontáneos y reflejos.  

•  La plástica de esta artista, de una abstracción lírica que busca una intemporalidad basada en la delicada pátina cromática, se encamina por derroteros propios en los que la soledad y el silencio son los interlocutores que expresan el anhelo a la mirada y a su sensibilidad necesitada, como un suave rumor visual que hay que recibir con un mutismo secreto.  

Bicolores....malvas, grises, amarillos, azulones
caen ante mis ojos, ante mi inmóvil presencia,
parpadeo, sonrío y muero sin remedio.
(Ana Isabel Serrano)

OLIVER CZARNETTA (1966) / LA MEDIDA DE MI CEREBRO

•  En el interior del cerebro del hombre siempre hay profundos misterios, pero no merece la pena desvelarlos sino es a través de un material como la resina para explorar así mejor sus condiciones y capacidades plásticas.

•  Con ello, el alemán CZARNETTA, da proyección a signos, manchas, palabras, que en una testuz  impregnada de sustancia cromática infunde una sensación de estar ante otro sentido de lo que es creativo cuando se manifiesta. Estaba dentro y ahora ya se lo puede mirar, viene a decirnos. 

•  No cabe duda que es una apuesta entre lo simbólico y lo innovador, entre lo que era un hábito perceptivo acomodado a lo que es un nuevo planteamiento de diferente categoría, en el que destaca su aspecto visionario e iluminado.  

Ese diablo que habita en un reino desolado y frío, monótono
y aburrido. Que sonríe taciturno y silencioso es quien ha
manipulado su vida.
Es quien mandó su paraíso al olvido,
quien dejó en penumbra su alma.
(Ana Isabel Serrano)

ANTONIO GUERRERO (1968) / SUEÑOS DE CRISTAL

• El cubano GUERRERO es un fabulador de un imaginario prodigioso que hace referencia a una particular odisea. Él parte de un dibujo que se desliza a través del azar, de la fantasía, de una quimera que siempre está a la espera en una isla que ya ha esperado demasiado. 

•  Sus ensueños tienen un poso profundo y un virtuosismo que va al encuentro de lo que podría ser un delirio de técnica y realidad propia, que da forma a lo ilimitado que hay en un escenario que nunca está vacío. 

•  Sabe plasmar y encuadrar, configurar y enmarcar desde distintos planos lo que es una imaginería barroca y existencial, pues toda obra es una serie continua hasta la muerte y todo el cuerpo de cada personaje es mirada (Francis Bacon).  

Sentí su susurro......vomitaba vibraciones
que hacían de mi quietud un desasosiego
y aún siendo aprendiz me entrego en cuerpo y alma
a ese delicioso mundo que es escribir.
(Ana Isabel Serrano) 

ADRIÁN VILLAR ROJAS (1980) / ¿DE DÓNDE HAN SALIDO?

•  Tótems, ídolos, formas biológicas u orgánicas, artefactos, construcciones estelares, pura fuerza de lo sólido, de la imagen, de la efigie adorada o extraña, productos de paraísos perdidos que los hombres necesitan cuando los tiempos son difíciles (Robert Hughes). 

•  ¿Hay un ápice de existencia en esta aleación de cuerpos o es una infinidad de inexistencias? (Rasset). Inexistencias que ahora gritan porque el artista, el argentino VILLAR, no las ha inventado sino que las ha recuperado del azar, de lo fortuito, en un rapto que no es inspiración sino captura de la ocasión propicia.

•  Asombrar, que de eso se trata, como grutas y monstruos, como si el material, a fuerza de ser interrogado, haya actuado por sí mismo, espontáneamente, y haya determinado su ser según su peculiar sentido plástico, aquel que le da el perfil según un cúmulo de fuentes y fuerzas, aparentemente dentro del caos, fundamentalmente conforme a una configuración única, que es, a la vez, como todo arte, superficie y símbolo (Oscar Wilde).      

Su sombra me cubre y después se aleja
y la veo perderse en el vacío de un 
infinito espacio, oscuro,
lejano...lejano...
(Ana Isabel Serrano)

ALBERTO REGUERA / DE SUS MANOS CAE LA PINTURA

•  Pero yo, pobre bestia como soy, sólo puedo vivir en los sueños (Max Beckman). Mi amigo, el segoviano Alberto, de nuevo y siempre en este blog, no sólo puede sino también quiere, porque ellos son la sensibilidad que requiere y necesita. Él, como Francis Bacon, no busca formas sino transformaciones, y lo hace con el denuedo de un narrador que de una tierra hostil consigue emerger un argumento para una ficción en la que un espejo es la mejor luz entre dos fuegos.     

•  En su nueva exposición a finales de este mes en la galería Sylvie Le Page de París, sus obras continuarán mostrando esa andadura de experimentación iniciada que formula el lenguaje pictórico desde otras singladuras. Tridimensionalidad, luminosidad, pigmentación densa y cuajada, expansión incontenible, ingredientes todos de un deslumbramiento que ya no tiene fin. El reconocimiento de las mismas pasa por verlas y desearlas, no por interrogarlas ni especular sobre su propósito. Pueden enfocarse desde distintos prismas, mas la conclusión es que, sea cual sea el significado de esas cimentaciones, la alianza de lo plástico consigo mismo nos impacta como un poema de amor eterno detenido en el tiempo.  

 

•  Si el punto de partida adolecía de una idea limitada, ahora, según se va desarrollando, se trata de ordenar un delirio ilimitado, que obliga al significante a crear su propia dramaturgia, en la que cada color, tonalidad, rasgo, trazo, adquieren esa tensión hasta alcanzar una geografía y topografía de espléndida visibilidad.  En definitiva, un paso más y mejor de uno de nuestros mejores autores de nuestro arte. 

avanzamos y somos nuestra estela
somos quien fuimos y seremos siempre
parpadea la luz al pronunciarnos
el día insiste en sus misterios verdes
y del libro del cielo caen palabras

ángeles hombres vendaval de nieve
(José Luis Rey)

FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE / LA UNIVERSALIDAD DEL RAPSODA

JAVIER INFANTES (1973) / HAY CARICIAS DE LUZ

•  El arte sólo pretende una aventura interminable, por eso la obra del andaluz INFANTES remacha esa andadura conforme a la expresión de una poética concreta, abierta a signos de luz y color, a constituirse en un acuario flotante, en un organismo que segrega los fluidos que anidan en su interior.         

•  Con ello, obtiene el logro de la máxima de Diderot en lo que se refiere a que el trabajo del arte es emocionar y transformar, y que, para hacerlo, hay que acercarse a la naturaleza. Y en ella, igual que en su propuesta pictórica, que en su trasfondo, se desarrollan mutaciones, metamorfosis, evoluciones y renovaciones que marcan la huella de una sensibilidad que trasciende a la mirada.   

•  El autor pertenece a esa tendencia consistente en reformular lo caminado, las vivencias ya halladas, los escenarios mentales, las luminosidades que se regeneran, las realidades vivas y no descritas, los últimos vestigios de lo que es una visión cromática ilimitada.  

•  En resumen, la plástica de unos mares de seda que se toman antes de disiparse, un lenguaje de creación de órbitas y estrellas, de líquidos espontáneos, de células y pensamientos, de viajes y retornos que buscan la energía de lo visible y del resplandor que irradia.  

incendio y rebelión nunca habrá muerte
(José Luis Rey)

MALGOSIA JANKOWSKA (1978) / RAPTOS DE LUZ

•  La mirada siempre escudriña la verdad aunque la lleve a un artificio, a una evocación o se deslice bajo un eco cualquiera. Lo cierto es que la visión se queda prendida en la necesidad que tiene de que a su alrededor esté lo concebido. 

• Lo que Robert Hughes viene a entender como un acto de pintar, fruto de la negociación de un acuerdo entre lo que vemos y aquello que sabemos, entre la memoria y el impulso, entre el gesto del pincel y el otro millón de gestos que constituyen la historia de la pintura.  

•  Y así es como la polaca JANKOWSKA, en su obra, hace toda una declaración de principios de un mundo entre la fantasía y su propia realidad, entre una luz eterna y una leyenda del bosque, entre la tristeza y la soledad. En tal sentido es una lección plástica que tiene lo justo de exorcismo, de conjuro para un tiempo ilimitado.  

Y hemos vivido como hombres solos,
compartiendo los gestos, las costumbres,
siendo correctos y admirando aquello 
que nos fue dado admirar por otros:
poemas doctos, rebelión pictórica,
paraísos que el hombre impone al hombre.
(José Luis Rey)