En la obra del cubano YAQUE las distintas y fértiles venas cromáticas perfilan una formas de roturar una geología, que se muestra como una vertiente abstracta de una naturaleza sedienta de luz.
Parecen metáforas de la vida en su plasmación plástica de afluentes que brillan en su esfuerzo por remontar o desembocar en un mar en calma.
Su penetración es densa, refulgente, con un ritmo y una cadencia trepidantes que nos atrae a sumergirnos en esas masas acuíferas incendiadas y vibrantes.
En este mundo todo es truco y veremos.
(Antonio Espina)
El búlgaro PAVLOV busca en su obra los estratos más profundos pero que al mismo tiempo sean los más sensoriales, los que a su calidad cromática añadan y entrañen un cobijo para la mirada.
Sus metáforas ilusionistas son paisajes que solamente muestran una impronta untuosa de unos gestos que los trazan exprimiendo sus vaivenes.
Guedejas de una práctica plástica que elabora y retoma la esencia de una creación que hace de la materia todo un significado del sentir.
Que la sutileza en el pensamiento tiene siempre dimensión de profundidad, aunque a veces no lo parezca.
(Antonio Espina)
El caso del americano MORROW es significativo por cuanto sus registros siempre han estado a la búsqueda de estratos plásticos para plasmarlos.
Y los encontraba insistiendo una y otra vez en unos planteamientos o nítidos o rozagantes, o en otros más geométricos y oscuros.
En ambos supuestos la hondura pictórica proclama su logro dadas las texturas y calidades cromáticas alcanzadas, la configuración abstracta de unas propuestas iluminadoras y radiantes.
Es evidente que ningún acto natural o vital puede realizarse si no ha lugar; es decir, si no encuentra el espacio indispensable para producirse.
(Antonio Espina)
La americana LOWE buscaba y se encontraba todo tipo de objetos y despojos entre las basuras, los contenedores y las aceras, porque todavía creía que no habían dejado de decir y comunicar lo que tenían guardado. La cuestión básica y plástica por su parte era encajarlos, ensamblarlos, ordenarlos y hacer que el conjunto muestre la pasión y el deseo que un día no muy lejano habían sido.
Quien sale seis veces entre hombres, vuelve a casa con la boca cinco veces sucia.
(Juan Ramón Jiménez)
Es indudable que el madrileño PITA es un artista que mediante una reflexión muy cuajada ha alcanzado la consciencia de lo que hay en él de artista, pues sus obras son producto de una materia que ha sido larga y profundamente meditada y ponderada tras mucho esfuerzo.
Su sentido constructivista y geométrico hace que las dimensiones y los planos encajen y se ensamblen bajo la dicción afortunada de una visión entre futurista y utópica, entre inconcebible e imaginable.
Además los colores, bien delimitados, señalados e incentivados, definen con exactitud las líneas y espacios, las magnitudes de un universo plástico que tiene en su propia creación su virtud más relevante.
Me está volviendo loco la razón.
(Juan Ramón Jiménez)
La americana MARGOLIS siempre ha querido vivir en un medio marino, en un acuario utópico en el que la floración subterránea la acune.
Por eso se ha erigido en la constructora capacitada para hacer posible esa inmensidad cromática y vegetal del fondo oceánico para refugiarse en él, hacerlo su morada para compartirla.
Sus instalaciones nos llevan a entrar dentro de ellas, a penetrarlas y no cansar de tocarlas, de acariciarlas, de dejarse sumergir en ellas y no regresar nunca.
Toda nuestra vida suele consistir en temer a la muerte y alejarla de nosotros, o mejor, alejarnos nosotros de ella.
(Juan Ramón Jiménez)
Cabe o no que la obra de arte sea sustituida por un elemento desencadenante de un proceso artístico dinámico, suprimiendo con ello el carácter estático que era su eje de gravedad.
Pero esa no es la preocupación plástica del bahameño RAHMING, sino abordar su obra con un trasiego híbrido que despierte la agitación de unos espacios con sus pesadillas.
Lo que aparenta ser un caos ininterrumpido es un entrecruzamientos de líneas y colores hasta crear unos entes que van más allá de lo que son.
Lo que se dice un muerto en el fondo de la tumba: ¿Para qué habré discutido tanto?
(Gómez de la Serna)
Es imposible que la sensación cromática, sea intensa o sedosa, no acapare el espacio para significar su propósito de habitabilidad y de sentir su propia vivencia.
La americana BARIEAU, del movimiento de La Bahía, concibió ese fin como una sintaxis de su talante creativo, entre la fuerza y la poesía.
Los colores, si son jóvenes, expresan toda su potencia y arrebato, pero cuando van madurando se tornan más sutiles, más livianos y tenues, confesando sus silencios.
En vez de decir murió, tenemos que decir pasó de largo.
(Gómez de la Serna)
Las concentraciones cromáticas depuradas y enriquecidas significan que su caudal es ilimitado, que su orografía puede cubrir todas las capas terrestres.
Lo que hace el americano Zinsser con las superficies es, después de investigar y confrontar su potencialidades, magnificarlas con unas pulsiones cromáticas que recrea todas las posibilidades de la abstracción.
La densidad conseguida es una savia que recorre por las venas de una epidermis necesitada de vida, de frescura y sensibilidad, con el fin de que el espacio seas un devenir abierto.
Qué confianza se puede tener en los vivos que no hacen nada por los vivos, para pensar que harán algo por los muertos?
(Gómez de la Serna)
El francés GILLET engrasa muy bien su pintura para plasmar una confabulación con sus retratados desdichados, que se despojan de facciones para que el pigmento les identifique como son.
- Son rostros correspondientes a unas vidas íntimas que desde que nacen ya han sido derrotadas y sólo esperan al artista para dejarse morir posando.
Con estos empastes tan cargados y densos de colores terrosos estos seres, con sus semblantes desgarrados, confían en alcanzar una libertad que no han tenido a lo largo de su existencia.
Si no se puede conseguir la gran verdad, da lo mismo morir a una hora que otra.
(Gómez de la Serna)
La abstracción son estaciones de ida y vuelta en la vida íntima del sentir y el pensar. En ella se desprende un desentrañar de la materia y un penetrar hasta sí mismo.
En el caso del japo-americano KAMITSU los múltiples registros y repertorios plásticos utilizados atraen por esa extensión febril y cromática que cubre la piel de todo un universo.
Son obras en las que las radiaciones lumínicas se recrean en su propia dimensión otorgada por una ejecución sensible y poética, que desgranan una revelación de tonalidades entre el deseo y la serenidad.
Todos nos vamos volviendo clavera minuto a minuto.
(Gómez de la Serna)
Una vez que la visión aparece, se torna existente y funciona, al suizo BODME le suscita no un pensamiento solamente, sino varios cruzando su mente.
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Toda su obra es un diagrama que vive estructurando el espacio, reinventándolo a través de líneas, geometrías y colores, hasta dar con una configuración que nos envuelve dentro de ella.
Planimetrías, topografías, cartografías volátiles que ensayan la idea o la transmutan, que señalan y orientan, que significan lo que está afuera gravitando sobre lo de dentro.
El genio de la muerte es el supremo genio, que lo atisba todo. Tener la genialidad de la muerte sería sobrepasar todas las medidas.
(Gómez de la Serna)
Señalaba Edward Hopper que el arte era lo creado por unas personalidades definidas que son y serán siempre modernas en virtud de la fundamental verdad que llevan consigo.
Lo cual es lo que sucede con la obra de la americana WEIL, al implementar una topografía del color que al llevar los contrastes a su plenitud, éstos cobran una nueva dimensión.
Las formas le sirven de pretexto para delimitar, pero también para imprimirles dinamicidad, desenvoltura, la magia de un caleidoscopio siempre en movimiento.
Aprovechemos que aún estamos desenterrados y pensemos los inaudito.
(Gómez de la Serna)
Max Milner definía el caleidoscopio como un instrumento de hechicería privado que permite a su usuario encerrarse en un mundo cristalino, deslumbrante e inestable, el cual ejerce sobre su espíritu un poder discretamente hipnótico.
La plasmación en sus obras de tal desnudez y aleación cromáticas por parte del alemán VAN OFEN nos sitúa ante una hipnosis que nos somete a su sintonía plástica.
La tersura, delicadeza, poesía y goce de su pintura abstracta pone de manifiesto una agudeza creativa que ilumina y ensombrece con un hacer mágico en pos de una pureza derramada.
Los aviones, al caer, tienen el gesto consolador de estrellarse con los brazos en cruz.
(Gómez de la Serna)
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