LEVI VAN VELUW (1985) / ¿ESTAREMOS ENTRE ELLOS?

• Ha llegado un momento en que el arte ha tirado y derrumbado todas las reglas, todos los cánones, todas las normas, ya que, según Ensor, vomitan la muerte.
  
  • Aunque de acuerdo con otros (incluido el propio Giordano Bruno) hay tantas reglas como artistas.

• Y si el arte grita en las tinieblas, pide socorro e invoca el espíritu -tal como referencia Hermann Bahr el expresionismo-, el holandés VAN VELUW lo hace a su modo "decorando" su cabeza.
  
• Agiganta el núcleo sensitivo y ontológico del baúl mental de cara a su recuperación como centro plástico de la naturaleza, como ser nutriente y pensante en la magia de su entorno, que ha dejado de ser un escombro acumulable.
  
  
  
  • Aparecen esas transfiguraciones y hacemos como que no vemos, pero miramos; como que no hablamos, pero escuchamos; como que no tenemos razones para entender, pero nos recreamos. Y al final no encontramos, sino que seguimos buscando.
  
  
  • Con sus obras nos induce a penetrar en la corteza, no en la médula ni en la entraña, pues los valores del cráneo están fuera, metamorfoseando la fisonomía de lo que no es más que un lugar tratando de detener un tiempo inflamado.
  
  
  • Pintar es tantear -atardeciendo-
  • la orilla de un abismo con tu mano....
  • Pintar es asomarte a un precipicio,
  • entrar en una cueva, hablarle a un pozo
  • y que el agua responda desde abajo.
  • (Ramón Gaya).

JUAN JOSÉ VICENTE / ¿QUÉ VEO?

Filóstrato, sofista griego, decía que la fantasía es mejor artista que la imitación, pues si ésta representa lo que ve, aquélla, en cambio, lo que no ve.

En el caso de la obra del español VICENTE, se encuadra lo que se ve y lo que no se ve. No se emancipa de la impresión de lo realmente perceptible sin, por el contrario, dejar de formular que lo visible es poesía plástica de lo invisible inteligible y espiritual.

Además este artista, afilador de paisajes que se han pasado al incógnito, es un ejemplo de las cuatro causas de la obra de arte que menciona Séneca: materia, artista, forma y finalidad. Un neoplatónico añadiría una quinta: idea.
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Y podemos inclusive acudir a Dante cuando sostiene:
"El arte se encuentra en tres fases: en el espíritu del artista, en el instrumento y en la materia que, a través del arte, recibe su forma".

En resumen, se avanza con determinados medios hacia determinados objetivos, realizando determinadas formas en determinadas materias. Por eso, siguiendo este hilo, podemos afirmar que sus cuadros son horizontes de acogida y despedida, de soledad completa en una naturaleza a la que le falta la ilusión del conjuro y le sobra la maldición de una eternidad estática e insomne.

¡Oh Muerte, viejo capitán, ya es hora! ¡Levemos el ancla!
Este país nos hastía, oh Muerte, ¡icemos las velas!
Si el cielo y el mar son negros como tinta,
¡Nuestros corazones que tú conoces están llenos de luz!

¡Viértenos tu veneno para que nos reconforte!
Queremos, tanto nos quema el cerebro este fuego,
Lanzarnos al fondo del abismo, Infierno o Cielo, ¡qué importa!
¡Al fondo de lo Desconocido para encontrar algo nuevo!
(Baudelaire)

JAVIER MARÍN (1962) / LO CLÁSICO NO ES PERFECTO

• Dicen que el cuerpo es el deseo de la escultura. Un deseo, además, que para un artista contiene todas las formas de hacerlo carne desde el momento en que Grecia lo consagró como una visión apolínea perpetua.
  
• Pero el mejicano MARÍN no quiere que esa única visión le coarte, tiene otra en que la pasión ha de consumarse con los surcos calcáreos, con las rugosidades impresas en unos volúmenes monumentales que habitan espacios que se apropian hasta mediatizarlos.
  
  
  • Nos situamos ante anatomías que se exploran a sí mismas, abstraídas en gestos y movimientos, abismadas en la pureza y carcoma de su desnudez. Y también ante unas extremidades rotas, tejidos agujereados, dedos y manos enormes, que conforman un discurso sobre lo que somos si jugamos a ser efigies que desbordan su función y ya son huellas plásticas con una nueva denominación de origen.
  • Aunque bien es cierto que esas dimensiones físicas y psicológicas deformadas dan idea de una ambigüedad decadentista de pálidos y extenuados amantes.
  
  
  • Se está preparando la riada de los muertos, de los vilmente muertos. Y hay que tener miedo, porque los muertos están unidos (Alberto Vigil-Escalera).
  
  
  

TXIQUI AGUIRRE GÁRATE (KEIXETA) (1963) / QUISE QUE SALIERAN ORGANZAS

• Hemos de ir hacia abajo y topografiar superficies que necesitan resucitar ante nosotros en calidad de animadores y protagonistas. Entre cada capa geológica y los seres que la habitan, los espacios cromáticos conculcan todas las dimensiones y se decantan por aquellas que siembran los relieves de minerales luminosos.
  
  • De nada sirve, ante estos campos, una teoría visual o formalista o acudir a una teoría de la imitación, y, si bien, encaja más una teoría de la expresión, quedaría insuficiente aunque la acompañemos de las teorías cognitiva y posmoderna. Si se disfrazasen ya sería otro cantar sin esperanzas de aleluyas.
    
    
    • El vasco KEIXETA sabe como intuir la operación aplicada de una plástica que se cubre del paisaje telúrico, de la contracción tectónica para exhibir su síntesis, la que él mismo interpreta y magnifica para que actúe como una comunidad de pensamientos, sensaciones y sensibilidades.
      
      
      

      Parafreseando a Coleridge, sabemos que este hombre es artista por el hecho de que nos hace artistas, lo cual esperamos que sea por mucho tiempo.

• Los genes son la voz oculta de los muertos. Y ¡ay de aquel que se inicie en sus misterios!, porque en ellos se entra ciego y sin guía, con el alma a flor y en carne viva, sensible un intenso dolor al mínimo roce.

JACK BUTLER YEATS (1871-1957) / SEÑALES DE ESPERA

• Un itinerario romántico convive con un sentido pictórico desolado, cuya policromía guarda connotaciones con la espesura de un espíritu con la pistola amartillada en el alma.
  
  • El irlandés YEATS empieza lo que nunca acaba porque es la forma de continuar, escupiendo el esbozo constantemente sin esperar al remitente. Percibimos que la amalgama cromática encarna una figuración que así no se confunde, se vale por sí misma para no negar la cualidad melancólica del hecho representado. Y tal cual.
    
    
    • Seres que permanecen al acecho cuando el destino está delimitado. Convictos casi translúcidos de tan marcados por un final que jamás se ha escrito. Los tiempos de paso están fatalmente dados y precisados, por eso el muerto está hablando con muertos y los vivos son cielos azules envueltos en sudarios.
    
    
    • Y el hombre medita, sueña; mas triste, cierra su tienda. Y piensa: el próximo cliente ¿quién será? Una cosa, un ser, o quizás el propio Dios (Alberto Vigil-Escalera).
      
      
      
    
    
    
    
    
    
    

REMEDIOS VARO (1908-1963) / SOY UNA NAVE

• Desde abajo solamente divisamos. Ya arriba confiamos en la mansedumbre del imaginario divino que nos pertenece. No obstante, no podemos confundirnos, lo divino es una alegoría que forma un firmamento de sueños y yo, VARO, hispano-mejicana, soy su autora.
  
  • He vuelto del gótico y del Renacimiento, he pasado por el Romanticismo, me he hecho mística y he conseguido enriquecer mi plástica con la sabiduría estética del tiempo y del espacio.
    
    
    • En un mundo desgarrado huyo a confines de luz en los que la imagen no es agonía, es proporción, leyenda, ficción, en que la emoción es aliento del sentimiento.
      
      
      
      • No incurro en falsos preciosismos, no lo creo, me limito a insertar mis señas e identidades figurativas en un sistema de representación que avale mi personalidad pictórica. Ni tampoco construyo un arte espectáculo, únicamente es un empeño en la fijación de creencias, intuiciones y sensibilidades.
        
        
        • Mi cabeza está llena de armonía;
        • en ella las ideas danzan,
        • y por el gris del cerebro
        • vertiginosas resbalan;
        • mas, ¡ay!, qué pena,
        • mis ideas están descalzas.
        • (De Alberto Vigil-Escalera).
          
          
          
          
          
        
        

NACY SPERO (1926-2009) / DOLER LA VIDA

• Si la historia del dolor vuelve, de nada sirve apartarse para que pase de largo. Carguemos con ella y hagamos que cuelgue como un móvil que desde el aire señala y acusa.
  
  • Los muertos ya están arriba, no hay que esperar a que suban, apunta la norteamericana SPERO, así ocupan todo el espacio y lo convierten en un cónclave.
    
    
    • Es una alegoría visual que clama por no quedarse en fábula, que exige y necesita más. Y nosotros, como espectadores, podemos dárselo aunque nos deje huérfanos, lo cual ahora no importa, porque en cierto sentido ya lo somos.
      
      
      
      • Dando vueltas con la mirada levantada el tiovivo permanece quieto, y los caballitos se han disfrazado echando su aliento sobre las realidades que nos pesan.
    
    
    • Buscamos en el suelo respuestas sin darnos cuenta que nos las susurran desde lo alto; nos resistimos a entenderlas aunque no podemos evitar sentirlas. Son epitafios plásticos que no tienen inscripción alguna, con contemplarlos sabemos y al final huimos.
    
    
    • Manuel,
    • cae la tarde,
    • y hay un disparo infinito
    • que se estrella
    • contra mi desamparo.
    • Lenta muere la ternura que
    • no encuentra
    • dónde abrevar sus abiertas soledades,
    • el deseo inocente que perdura.
    • (De la poeta cubana Maylén Domínguez Mondeja).