CONSTANTINO GRANDIO (1925-1977) / QUERENCIAS

• Personajes y tierras son recurrentes en las mareas de la experiencia de cada uno. Y desvelamos el silencio de lo imprescindible, tan sólo aquello que es surco visual y táctil, sentimiento íntimo e indoblegable.
  
  • Para TINO GRANDIO lo neblinoso de su tierra y de su gente era luz y él la sabía transcribir como nadie. Los contornos vagos, nublados, anubarrados, sombríos, eran superficies y espacios en los que gravitaba todo un espíritu del barro, del cultivo, del territorio y del aguardiente. Los colores son huesos y el alma es la condición inmanente de una pintura contraria a cualquier exhibición o desmesura impropias. Casi es una simple huella que se agiganta en nuestra mirada, que confiere la emoción que es la base para identificarnos en el entorno que habitamos y del que procedemos, en el que sumirnos en la contradicción de la huida y de la permanencia.
    
    
  • En su obra parece como si todo se contuviese en el instante de una espera, en ese momento que estamos temerosos de abordar por si hay un movimiento que nos cause el perderlo para siempre. Como si también nosotros, presos de esa visión, nos condenásemos irremediablemente a acompañarle en su ignoto destino.
    
    
    
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      La sabiduría de lo intemporal está aquí presente, son tonalidades de connotaciones y denotaciones, alejadas de elocuencias insostenibles y muy ancianas, de lo contrario no congregaría, como lo hace, una esencia plástica nacida del sentido telúrico más depurado, el que se lleva eternamente como querencia y poesía de vida.
    
    Pero para cuando llegue la hora, la pintura enterrará las palabras de cara a que sean los ojos de la memoria los que hablen.
    
    
    
    
    

TED HALKIN (1924) / REUNIONES IMPURAS

• En estos últimos años la iconografía en Estados Unidos no para de dar vueltas. No dejan que lo empezado, denomínese como se denomine, se agote. También es posible que los desarrollos tecnológicos acelerados impongan un continuo cambio y transformación de hábitos visuales.
  
  • Ahora bien, que la obra del norteamericano HALKIN sea una respuesta a ello, no lo creo. Decía Aguilera Cerni, que la realidad es una pluralidad, una poliformidad de múltiples dimensiones y extensible en muchas direcciones. Por tanto, deduzco que este artista trata, sin ningún ánimo de ruptura, de encajar su hacer artístico dentro de esa realidad multiforme y compleja, y a partir de ahí pasar a configurar las nociones que le preocupan sin dejar de formular la sintaxis que más le acerca a la visión de su trayectoria en el interior de unas órbitas imaginativas que si adulteran el mensaje lo hacen a propósito.
    
    
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      Son reuniones y agrupaciones desconcertantes que juegan con mitos y creencias con el fin de descabalgarlos, retratarlos, posicionarlos en un espacio frío o turbulento. Su cromatismo toma el sentido sucio, brumoso, que es el que está acorde con esa elección de postulado estético y existencial, del cual quedan sombras que son todas y ninguna, preguntas que son más preguntas y respuestas que no han tenido preguntas.
      
      
      
      
      
      
      
      

ARTE AMERICANO

• Espoleado por la curiosidad me acerqué a la Fundación MAPFRE a visitar la exposición de arte americano. No voy a referirme a la calidad de ciertas ausencias, ni a una muestra tan escasa de hitos memorables o a la falta de una mayor cohesión.
  
  • No quiero centrarme en señalar más que las dos rúbricas sucias, tristes, solitarias de un HOPPER, la insuficiencia de lo expuesto de la obra de GEORGIA O´KEEFFE o la construcción urbana de la nación por parte de CRAWFORD, HIRSH o SHEELER. También en la recepción de herencias de un STUART DAVIS, en la esencia aérea de un CALDER, así como lo tacaño exhibido de ROTHKO o en lo no representativo de lo visto de MOTHERWELL y GOTTLIEB.
    
    
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      Es una exposición limitada, muy incompleta de una historia y un pueblo jóvenes, impacientes, que desde lo iconográfico europeo plantean sus propios repertorios y definiciones, que acaban por liberarse de cánones y tabúes y señalar tantos otros horizontes como espacios en el Este y el Oeste.
      
    • Y no nos olvidemos de dos grandes fumigadores como CLYFFORD STILL y SAM FRANCIS, cuyos trabajos se quedan cortos.
    
    
    • Ni siquiera puede hablarse de una manifestación artística modesta, más bien pretende ser un canto a la excelencia que se ha quedado, por su escasez y criterio selectivo, en la confusión de lo mediocre, del ser que pensaba que iba ya siendo. Una pena, una lamentable pena.
      
    
    

BERND ZIMMER (1948) / VENTANAS SIN REGRESO

• A pesar de la instrumentalización, mercantilización y banalidad del arte en estos tiempos, Aguilera Cerni insistía en que no podía morir, porque la experiencia estética es inseparable de los procesos perceptivos humanos y de la humana naturaleza.
  
  • Y tampoco la pintura puede extinguirse, porque siempre está abriendo puertas y corriendo cortinas, de cerrarlas ya se encargarán otros. Y si hablamos del alemán ZIMMER, son ventanas tan abiertas que la mirada se deposita en ellas sin desear volver.
    
    
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      ¿Que si se nota que es un artista interesado en la astronomía? Podría ser. Pero lo que pinta es una cosmovisión de luz y luminosidad que centellea, que forma una civilización de espacios engendrando esa claridad que necesitan, que conforma un espíritu abierto a la existencia bajo capas resplandecientes, indicio de una inteligencia que de formular hipótesis pasa a conformar realidades.
      
      
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        A partir de lo que el autor transfiere al observador el entorno cambia, adquiere otra sintonía y al final reaparece conforme a otra conjugación. Por la tanto, no es hora de cerrar los ojos sino de abrirlos rumbo a la invocación.
        
        
        
        
        
        
        
        
        
        

GLADYS NILSSON (1940) / VUELVO A REUNIRME CON ELLOS

• Yo soy de Chicago e imaginista, y con ello ya está dicho todo, eso de que necesito reunirme con mis seres queridos, alegres y perversos. Los pinto pensando que los modos visuales son ellos mismos, nada más ¿o es menos?
  
  • Los he construido así para reivindicar el sentido, que también es el mío, de la forma y la percepción que exigen, con el fin de comunicar que hay extensiones desde la nada donde nadie los había visto.
    
    
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      En definitiva, que la norteamericana NILSSON aflora un microcosmos al completo, en el que cabe desde el más refinado humor hasta el más intrincado azar. Concibe profusión de tamaños, figuras, encuadres, espacios y acontecimientos. No deja sitio para ningún vacío más.
      
      
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        Luego nos convoca a seguir sus meandros, a conciliar fondos, colores y superficies y, ya exhaustos, nos obliga a contemplar escenas de vida superpuestas y fértiles.
        
        
        
        • No hay mucho más que decir, contar es otro cuento, en este caso, el cual es inseparable de su sino plástico, que, según murmuran, es gozo malicioso de un demiurgo o taumaturgo alzado en pinceles.
          
          
          
          
          
          

ARCADIO BLASCO (1929) / LAS LEYES DADAS

• "Reconozco lo que es el arte : renacer en otro lugar", decía Franz Marc. Lo que el levantino BLASCO, también un gran ceramista, así hizo todos los días, tomando una época de examen y revisión de las nuevas posibilidades de expresión para crear un ordenamiento mural y escultórico que arrojase a nuestra mirada visiones que recuperasen huellas, pasados, conocimientos.
  
• Armonía y orden de la materia coagulada, solidificada, en esas superficies, relieves y soportes que han surgido de un fondo interior remoto a constituir precisamente un diagrama exterior cuya geometría destapa la existencia de otros ámbitos creativos que el autor ha liberado.
  
  
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    Incluso el cromatismo de las formas pertenece a esa leyenda que se diversifica y propaga conforme a la materia en la que está filtrada y organizada. Sobre lo curvo se adivina la plasticidad que mantiene en vida, sobre la línea el reencuentro con lo que ha de suceder.
    
    
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      Cuando se habla de este artista he leído algo respecto a su fascinación por el neolítico, periodo prehistórico de la piedra pulimentada. No digo que no sea así, pero lo que él rescata va más allá, trae la gravidez de resonancias que ha erigido para que sean cómplices además de altares tutelares.
      
      
      
      

DJURIC MIODRAG DADO (1933) / ESPECIES EN EXTINCIÓN

• Cuando el montenegrino DADO nos legue sus especies serán ya mundos en extinción. Lo que nos quede no querrá alojarse en habitáculos cerrados en los que es imposible conservar su fluorescencia, su belleza monstruosa, su promiscuidad de duendes y enigmas.
  
  
  
  
  • Y, sin embargo, en esta civilización globalizada, tecnificada y masificada, será así, no dejarán de protestar ni siquiera cuando alguna de sus cabezas cuelgue en un vacio que será entonces un laberinto.
    
    
    
    
    
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      ¿Es difícil o bastante factible que en estos tiempos que corren haya visionarios como este autor, que con un sofisticado sentido virtuosista impulsa una vía plástica que algunos dicen que ya está agotada? Si entendemos la pintura en clave de futuro, lo presuntamente delimitado es tan ilimitado que carece de circunscripción.
      
      
      
      
      
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        Y partiendo, sin falsos prejuicios, de una obra como ésta, señalar es mostrar que aún queda mucho por aparecer, que cada evidencia es un inicio. DADO es un artista que ha remontado el buceo y se ha encasquetado la visión y materialización del prodigio. A la vista lo tenemos.