OLIVIER DE SAGAZAN (1959) /

•  En toda obra hay una búsqueda del reconocimiento de la singularidad de la misma. Y con ella viene la innovación, la ruptura, la extravagancia, la idiosincrasia, el prodigio y hasta la maravilla y la excepcionalidad.

•  Con la deformación, desfiguración, descomposición, mutación, simulación y el disfraz llegamos al horror, "a la conclusión de que es la propia realidad, cuando se pinta, cuando se mira, cuando se vive con ella, la que es terrorífica" (Arturo Leyte).

•  SAGAZAN, nacido en el CONGO, practica una fusión de fotografía, escultura, pintura y perfomance, hasta alcanzar una transfiguración que no está muy lejos de las palabras de Hegel cuando afirmaba que el espíritu sólo conquista su verdad cuando es capaz de encontrarse a sí mismo en el absoluto desgarramiento.

•  El arte ya no es belleza contra fealdad, bien contra mal, error contra acierto, verdad contra falsedad, sino que es todo ello y además la conversión del pan y vino en cuerpo y sangre, conceptuando al hombre como un mero sujeto que no sabe vivir, sentir y pensar sin él.

•  Lo sabe sin saberlo, negándose a la vida,
• viviendo en otro mundo sin límites, creando
• con barro de la nada el cosmos de una sospecha que ignora.

(Dionisio Ridruejo). 

DYLAN EIJKES (1983) / MANOS DOLIENTES

•  Lo dice John Berger: los artistas no pueden cambiar o hacer la historia, lo que más pueden hacer es despojarla de sus pretensiones. Y hay diferentes modos de hacerlo, entre los que se incluye el de mostrar la crueldad existente. 

•  En estas obras del holandés EIJKES todo el cuerpo debe concentrarse en el ojo. El ojo debe ser el delegado del cuerpo para que la visión resulte devoradora (M. Dufrenne).

•  El ojo selecciona, rechaza, organiza, discrimina, asocia, clasifica, analiza, construye...Nada se ve desnudo (Nelson Goldman). Entonces ¿podría la representación pictórica ser reducida, en algunos casos, a un juego de sustituciones basado en la reciprocidad del significante y del significado (Damisch). 

• Están así los hombres
• con sus manos fabriles o bien sólo dolientes,
• con manos que a la postre no sé para qué sirven.

(Gabriel Celaya).

JOHN BERGER (1926) / EL DIBUJO ME ENFRENTA A LO QUE SOY

•  El propio y gran autor, BERGER, británico, que es además crítico de arte, escritor, pintor y dibujante, considera que dibujar, el reto que plantea el dibujo, es mostrar esto, hacer visible en el papel o en la superficie del dibujo no sólo cosas discretas, reconocibles, sino también mostrar hasta qué punto lo que se extiende es una sustancia, que acosa al acto de dibujar. Las líneas de un dibujo son tensas, acosadas. Quien dibuja está solo en lo infinitamente extenso.      

•  Por eso, en ese proceso tiene lugar una conjura de apremios que quieren forzar el desarrollo y el dinamismo de lo que va saliendo en múltiples direcciones, algunas concretas porque tienen la obligación de explicar lo hallado, otras indeterminadas porque consideran que hay entelequias que no deben someterse.   

•  El artista, en estas singladuras ancestrales, parte de esas premisas para obtener las líneas espirituales de un misterio que es la fundamentación del campo de lo artístico, sin él no existiría éste y sin éste el ser humano probablemente estaría mutilado de un hacer que le hace confrontar y enaltecer.    

• Del fondo de los sótanos; de las siniestras galerías de las minas,
• brotaron seres atónitos, cuajados de espanto,
• esgrimiendo su desesperación al firmamento.

(Victoriano Cremer).

LUIS ZERBINI (1959) /

•  En estas obras el artista brasileño multimedia, ZERBINI, nos ofrece un amplio panorama topográfico enfocado como una visión entre lo edénico, lo posible y lo letal presentido, que se proyecta como una realidad simulada pero no incierta. La multiplicación de la vida en esos espacios, esa naturaleza radiante, no es una antítesis sino, tratándose de Brasil, de una leyenda que está entera y suscrita al entendimiento final de las cosas.   

•  ¿Son ausencias o presencias o ambas a la vez? Decía John Berger que la función de la pintura es llenar una ausencia con el simulacro de una presencia, es decir, contradecir las leyes que gobiernan lo visible: hacer ver lo que no está presente. 

•  Sin embargo, para el espectador, en estos casos, cuenta más la presencia, puede adentrarse en ella y seguir contemplándola con una imaginación que busca esa riqueza como si todavía estuviese virgen, que no lo está, y no necesitase más que servir de esencia intocable e imperecedera. 

• Tu cuerpo sosteniendo, alimentando
• la esperanza del hombre de tu especie
• apretado a la sombra de tu paso.

(Victoriano Cremer).

LUIS FEITO (1929) / PINTURAS DE 1957 A 1962

•  No vamos a descubrir a estas alturas que FEITO es uno de nuestros más grandes pintores del siglo XX. Ni tampoco que estas obras, expuestas actualmente en la galería Fernández-Braso, son lo más emblemático de su trabajo creativo, razón por la que nunca es posible dejar de mirarlas. 

•  Pero sí que la singladura de este artista es uno de los ejemplos más obvios de esa paradoja de la pintura que invita al espectador a pasar a su habitación para contemplar el mundo que se extiende más allá (John Berger). 

•  Él supo intuir ese mundo, captarlo en toda su dimensión, hacerlo ilimitado a pesar de sus aparentes simulacros de sinopsis y conferirle unas coloraciones que son rostros de la luz, la misma sin la cual no podríamos vivir.  

• Incluso podríamos tomarnos la licencia de sugerir que es como esa pintura tonal descrita por Gillo Dorfles, cuya función no es respetar o copiar una atmósfera, sino inventarla, crearla ex novo. Un universo atmosférico que baña las cosas, la naturaleza circundante.

• Porque sucede que la verdad es una vieja aletargada
• como un oscuro sapo al sol. Que la justicia es dueña zurcidora,
• y la hermosura un inefable don, lejos del hombre;
• tal una estrella, asomada a un pozo profundísimo.

(Victoriano Cremer).

LINE GULSETT (1981) / EL TIEMPO DE LA MUERTE VIENE CON EL MOVIMIENTO

•  Si las pinturas son estáticas, la noruega GULSETT se la ha ingeniado para que el movimiento se adhiera a la superficie y a la mirada del espectador. Si la imagen permanece intacta una vez colgada, dentro del marco se altera y moviliza para cumplir un destino que corre a la misma velocidad que el tiempo del observador.  

•  Es una realidad que intranquiliza no sólo por el hecho de su dinamismo sino por lo que ese proceso va gestando, hasta reconocer que lo que pulgada a pulgada va deslizando, pululando, transitando crea unas fuerzas fantasmagóricas poderosas e incluso aterradoras.

•  Las sombras son el clima que acompaña estas soledades como fuente de su movilidad, se ven como agentes de un hado cuyo misterio no es tal, pues no es lo resucitado sino lo muerto o lo que ya tiene confirmado ese color en el tiempo que le queda.  

• Porque sucede que la tierra es un destartalado cementerio 
• donde almacena el hombre sus muertos inservibles;
• porque los muertos válidos, los elocuentes muertos,
• se hacen junto a las tapias o en las hondas cunetas solitarias.

(Victoriano Cremer).

PAPERBLOG

Valido la inscripción de este blog al servicio Paperblog bajo el seudónimo goyovigil.  

JIM SHAW (1952) / ¿QUIÉN SE HA QUEDADO FUERA?

•  La realidad es infinita e imposible de tomar de una sola vez. Hay que dejarla suelta, libre, fraguando rabias y jolgorios con destellos, manipulando luces para tocar las vivencias que difunden las sagas del color. Así lo ha interpretado el norteamericano SHAW, que crea y se divierte simultáneamente con sus juegos plásticos en los que cabe todo lo que sucede en un mundo imperfecto.   

•  Heisenberg es muy claro respecto a que en el momento en que pasamos de lo conocido a lo desconocido podemos esperar comprender, pero puede que también tengamos que aprender al mismo tiempo un nuevo sentido de la palabra comprensión. 

•  Pues así es como debemos abordar la obra de este artista, que al final no deja de ser un brillante recaudador de imágenes que vemos todos los días sin parar a pensar que son un reflejo artístico de los signos de nuestro destino en la contemporaneidad. 

• Yo sé que rojas pupilas
• se desnudan como sables
• para cortar la garganta
• del grito que lleva el aire.

(Victoriano Cremer).

PHILIPPE HOSIASSON (1898-1978) / MONTAÑAS DESPEGADAS DEL TIEMPO

•  Lenguas de fuego calcificadas que reposan, osamentas de piedra, resplandores de lava que iluminan tantas noches perdidas por efecto de la soledad sin luna, venas de una sangre aparentemente dormida aunque su apariencia sea la de un insomne.

•  HOSIASSON fue un artista ucraniano que siempre tuvo en su retina el marco físico de referencia de su origen. Lo captó en sus rasgos esenciales, en una morfología que ya estaba metamorfoseada o en trance de serlo.    

•  Desde una visión vertical u horizontal sajaba más que estructuraba, punzaba hasta que el manantial fluyese inagotable. Con el paso del tiempo el espacio se iba formando, aglutinando lo que será la carne y la piel que al final serán la forma y el ser de sus obras.   

• Yo me salvo en mi mundo, desterrado
• de un azar amarillo de panteras,
• donde el aire es silbido y brotan dientes
• y lenguas como hogueras.

(Victoriano Cremer).

AIMÉE GARCÍA MARRERO (1972) /

•  Hay una manera histórica que se somete plásticamente en su creatividad al marco ideológico del presente, hace de ella una manifestación de arte y discurso crítico en distintas vertientes. El choque para el espectador es encontrarse lo que no esperaba en lo que percibía al tratar de asimilarlo bajo los parámetros convencionales habituales.    

•  Pero la cubana MARRERO no quiso dejarse atrapar, rechaza estereotipos y clasificaciones y sigue con su factura limpia, casi impoluta, propiciando el revés de las creencias, reservando el sentido de la visibilidad para lo que la mirada no ha conservado sus fáciles sospechas. 

•  Dispara como lo desea y como le sale, pues ese atavismo de muerte y violencia está ahí confesando víctimas con una sensación fría, refinada, clasicista, y así sin dejar de apuntar de forma certera con las armas bien cargadas, culmina una obra en la que subyace, ronco, el grito de un barítono a una sociedad a la que la imagen no le aporta ya sumas sino restas.   

• Es confuso el vivir. Sobran palabras. Siento
• ganas de oírte. Habla. Descánsame la vida,
• oyendo un corazón que en aire se convierte.
• (Alfonso Moreno).

JOSÉ EMILIO FUENTES FONSECA (1974) / EL ELEFANTE CUBANO

•  Un día los elefantes se fueron a La Habana a conocer el resto de sus congéneres isleños. Caminaron entre la rumba y el son por toda la ciudad, y hasta se acercaron al Malecón a saludar a una libertad monótona y soñolienta.    

•  El cubano JOSÉ EMILIO FUENTES rebosa iconología en todas sus producciones. Su análisis a la hora de maquinar sus proyectos no se para a sopesar considerandos si la función ha de empezar y debe sorprender. Sus "ídolos" son óbolos y no carecen de la índole de los adeptos y de los idilios.     

•  Se suma con sus obras al éxtasis de una tierra que para vivir con quimeras se apunta a los desvaríos y sus libretas, y se engancha a las fantasías de unos habitantes que han hecho de la enajenación un milagro y del despropósito un caudal de emoción. Así ya se puede conducir un discurso sobre el arte solamente en una especial, muy especial parte. 

• NOCHE. Y alba. La aurora
• no se atreve. Vagones
• con el alba parada.
• Mugidos con el alba 
• parada. Y sacos grises.

(Luis Felipe Vivanco)

ALEJANDRO CAMPINS FLEITA (1981) / TIRO DE ESAS CUERDAS PARA PINTAR

•  La pintura en el caribe es parlanchina y describe sus propios silencios con el color más pagano. Si hay que empastar, se empasta, si las texturas han de cerciorarse de un desaguisado, que lo hagan, después salen más renovadas, con más frescura.  

•  Lo importante es que el espectador vaya en paralelo, se enjuague y se compenetre con ese ilusorio que le cubrirá de sensaciones que cortejan al repudio y pensamientos que cohabitan lo salvaje. La imaginería plástica salta de rama en rama, carga las tintas y desparrama las materias pigmentos y fluidos hasta disecar las piezas.  

•  La obra de este joven cubano, CAMPINS, es otro repertorio de la alegoría que cada artista isleño tienen en su sangre, que registra y registra hasta hallar esa luz total que se regenera aunque la muerte de ese cisne sea el mito fúnebre que la haya engendrado. Ahora será el último, mañana tendrá que ser otro.

• Diseminados, lejos los unos de los otros,
• sin cartas, sin posibles citas junto a los libros,
• sin mesas para estar en torno, sin palabras,
• sin mujer de que hablar, sin vasos y sin vino...

(José María Souviron)

RUFINO DE MINGO (1953) / LAS MEMORIAS DE MI ENCIERRO

•  Hace un año le dediqué a RUFINO DE MINGO un post porque consideraba que su obra  entre lo primitivo, lo transgresor y lo simbólico marcaba señales imposibles de no ver. Estaban ahí para ser derrota exaltadora conforme se apuntaba en su contexto hacia una pírrica victoria en otros órdenes intrascendentes. 

•  Hoy es con motivo de su exposición actual en la Vidriera de Verona en Madrid, cuya presencia activa nuestras capacidades para integrar ese acervo antropológico, expresionista y mitológico en una contemplación contemporánea.

•  Sus esculturas, cuyo pequeño y mediano formato denotan la más precisa esencia de la significación, son fruto de tocar la carne secular, de sentir en un trasmundo y de que hay un misterio de cumplimientos pendientes.    

•  Son como trasgos yertos pero no ciegos, que atesoran la piadosa dignidad del mensajero, invitándonos a entrelazar miradas y actos, identidades y visibilidades estatuarias. No postulan arengas ni templos, están a la espera de que los que murmuran se queden sin cielo, pues ya es hora descolgarse de ese espejo que guarda la navaja en nuestra ausencia para tallarnos como si hubiese un horizonte más, además de una carcajada en el polvo.   

• RUFINO es un compendio y una recopilación, eminentemente más escultor que pintor, que explora desde el interior, que viaja sin aditivos, que involucra el ser en sí mismo y consigo mismo, y que ya no tiene más remedio, a pesar de los pesares tan ingratos y encarnizados, de continuar con la cinceladura alegórica de sus esfinges. Muy buena y mejor suerte le deseamos y que sea el presente y no la posteridad la que venga a su redención y liberación.

Los pasos, los verdaderos pasos en la espalda
del cielo, el eco de cada paso,
es una medida que se prolonga en una huella, 
y en una penetración que nos regala
la ceguera de la marcha.
(José Lezama Lima).