La idiosincrasia del color reúne en su lenguaje todas las fisonomías y relatos posibles, expresa las circunstancias felices e infelices de sus vicisitudes y sus orígenes.
Es el caso de la obra del japo-brasileño BABE, en la que deja de manifiesto que la exteriorización y quehacer de su pensamiento capta las distintas gamas y nomenclaturas cromáticas como núcleos imperecederos.
Su hacer es intenso y al mismo tiempo cargado de una poesía que señala el predominio plástico de la urbimbre sutil que planea sikenciosamente sobre toda su producción.
Todo el tiempo sucede mucho más en nuestro interior de lo que estamos dispuestos a expresar.
(Thomas Nagel)
Las imágenes que nos han legado los artistas mexicanos del siglo XX no pueden ser más que un símbolo que se ha convertido en el emblema mismo de la intuición y conciencia artística.
El caso del pintor GOITIA fue especial y señero, proporcionando, en una pintura de fuerza atroz y espeluznante, lo que conforma al ser humano en su maldita realidad.
Se convirtió en un ermitaño que creaba una historia de sí mismo y de su pueblo, unas experiencias formadas en el dolor y en sufrimiento, en la desventura y en el odio.
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Nosotros construimos sistemas que espían a las personas a cambio de servicios. Las corporaciones lo llaman marketing.
(Bruce Schneier)
Los expertos consideran que la naturaleza discursiva de la pintura es útil desde el punto de vista de la persuasión debido a que constituye una red de representaciones inconclusa.
También se ha expuesto que el artista moderno está obligado continuamente a mostrar sus cartas, porque, para él, la creación no puede estar separada de sus procesos reales.
La obra de la americana LEE FREMAN tiene en la abstracción el recuento de sus signos y de los vericuetos y azares de su sincretismo cromático, que nutre a la superficie un dinamismo en los hilos de su acontecer.
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Siempre nos encontramos con la encrucijada de cosmópolis.
La pintura ha sido siempre portadora de significado en un sentido u otro, y en la obra del alemán KAUS se hace notoria y más evidente.
Toda su configuración plástica depositada y revelada en cada retrato nos enfrenta a una melancolía que nos habla del pasado, el presente y quizá del futuro. Sus matices cromáticos son tristes y lógicos acompañantes de unos personajes desamparados.
Hay toda una simbología de un mundo que se deshace entre odios y guerras, pobreza y desesperanza, locura y barbarie, esperando que solamente se trate de una ficción que conduzca a su fin.
La distancia que podemos recorrer a través del arte no es sólo greográfica y cultural sino también histórica.
En la galeria Orfila de Madrid está presente en estos momentos la obra del vasco ARTETA con una impronta geométrica que profundiza en los hallazgos y resoluciones de una concepción estética muy determinada.
La superficie de cada pieza es como un laberinto cromático en donde se fragmenta los dintintos componentes de una estructura que se completa a sí misma en aras de una visión multifocal de la realidad.
El resultado nos lleva de un lado a otro, de una vertiente a su contraria, como si lo geométrico en sus distintas escalas formase parte de un universo propio localizado en nuestro sentido habitual del vivir.
Confortar a los afligidos y afligir a los confortados.
(H.L.Mencken)
Decía Walter Benjamin que la crítica busca el contenido de verdad de la obra de arte y el comentario su contenido material.
Es decir, la crítica incluye un elemento teórico a través del cual la obra se relaciona con el concepto filosófico de verdad, mediante la noción romántica de arte; mientras que el comentario implica sólo la reconstrucción de su contenido empírico. Sin embargo, las dos actividades están íntimamente relacionadas.
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Disquisiciones escolásticas al margen, la obra del francés CHANTOB pone de manifiesto ese realismo que se daba por extinguido y clausurado, que no servía como testimonio plástico y visual de la era contemporánea. Pero sigue y persiste en pegar voces y protestas.
Ojalá pudieses saber tú
lo que significa ser yo.
(Nina Simone)
Se ha afirmado que la abstracción es el realismo de nuestro tiempo, la expresión de nuestras neurosis y angustias, porque esa es nuestra auténtica realidad.
En cambio la alemana VOORMANN se empeña en lo contrario, en un quehacer en el que los medios y resursos se expanden líricamente entre la geometría y el azar.
Sus obras constituyen una inmersión a través de un significante poderoso y enérgico en un pathos de luz y búsquedas y encuentros sinuosos, en un mar cuyas confidencias saca barrocamente a la superficie.
Una sociedad decente es aquella en la que las personas no son humilladas.
(Avishai Margalit)
Las exploraciones del americano McNeil consistían en remover todo el espectro visual hasta que su sólida y empastada consistencia marcase con fuego existencial la experiencia perceptiva directa.
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No incurría, a la hora de desarrollar su trabajo, en florituras y relamidos superficiales, sino en una constelación que saliese a la luz en su realidad desde el fondo subyacente.
Toda obra, en tanto que pensada para muchos, ya es desde el punto de vista de la idea, su propia reproducción.
(Adorno)
La ugandesa BABIRYE toma todo su acervo cultural y su creatividad para escenificar una obra que retrata la marginación que ha sufrido individualmente y también colectivamente.
Pero su capacidad imaginativa desborda esos limites para ir más allá, para configurar, a través de sus iconos, las creencias milenarias y la historia en que tuvieron lugar.
Brutalidad y deshumanización quedan perfectamente grabados e impresos en esos rostros y figuras que ella ha creado con el fin de conservar material y espiritualmente hasta el fin su fuerza, su energía, su magia y su destino.
Esto no deberíamos darnos motivo para el fatalismo.
Prefieren que nos perdamos antes que amenazarnos.
La alemana SCHMITTEN sabe muy bien que la función estética es portadora de todos los significados posibles y esto precisamente es debido al carácter polisémico característico de la obra de arte.
Por eso, la sensualidad y veladuras que presenta en cada una de sus obras penetra en evocaciones y voluctuosas referencias a un sentir íntimo.
Las a modo de pátinas cromáticas, cuidadosamente perfiladas y armoniosas, sugieren deseos e incertidumbres, liviandades e ingravideces que muestran una pasión tan leve y sutil.
Los lectores pueden escoger por sí mismos.
La clave consiste en preguntarnos acertadamente a qué apunta una obra, que trata de decir, qué muestra, o sea, qué significa, a qué se refiere.
Respecto al trabajo de la madrileña JIMENO sabemos, al desnudar su plástica, que su medio de expresión es una vibración que se propaga cromáticamente, que sus distintas capas o disfraces líquidos revelan un significado más en su vivencia pictórica.
Sus formas de pensamiento aparecen borrosas porque son manchas cuya imprecisión inspiran composiciones y narraciones propias, nuevas visiones y un sentimiento estético aferrado al impulso poético.
Gobierna sus colores acuosos, líquidos, para encauzar su corriente, para transformar su significación dentro de un lecho que siempre está renovándose.
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