PETER ALEXANDER (1939-2020) / QUIERO QUEDARME EN ESTAS ATMÓSFERAS

Promaclaba Croce que, sin duda, una intuición artística es un fulgor súbito, una iluminación, pero desde ese fulgor a la obra acabada, ¡qué largo camino, cuántas dificultades, cuántos esfuerzos y cuánta esclavitud por amor!

Las obras del americano ALEXANDER, miembro del movimiento Luz y Espacio, se revelan como un sueño mágico  que  invade la mirada, que le descubre un cosmos que se debate entre la luz y el color. 

Son resplandores de una nubosidad entre cielo y tierra, que alumbran y deslumbran, que invocan el encanto de una creación plástica embebida en su propio sortilegio.   

 Lo real es susceptible de ser descompuesto y luego recompuesto.

MICHAEL GOLDBERG (1934-2007) / ME QUEDÉ POR ENCIMA DEL TIEMPO

El expresionismo abstracto todavía goza de una continuidad al estar dentro de una segunda fase de la modernidad (Gerard Vilar), con sus discontinuidades, regresos y abandonos. 

El americano GOLDBERG es un miembro de esta saga que tiene una concepción de la pintura como desahogo y confesión de una lucha interna que se proyecta sin descanso. 

Podemos entender así que una vez que el artista ha dado lugar al proceso formativo (color, gesto y soporte) de la obra, exige que el dinamismo interior de la misma se adueñe de su proyecto creativo. 

Algún autor ha afirmado que podemos aprender a ver el expresionismo bajo la piel del Renacimiento.

UNA APROXIMACIÓN A MÍ MISMA (1964) / BARBARA WALKER

Ante estas obras de la británica WALKER, me viene a colación la reflexión de Heidegger en relación a que lo que pueda ser el arte está determinado única y decisivamente  a partir de la pregunta por el ser. 

Estos retratos forman parte de la visión de una identidad colectiva e individual, de su sentido existencial e histórico, de su destino como intérprete de una comunidad.

Es una plasmación que, desde una concepción virtuosa de la práctica llevada a cabo, transmite una revelación prodigiosa de una humanidad que ha optado por vivir sin rendición. 

La visión de obras de arte que son encarnación del antiguo ideal de belleza revela otra verdad profunda: la belleza es algo superficial que solo muestra un aspecto de la realidad. 

QUIN BOVÉ (1959) / ATRAPAR LA INFINITUD

Decía Tapies que para el artista de genio la forma es algo espontáneo, indiscutible, personal, una consecuencia natural del momento, del pensamiento y emociones. 

El catalán BOVÉ deja que su pintura espacial cuaje como un ente que ofrece a través de movimientos esféricos y dinámicos una visión cosmogónica.    

Es una plástica fulgurante de un cromatismo brillante y significante que entraña todo un significado global del espacio y su estructuración. 

¿El auténtico inconsciente es un desconocido y enigmático, que se experimenta indirectamente? ¿Un engranaje interior de la psique individual o del alma del mundo? 

JOAN PERIS (1965) / HORIZONTES QUE DESLUMBRAN

Decía Rothko que la claridad consiste en la eliminación de todos los obstáculos entre el pintor y la idea y entre la idea y el observador.

Es así como el castellonense PERIS, en sus obras, afronta una creación que busca su materialidad en horizontes más allá de su simple presencia en el espacio. 

Las texturas y el cromatismo hacen que su visión plástica queden como un signo de interrogación admirativa en la mirada previo a una reflexión sobre la dimensión que ocupa.  

Polignoto decía que los personajes tenían que estar en primer plano, sin relación entre ellos y sin un escenario que por sí solo crease relaciones e hiciese posible presencias a distintas distancias.

ALBERTO REGUERA / PAISAJES COMO GERMEN PICTÓRICO

De los tres modos de pensamiento espacial de la teoría que Soja formula, el percibido, el concebido y el vivido, uno de nuestros artistas más internacionales, el segoviano REGUERA, se despliega en todos ellos con la poética más depurada.     

Su obra, desde sus inicios, revela una imaginación cosmopolita y un potencial estético que hace que sus mallas, superficies y texturas plásticas obtengan un reconocimiento de su lugar dentro del mundo al mismo tiempo que lo va descubriendo desde ópticas diferentes. 

El propósito de estos paisajes, fruto de sus perfomances en la national Art Gallery of Canada, en Otawa, es proyectarse hacia nuestra mirada como la relación intensa entre el artista y su cosmovisión, que es al mismo tiempo la sensación visual que nos transfiere y compartimos como una vivencia estética única y singular.  

Y también podemos constatar que son estelas que desbordan límites y planos, que quieren impregnarlos en su totalidad con un cromatismo profundo e interior, capaz de transmitir valores esenciales.  

En definitiva, estamos un ejercicio magistral de creatividad, de  sensibilización de la materia, de técnica, de intuición y de conocimiento.

NICASIO FERNÁNDEZ (1933) / LOS SALUDO TODOS LOS DÍAS

Se ha considerado que toda percepción o intuición se deriva de una comprensión que nos abre previamente el ser de los entes que nos encontramos ante los ojos. 

El retrato de los que nos ofrece el americano NICASIO FERNÁNDEZ en sus obras contiene una fisonomía de lo que es una criatura que no cree en sí misma.

Son incógnitas que se materializan de acuerdo a un código estético para las que hasta ahora tenía respuesta, pero que con el transcurso de épocas y realidades se han quedado con las preguntas boca abajo.  

Se habla de la necesidad de sustituir el arte de lo que se ve por el arte de lo que se sabe. Es decir, no las cosas tal como aparecen ser, sus apariencias, sino las cosas tal como sabemos que son. 

HUNG HSIEN (1933) / FLOTAN COMO ÁNGELES DE HIELO

La china HSIEN es un cruce artístico y cultural que delata el gran sentido de creatividad entre lo religioso oriental y lo metafísico occidental.   

Los capilares de un cromatismo refinado y poético fluyen y se mueven en un espacio cósmico que sugiere otra existencia y otro rito místico.

Sus obras infunden serenidad y espíritu de contemplación, así como una reflexión plástica sobre el significado que entraña un hacer de hondas singladuras seráficas.  

 Los colores vivos e intensos generan una sensación de espacio.

JIN JEONG (1993) / SON DANZAS QUE NUNCA CESAN

La coreana JEONG, con la habilidad para extraer del color todo su ser y energía, nos brinda una obra que en su dinámica espacial es un sueño que no ha despertado.  

Las capas cromáticas, brillantes y expresivas, se entrelazan entre las formas para que su identidad y consistencia ofrezca una atmósfera de sensaciones líricas y sosegadas.

Su imaginario vislumbra horizontes que se atisban y prometen una densidad vital inusitada, una entrañas alimentadas con la sensibilidad que provocan y fraguan.

Se ha especualdo con que la pintura abstracta no está desprovista de contenido, sino que lo que hace es permitir la presentación de un contenido sin los límites de la representación en imágenes.

ZOE LONGFIELD (1924-2013) / HE SIDO ASÍ

Las mujeres artistas del expresionismo abstracto -muy pocas desafortunadamente- tenían otra práctica a la hora de traducir sus sensaciones, sentimientos e ideas dentro de ese marco.

La carga cromática no es tan virulenta como la de ellos, es más reposada, más al hilo de un pensamiento que plasma lo necesario en ese momento y lo deja fluir.   

Esta americana, LONGFIELD, incluso deja traslucir en la tela signos y apuntes figurativos que revela el diálogo que mantiene con cada obra. 

No me resisto a que en un mento dado mi comentario sea además de subjetivo, romántico y poético.

ANDREAS PAUL WEBER (1893-1980) / YO LO VEO ASÍ

El artista pone en su obra los sentimientos que quiere expulsar de su vida, todos aquellos deseos reprimidos que podrían conducirla a estados psicológicos que sí hallan su lugar en el arte.

El alemán WEBER si que ha expulsado y configurado en su obra la fantasmagoría de un mundo que de irreal se hace más que real y angustioso.  

En el contexto de la guerra mundial terrorífica que padecido, su imaginario es prueba evidente e incisiva de que a la humanidad también se la puede concebir así, sin omitir tal carga de elocuencia. 

Esta obra de arte se ha bañado el sábado para que el domingo, limpia, pueda mudarse y ocupar su espacio.

FRANKLIN CASSARO (1962) / SON PARA MÍ

Ya estamos acostumbrados a que el arte contemporáneo nos desconcierte y nos sitúe ante obras en que la incerteza de significados y visiones sea la telenovela de cada día.

En el caso del brasileño CARUSO es entretenerse en la manipulación de una determinada materia hasta la consecución de un objeto de juego que obedece a una estética imposible aunque bien almidonada. 

No obstante, sus piezas atraen, recaban nuestro humor, y desarman el clamor de un horror que debían escenificar, pero que ya hartas de él se han transformado en muñecos de compañía muy selectivos.     

En su día, se nos repitió por activa y por pasiva que el contenido era una condición necesaria para el arte.

AHMED NAWAR (1945) / NO DEJO DE IR MÁS ALLÁ

La obra del egipcio NAWAR, tras el impacto plástico y visual que nos plantea, nos induce a una reflexión sobre unas coordenadas geográficas y culturales que no imaginábamos.   

Una pintura que es un choque y síntesis de distintas influencias y saberes, de diferentes orígenes y desarrollos, de contextos y vivencias que le han ofrecido al artista un modo de crear propio. 

Tanto en medios como en lenguaje puebla el espacio de unas construcciones entre lo fantástico y lo real, entre lo mortal y lo inmortal, entre lo premeditado y lo surgido.

Decía Descartes que cualquier imagen es una falsificación de lo que realmente somos.