MICHAEL BURGES (1954) / NUNCA ME DIO POR TOCAR EL INFINITO

•  Quizás veamos huellas de un topografía polícroma que al flotar en ese espacio sean los signos celulares de una materia viva y luminosa. Esas huellas engendran la fluidez y la flexibilidad de un llanto cubierto por la esencia de una realidad abstracta. 

•  La plasticidad de esta propuesta del alemán BURGES está muy concentrada, es un quehacer intuitivo y dinámico, que perdería su función visual si el pensamiento se entrometiese, tal como afirmaba Cézanne, que si pensaba mientras pintaba ya no podía continuar haciéndolo.

•  Aunque parezca, tal y como versificaba Fray Luis de León, que todo lo visible es lloro, en esta obra, además de sollozo, hay un soplo de vida incontenible, un significante melodioso, una dimensión armoniosa.     

Y así, servimos la inspiración en la inocencia, más utópica aún por la falta de utopía.
 (María Zambrano) 

DAVID CHOE (1976) / ME QUEDO EN URGENCIAS

• Me interno en la parafernalia del muralista y grafitero americano CHOE y es como entrar en un infierno lleno de sorpresas. Su obra puede ser tanto de una visceralidad y crueldad que roza lo inconmensurable como de un humor e ingeniosidad fascinantes. 

•  No se le puede discutir sus capacidades y hallazgos en la concepción de un trabajo soportado sobre un color perfectamente ajustado al contenido y a una representación que goza de su propia forma de aparecer y atraer.

•  No puedo compartir ni dar la razón en este caso a Françoise Choay cuando argumenta que el ajuste de los objetos a las necesidades del consumos cultural -yo diría también popular- podrían equivaler a una destrucción cultural desde el punto de vista físico e intelectual.  Aquí el ajuste es propicio y hasta necesario.  

•  Estoy más de acuerdo con Henry Moore, que en su momento afirmó que para él una obra debe tener en primer lugar una vitalidad propia, con independencia del objeto que represente. La producción de este artista ya la ha adquirido, no cabe duda. 

El terror nos oculta, nos vuelve animales de selva.
(María Zambrano)

DOREEN GARNER (1986) / NINGUNA AMBIGUEDAD

•  En el programa del grupo Cobra se leía que el acto de creación tiene mucha más importancia que el objeto creado y éste gana en significación en la medida en que lleva en sí las huellas del trabajo que lo ha engendrado. 

•  Ese aspecto es el que puede ser tomado en cuenta a la hora de evaluar la capacidad visual de las obras de la norteamericana GARNER, aunque la conceptualización y escatología de sus resultados expresan el designio surreal y fatídico de una hibridación de sexo, carne, piel, muerte, lujo y despojo fatal.   

•  Es una estética de pesadilla, cuya tribulaciones de angustia, aversión y náusea se cree que han desaparecido y nada más incierto, pues el arte las retoma y concibe, si bien habrá sectores que lo califiquen de degradado, si bien con la identificación de contemporáneo es suficiente.   

Si la vida está regida por números, conocerlos es ya estar muerto.

(María Zambrano)

JILL MULLEADY (1980) / ME ENCUENTRO CON ELLOS TODOS LOS DÍAS

•  La uruguaya MULLEADY, en su obra, es como si buscara y expresara una turbiedad de su sueño más profundo. Colores que van hacia la sombra y que son más visibles dentro de ella, porque al fin y al cabo lo que representan no les permite opciones que se muevan más en la luz. 

•  Tales propuestas plásticas son fruto de lo onírico, de lo surrealista, de lo hermético, que se suma a una cosmogonía no explicativa, sino a la manifestación de un arcano depositado en la artista y que ella transfigura.

• Es una producción interesante que puede dar muchos frutos si paulatinamente se va concentrando e internándose en unas vivencias pictóricas más originales y propias, en las que desencadene un imaginario con mayor proyección.   

Las entrañas dejadas del corazón son un puro infierno.
(María Zambrano)

AGENORE FABBRI (1911-1998) / VENIR CONMIGO

•  Por una parte, hay una fuerte necesidad de salir de lo simétrico, de lo eurítmico, de hallar en lo inquieto, dinámico, informe y deforme el núcleo de un nuevo orden estético. Y por otra, trabajar con las suposiciones de una amenaza real del caos nuclear, de ahí el nombre del movimiento al que perteneció este escultor italiano.  

•  El horror es desde antiguo una categoría estética porque nace de la mano del hombre, él la ha creado como reacción y como un medio de expresión para simbolizar la experiencia del que la ha sufrido, es decir, de toda la humanidad.  

•  Pero es que además la ha interiorizado hasta llegar a soñarla, a representarla a lo largo de los siglos como una manifestación maldita mas inevitable. Por eso, las criaturas de FABBRI son fruto visivo y alegórico, signo y significado, presentimiento y visión de ese post-tiempo nuclear, de sus horribles consecuencias e incertidumbres. 

•  Si para el joven Goethe el artista es igual que Dios (eritis sicut Deus), esta iconografía vendría después, ya sería la era del espanto sin Dios, la de una vida subterránea, la de una realidad defecada en sí misma, la de un mundo devorador de luces y sin siquiera sombras. 

Pinta también tu luminosa sangre
Que contribuye a aproximar la aurora
Expresa los deseos que hay de paz
haz que proyecte la luz la poesía
(Agustín Millares)

TOM FRENCH (1982) / MALDITOS

•  No hay armonía ni una luz que nos depare la paz, lo que hay es un gran muro donde reina la simbología mortal, la exaltación de lo que nos empequeñece hasta quedar reducidos a una meras y mínimas presencias en las cuencas del cráneo. 

• Somos signos tachados o a punto de serlo, pero aún así esta brutalidad y despersonalización ofrece una vitalidad plástica que sin parsimonia, solamente con trazos y dibujos, ocupa todo el espacio de la visión y de la mente. 

• Decía Millares que hay pintores que comunican, denuncian, testimonian, porque trabajan desde la médula misma del cuerpo que les ha tocado vivir. Tal es el fin que se propone el británico FRENCH con ese toque callejero y salvaje que desata los demonios. 

La historia no nace de un hombre solo, tiene que tener una tradición, o algo que le atraiga, nace con una determinación, en una circunstancia.

(María Zambrano)

FRANCO GARELLI (1909-1973) / ALEJAROS

•  Según el italiano GARELLI la metáfora luminosa del cuerpo es siempre mentira, porque la condición humana es sólo unas tiras y pedazos de duro metal cortante, en punta, peligrosas, indeseables, belicosas en su entrelazamiento. No cabe en ellas piedad, únicamente víctimas.

•  Estas esculturas son como un compendio abierto de formas que esperan atrapar en sus huecos a los seres incautos, y que son fruto del quehacer de un acentuado subjetivismo que puede ser comprendido si no nos atenemos a fórmulas programáticas o determinadas psicologías. 

• Cabe situar su imaginario en una irreal edad del hierro, en un inventado hombre de hierro, en una ignota naturaleza de hierro, en una remota vida del hierro y en una ficticia era de consumación del hierro que todavía estar por terminar.  

Pupilas de acantilados dormidos

espejismos

con olor a MAR

(Tomy Martínez)