ALEXIS ROCKMAN (1962) / QUE ESTÉN EN MI TUMBA

•  Mientras haya artistas como el norteamericano ROCKMAN la pintura no puede desaparecer, porque en este caso ella lo compendia todo, el concepto, el mural, la instalación, el collage y hasta lo videográfico. 

•  Su temática trasciende lo meramente ilustrativo para significarnos que el arte no debe estar detrás de la sociedad ni al lado, debe estar adelante pero solo un paso o más si la visión plástica tiene la capacidad de adentrarse en la premonición y el presagio.  

•  Su depurada experiencia artística tiene el don imaginativo, el conocimiento global, el sentido de la interdependencia dialéctica entre el fin y los medios y las reflexión visualizada que nos incita a pensar.  

Desear es llevar

el destino del mar dentro del cuerpo.

(Aurora Luque) 

LIU WEI(1972) / NO ES UNA CUESTIÓN DE DIMENSIONES

•  Estas recreaciones constructivas y arquitectónicas del chino WEI no nos invitan a contemplar una interpretación en miniatura de lo conocido, de lo ya edificado, sino a traspasar visualmente el conocimiento tipificado para llegar a una creación singular nueva. 

•  Con un material como es el de los huesos edifica con la impronta de una idea que se va haciendo más plástica a medida que establece de forma artesanal los cimientos para levantar esos espejismos en los que nos gustaría habitar y percibirnos históricamente. 

•  No es tan importante la definición de épocas, estilos, lugares, etc., como esa visión que desprenden como artificios, ingenios y pericias; como sueños, quimeras y artimañas; como arte, astucias y destrezas. Como tiempos y espacios que tienen horror al vacío que presumiblemente les espera. 

Voluntad de color,
color querer,
antojarse color, color saberlo.
(Carlos Marzal)

ALBERTO REGUERA (1961) / CASI DIRÍAMOS QUE UN PANTEÍSMO PLÁSTICO

• La nueva obra del español ALBERTO REGUERA estará en la Serena Morton Gallery de Londres a partir del 15 de septiembre de este año. Con ese motivo desgrano una serie de reflexiones suyas y mías que están en perfecta connivencia. 

• En primer lugar, que haya culminado magistralmente la asignatura que para Juan Carlos Román, es la más compleja, cual es la educación, desde el inicio, de la mirada. Con ella adquiere esa sabiduría creativa que ahora nos depara un suceso tras otro.

• En segundo lugar, que, al igual que sostenía Merleau-Ponty, tenga una gran fe en un porvenir abierto e inesperado, con lo que seguirá enriqueciendo su trabajo sobre la base de conjeturas metódicas y no sobre un saber absoluto.    

• En tercer lugar, según él me confiesa, que su motivación es la configuración de los espacios expositivos, ellos le dan la idea acerca de como un imaginario plástico encuentra la cita con su destino final, el que suscita e implica un complejo de relaciones con ese hombre que va a contemplarlo, a participar de él y compartirlo.

• Así es como su obra, en todas sus dimensiones, llega a ser una luz simbólica que aguarda ese pathos que la proyecte universalmente, además de transmitir siempre el propio espíritu del artista, sus predilecciones, sus gustos, y, por tanto, sus emociones.

• Por otro lado, ALBERTO es muy cuidadoso en la planificación y el proceso de realización, por eso, me cuenta, ha tomado en consideración las líneas del horizonte, las formas elípticas y circulares, las texturas apropiadas, la visualización de universos cósmicos, interestelares, astros irreales, sensaciones afines y ese carácter expansivo que lo invade y lo inflama todo.

• Si, finalmente, atendemos a lo que manifestaba Hockney, respecto a que no es necesario creer en lo que dice el artista, sino en lo que hace, entonces es cuando la obra, en su conjunto, nos parece una revelación sin parangón, un lenguaje sin límites que nos permite ir asistiendo a una fantasía que se va incubando, merced a su magnetismo, en nuestro ideario y en la magia que puede acontecer en nuestro destino.

• Si están en Londres, en fechas de septiembre u octubre, acérquense a esa galería y podrán mirarlo, vivirlo y grabarlo en su memoria como experiencia que continuará sumando.            

ISABELLE ALFORD-LAGO (1987) / QUIERO SER COMO ELLOS

•  La belleza de esta simplicidad en sus propiedades pictóricas ejerce una atracción que desborda lo psicoanalítico entre comillas, que nos lleva a merodear por otras semblanzas físicas y espirituales, y aún más allá. 

•  Nos miran de forma acusadora porque no nos damos, como animales de otra categoría, la oportunidad de reflejarnos en ellos y reflexionar, tan serios como son, tan algodonosos, tan suaves de piel como duros de rostro.  

•  Hacen lo mismo que nosotros, igual, y acabarán rebelándose a su creadora, la norteamericana ALFORD-LAGO, a la que un día le dirán que ya nos les hace falta porque están hartos de la ternura que les proporciona, básicamente porque ya no la necesitan. 

•  El dolor es un paisaje que súbitamente cambia, se transforma, llueve.
• (Pilar González España)

KARL HYDE (1957) / UNA GEOGRAFÍA SENTIMIENTAL

•  Después de estar concentrado en la música, me hago otras interrogaciones y pesquisas, busco dentro y me asomo fuera. La creatividad tiene que ser constante y estar plagada de multiplicidades.

•  Para el inglés HYDE hay muchas formas que expresar, tantas como sentimientos y emociones, tantas como situaciones por las que discurre el ego sintiendo la angustia de vivir y sufrir. Al vomitarlas les da sangre y piel pigmentada.   

•  Su caleidoscopio no tiene fin, y los negros, rojos y blancos que plasma sin catecismo, son obligados a conjurar un testimonio final que no debería haber, y a hacerlo en un yo que existe dentro del trazo ansioso, imparable, enérgico, impetuoso y vertiginoso.   

PEDRO CORONEL (1928-1985) / EL FUEGO DEL ALTAR ME HA ABANDONADO

• El mexicano Pedro CORONEL -para que no haya confusión con el otro- fue un artista que creyó que sus orígenes ancestrales daban para una obra vigente si se sabían retomar con un sentido creativo y renovador.  

•  Y así fue, estaba seguro de que su mirada había asimilado lo más definitivo de ese tiempo en el que México constituyó el mito de sí mismo, y se puso a configurar las claves sobre su naturaleza y estética, reinventando su esencia hasta ser única y excepcional.

•  Toda su amalgama de líneas, planos, colores, espacios y representación en sus obras adquiere una dimensión gozosa a descubrir, una experiencia de participación y contemplación en toda su grandiosidad y poesía.

•  Quizás el principio del que partía estaba inscrito en la frase de Zygmunt Bauman:
• "La mortalidad es nuestra sin haberla pedido, pero la inmortalidad es algo que tenemos que construir nosotros mismos".

BERNARD RÉQUICHOT (1929-1961) / UNA OBRA QUE RINDE HOMENAJE A LA MUERTE

•  Tenía treinta y dos años cuando se tiró por una ventana cuarenta y ocho horas antes de su próxima inauguración. Así es seguirá siendo un  enigma la historia de este artista francés, que empezaba entonces a gozar de una gran proyección. 

•  Un talento extraordinario para sintetizar un cosmos visual denso, fragmentado, un collage que conjuga una simbolización de un sueño irrealizable y la magia de una cadencia luminosa.  

•  Quizás es esa precocidad latente la que impulsa un creador como éste a meterse permanentemente en un subterráneo a procurarse más ciencia de lo ignoto e impenetrable que en su existencia biológica no encuentra. La ambición extrema de la obra total.