ANNE Y PATRICK POIRIER (1941 Y 1942) / MAQUETAS QUE BUSCAN LA DIMENSIÓN DEL TIEMPO

• ¿Por qué Vasili Grossman escribiría en una de sus novelas que el arte conceptual se interpone entre el hombre y el mundo actual cual pesado, áspero e insalvable enrejado de hierro fundido?
  
  
  
  
  • Mas lo insólito a señalar es que la noción de concept art debida a Henry Flint data de 1961, unos años después de la redacción de este texto.
    
    
    
    
    
    • Sin embargo, los franceses POIRIER se han embarcado en la aventura de la construcción de estas obras como una alternativa de ocupación plástica del hábitat , referencia física, trasladable, palpable de la dimensión humana del estar, habitar, crear, vivir.
      
      
      
      
      
      • Son glosas perfectas, con atributos de señales a seguir, itinerarios, encuentros, lugares, tiempos. Transcursos y presencias que todavía están en pie, erectos, descubridores de dominios, posiciones y términos, de la percepción de caminos que jalonan historias y advientos.
    
    
    
    
    
    • Para ellos no hay mudez de desiertos, sino ansias de levantamientos en pequeño, armonías que no equivocan más rumbos que los necesarios, aquellos que no despiertan y no están abstraídos en ese mundo.
    
    
    
    
    
    • Y los que venimos del sur, del más abajo desde la pequeña isla
    
    
    • donde hombres como Martí, Guillén, etc... supieron plasmar el
    
    
    • universo infinito del sur.
    
    
    • (Felipe Alarcón Echenique).
    
    
    
    
    
    
    
    
    
    

UISO ALEMANY (1941) / YO SOY EL GESTO

• La caligrafía, el gesto, la mancha, la pintura no han muerto a pesar de haber recibido la extremaunción. Lo refrenda la obra de este valenciano, ALEMANY, que encuentra en la superficie modos de perpetuar la vida, de que en el arte haya una visión totalizadora del hombre en un momento dado. No hay arte del pasado: todo arte vive en el presente (Luis Cardoza y Aragón).
  
  
  
  
  • Y no importa que la vivencia de la obra de arte, al igual que su creación, sea un producto opuesto a la comunicación tal como se entiende hoy día (Schapiro).
    
    
    
    
    
    • De una u otra forma la hay, pues como en el caso de estas proyecciones, su conformación se articula como la culminación intrínseca de unos espacios que exudan ecos, galimatías, enigmas y proposiciones.
      
      
      
      
      
      • 
        Para que el lenguaje adquiera su fisonomía propia, los trazos han de inspirar un movimiento emocional que codifique la mirada como un sistema abierto de signos de lectura en el tiempo, del yo inserto en él, de coordenadas secretas para contemplarlo y no olvidarlo.
      
      
      
      
      
      
      • La riqueza hermética de ámbitos que incluyen la fuerza de la expresión queda así grabada y gesticulada en la visión, que ya ha dejado de conformarse de ver objetos con linterna.
      
      
      
      
      
      • Escuchemos a Picasso:
      
      
      • "Desde niño dibujaba como Miguel Angel, pero me ha costado toda una vida dibujar como un niño".
      
      
      
      
      
      
      
      
      
      
      
      
      
      

RAQUIB SHAW (1974) / NO ME SUELO CRUZAR CON NADIE SIN UN TOLDO ENCIMA

• Si hay un aserto que me coarte y limite es éste de Jean Guichard-Meili:


• "No podemos fijar la obra de arte en una espesa de nube de frases e ideas, brumas de palabras cuyos estratos superiores están formados por desarrollos filosóficos y los inferiores por reflexiones estúpidas. No se trata de comprender sino de mirar. Nuestra mirada, para ver, para llegar a una comunión con la visión del artista, debe, en su seguimiento, actuar visionariamente".
  


• Y ahora, al comentar la pintura de coches, purpurina, dorada o pedrería de imitación del indio SHAW, puedo emprender dos opciones. Circunscribirme a sus propias palabras: "yo bailo con mis cuadros y bailo al son de una música que nace de la locura del corazón".
  
  
  
  
  
  • O constatar que lo que le da a la obra su valor es que tenga su justo peso, su propia vida. Y ésta, a través de esa misteriosa y rozagante fauna, la tiene. La tiene como una hoguera siempre despegando del apagamiento, confiando en la inmortalidad de lo que nunca será un cese o un acabamiento mientras haya una celebración, un éxtasis que plasmar.
    
    
    
    
    
    • Ya desde Oriente u Occidente hemos de entender la estética como una condena sin plazo fijo, la sentencia de una mirada que viene después del veo luego existo. Pues ese castigo se forma a través de una sucesión de momentos de penetrar sintiendo una visión en el espacio. Lo que propone este artista ni anula lo sagrado ni diviniza lo profano, exalta el valor prestidigitador de lo plástico, el ilusionismo puro y duro de acordes asiáticos hibridados rebosando el estigma más virgen de nuestro imaginario.
      
      
      
      
      
      • Habrá todavía un eco en la tierra, cuando el pie
      
      
      • yazca inerte y, la voz, muda.
      
      
      • (Charles Hamilton Sorley)
        
        
        
        
        
        
        
        
        
      
      

GHADA AMER (1963) / LOS HILOS DEL NILO

• ¿Filamentos o alambres? ¿Fibras o cables que construyen redes? ¿O son cárceles? ¿Hebras del Nilo quizá que son la lluvia que destiñe la libertad de esas siluetas?
  
  
  
  
  • En la obra de la egipcia AMER se puede descubrir el curso de unas tramas polícromas que jalonan oscuros y claros laberintos. Constituyen mallas que lo mismo que atrapan, suscitan formas y modos de resolver tal situación plástica.
    
    
    
    
    
    • No agota el tejido de las sensaciones, la fluorescencia de unas construcciones que tienen raíces en su pasado y en su historia. Rehace continuamente el marco donde desarrollar tales intuiciones y el trasfondo de sus certezas.
      
      
      
      
      
      • Surge sin dejar de mirar hacia dentro, reviviéndolo en su acto de plasmarlo con los hilos constantemente enredándose y cayendo.
    
    
    
    
    
    • Donde persigo lo sólido de tu postura,
    
    
    • limpieza de tu cuerpo oro,
    
    
    • azahar de sonetos blancos en templadas siembras,
    
    
    • se trasluce la luz de tu mirada,
    
    
    • párpados latiendo como reloj desvelando nos llama,
    
    
    • cambié el sentido a pesar mío, estuche de recuerdo,
    
    
    • tu vida dejó un saludo,
    
    
    • tu soñar dio vida,
    
    
    • tus calles por donde caminabas eran muy grandes
    
    
    • y sentencia dejaron en mí con sonidos de guitarra,
    
    
    • terminé en fantasía.
    
    
    
    
    
    • Así empieza una partida y así muere un principio.
    
    
    • (José Álvarez Vélez).
    
    
    
    
    
    
    
    
    
    

ANTONIO RECALCATI (1938) / SÉ QUE LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO

• Dice Jean Baudrillard que hay una gran dificultad para hablar de la pintura de hoy porque hay una gran dificultad para verla. Porque la mayoría de las veces ya no quiere ser exactamente mirada, sino visualmente absorbida y circular sin dejar rastros.
  
  
  
  
  • Pues tal fenómeno no me pasa con la obra del italiano RECALCATI, que se debate entre esos cuerpos que son emociones vibrantes de soledad, de dudas en ambientes fríos, helados, con vientos que les señalan como personajes frágiles, efímeros, que se corroen con la sustancia coloreada -pálida pulsión del pop- de su propia ficción. Y esos espacios que describen metafísicas incontinentes, abiertos a los escalpelos del alba. O ese cuadrado anónimo que inscribe los rostros de otros anónimos que ya se encuentran dialogando bajo otros cielos.
    
    
    
    
    
    • 
      Es una pintura que guarda las distancias, que tiene en su aparato conceptual la visión lumínica de un hoy multiplicado en distintos escenarios, pero se queda en la opción más difícil de negar lo que nos parece que tiene de ya suscrito y visto, mayoritariamente visto y suscrito.
      
      
      
      
      
      • Quisiera escapar de las líneas de mi mano
      
      
      • río arriba, desafiando el vértigo
      
      
      • como un arcángel, sin estómago
      
      
      • para no vomitar el universo.
      
      
      • (Manuel San Martin Palacios).
        
        
        
        
        
        
        
      
      

AGOSTINO BONALUMI (1935) / EL QUE NO QUIERA VER QUE SE QUEDE CIEGO

• Es un hecho que las prácticas artísticas y culturales están hoy estrechamente ligadas al desarrollo tecnológico, al de los medios de comunicación y de información.
  
  
  
  
  • Pero Marc Fumaroli lo plantea desde otra convicción: "en su lugar han aparecido y proliferado un arte contemporáneo y unas artes plásticas totalmente serviles a la imagen tecnológica, a la publicidad y al comercio de lujo".
    
    
    
    
    
    • Entonces, la obra del italiano BONALUMI, la que enmarcan dentro de este contexto como una experiencia táctil y de abstracción sensorial, me remite a Pascal con aquello de que "me aterra el silencio eterno de los espacios infinitos".
      
      
      
      
      
      • Silencios monocromáticos de unas superficies cinceladas que contienen un sino, que es el de exhibir la condición de su manifestación como un retablo ausente al que únicamente le queda la piel.
      
      
      
      
      
      • No obstante, la lujuria está presente, la austeridad de la opulencia también, y si se colocasen estas obras en un altar de ceremonias tendría lugar la fastuosidad de un reencuentro con la visualización soltera y harta de tanto acontecimiento narrado.
      
      
      
      
      
      • Se acabó el relato, solamente hay tiempo para que un plano no nos deje más que una historia palpable de sí mismo.
      
      
      
      
      
      • El azul que está en el aire, con cruz de relámpagos,
      
      
      • chispa en los seres y animal en la supervivencia
      
      
      • mañana, otra persecución a lo inanimado del dibujo real
      
      
      • que lo sustenta.
        
      
      
      • Así pasan sopletes en tornados de vida,
      
      
      • martillos pilones en heridas abiertas,
      
      
      • me canso que me toque la enfermedad,
      
      
      • es la vida.
      
      
      • (José Álvarez Vélez).
        
        
        
        
        
        
      
      

OSVALDO LICINI (1894-1958) / SE PUEDE SEGUIR PINTANDO HASTA DESPUÉS DE MORIR

• El artista, a partir de su experiencia personal y plástica, ha de ser capaz de dispersarse en todo lo que conoce, ser todo lo que puede sentir. Y sentirlo todo. Entonces su experiencia es universal e intemporal (La Camama).
  
  
  
  
  • Ejemplo de ello es el italiano LICINI, vitalidad concentrada en un sueño etéreo, animado, de cielos abiertos azules, negros, rojos, de ámbito oníricos en los que nuestras sombras blancas flotan y nos esperan.
    
    
    
    
    
    • Sobre ese misterio que nunca agoniza, su pintura es una bahía que sirve de refugio para que esas cromáticas conjugaciones maquinen esplendores, mapas cósmicos, y unos pobladores de movimientos fugaces que dejan estelas que les proporcionen el regreso por nuevos caminos.
      
      
      
      
      
      • Es un poema exultante esa sencillez desnuda, ese sentido de acentuar lo mágico sin apenas señalar el objeto y su cúmulo, lo pluriforme y su hacinamiento, el vertido y su configuración espacial.
        
        
        
        
        
        • Por eso es un canto de amor a la confluencia de tesituras artísticas que hacen de la cualidad estética actual su fundamento, su razón de concebir y realizar, su parangón universal.
        
        
        
        
        
        • Donde parten las palabras caben los sentidos,
        
        
        • rompiste el vértigo al ser madre por placer
        
        
        • donde el amor se siente, hay en el océano de tus ojos
        
        
        • una herida cálida, sombras con párpados cerrados,
        
        
        • ventanas pintadas, labios rojos y ceniza en la barbilla.
        
        
        • (José Álvarez Vélez).