OSCAR MÉNDEZ LOBO

• No sé la razón de que me haya venido a la mente esta frase de Cézanne ante la visión de la obra del artista español Méndez Lobo, pero lo que sí es cierto es que como espectador me veo reflejado en esas formaciones abstractas que sin médula humana alguna logran una plena asimilación epidérmica.
  
  • En sus espacios, las contemplaciones van al hilo de las excitaciones, fruto de esas explosiones plásticas que se depositan en la superficie para que el impacto sea súbito, total y somático.
    
    
    • El orden subyacente a través de gruesas barras horizontales, verticales y diagonales intentan contener el estallido cromático, estratificarlo y sostenerlo en una operación cuyos cimientos alcen promontorios culminados en bóvedas y cielos inundados de la luz color múltiple que a través nuestro el pintor genera, intuyendo las sensaciones de las miradas que elevamos en su búsqueda.
  
  
  • Un trabajo que debemos de despojar de artificios retóricos y de encrucijadas abstrusas, sólo hemos de entenderlo como una génesis en un proceso inabarcable de definición.
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    Hoy El Malecón amanece con una joroba que, nosotros, mi amigo Humberto y yo, aprovechamos para sentarnos en ella. Él me dice que en esta isla la luz no puede ser uniforme, ni gradual, ni lógica y racional; ha de ser informe, caótica, irracional y ebria. Pues impregna la atmósfera de tu pintura con ella, le respondo.
    
    
  
  

LUIS CLARAMUNT (1951-2000)

• Lo especial e intrínseco de un artista es que quiere ver e ir más allá de sí mismo, que el oficio de su tarea se le manifieste con toda la luz que sea posible en la oscuridad que le rodea.
  
  • El pintor español Luis Claramunt hizo del quehacer de la vida un continuo errar trasmitiendo las huellas de sus obras para que cuando estuviese más allá -si es que llegaba-fuesen la brújula que pudiera localizarle cuando estuviese perdido.
    
    
    • Por eso, encontramos en ellas la consagración de un esfuerzo por ser él mismo y el otro a la vez, por reflejarse concienzudamente en unas formas que al final son las que le retratan en un desvarío creativo que clarifica la sustancia de una pintura cuyo acento es la introspección, aquella que llegue a permitir al espectador compenetrarse con esa exhalación del existir y con la magia de ser al mismo tiempo el forjador de una trayectoria que postula una libertad y creatividad salvajes y dolorosas.
      
      
      
      • Y que además no necesita ni adscripciones ni etiquetas, sino las seguridades demostrables de un sello implacable.
      
      
      • Al acercarnos a nuestra esquina, El Malecón nos exige la práctica de las tres lealtades y cuatros amores sin límites, obligándonos a interpretar la danza de la fidelidad bajo penas de expulsión y excomunión si nos negábamos. Y si Él acepta el canto es en virtud de su valor adulador, rechazando los instrumentos musicales porque tienen forma corporal y entretienen en exceso a la mente, a la que inducen al placer sexual. ¡Coño, ya ni Camilo entiende nada! ¿Y si nos quitan el ron?
        
        
        
        
      
      

BARRY FLANAGAN (1941)

Si el creador estuviese obligado a expresivizarse en la misma obra de arte, si se forzase a materializarse en ella, hubiera hecho lo que el artista galés Barry Flanagan eligiendo un alter ego capaz de conjugar lo íntimo con lo ajeno.

Sus liebres monumentales recalan en nuestro objetivo visual, lo atraviesan y se sustancian en nuestro yo, concentrando nuestro sentido fenomenológico en un animal humano que piensa, juega, corre, danza, escapa y desde sus distintos promontorios nos contempla con humor y hasta con sarcasmo.

Si se invive aquello que se crea, la justificación plástica y escultórica ya están dadas y concedidas si estamos abiertos a compartirlas, pues si no estaríamos expuestos a ese horror al vacío cuando nos falta esa perspectiva estética que añade realidad y trascendencia a la vida.

Al encontrarme con mi amigo Humberto en nuestra esquina ya a punto del ocaso, le murmuro que El Malecón se ha dirigido a mí para espetarme que va a tener que matar al pollo para asustar al mono. Él, entusiasmado, me dice: pues entonces podremos comérnoslo. Tan idos estamos que hasta las metáforas podríamos devorar.

ALBERTO REGUERA (1961)

• La representación de una cosa sólo es posible conocerla averiguando sus límites, mas el artista Alberto Reguera ha tenido la intuición vivencial de unas esencias que superan y desbordan esas demarcaciones, con lo que la representación deja paso a la formulación pura de una concepción pictórica de lo inabarcable.
  
  • Exento de tabúes, ha transmutado el color en el ser que se ha hecho dueño de su destino, se ha invivido con él y lo ha expresivizado sin ponerle cortapisas ni confines, con vistas a que entonces la diafanidad cromática explaye su lenguaje, extienda sus alas y ensanche y alargue espacios.
    
    
    • Una obra que además del abrigo lumínico y vivificador que nos proporciona, extrae por medio de su experiencia plástica que hasta el pensamiento de la misma y sobre la misma sea una necesidad: la de compartir, nosotros los espectadores, la intuición de esa expresión directa y total con la convicción de que está pensada para esa aventura.
      
      
      
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        Diríamos, finalmente, parafraseando a Isócrates, que el pintor ha actuado con el sentido que distingue al hombre sabio: hacer la elección acertada.
    
    
    • Títulos reproducciones:
    
    
    • 1ª. Shadows of the wind.
    • 2ª. Sin título.
    • 3ª. Pintura en expansión.
    • 4ª. Fumèes en fuite.
    
    
    Gregorio Vigil-Ecalera Alonso
    
    
    
    
    

ÁLVAREZ VÉLEZ

• Florenski decía que es posible representar un espacio sobre una superficie pero sólo destruyendo la forma de lo representado. A Malevich le oigo todavía proclamar que se había transfigurado en el cero de las formas y se había ido, más allá del cero, hacia la creación, allí donde, en los cuadros, aparece la forma que no toma nada de lo que ha sido creado en la naturaleza, sino que emana de las masas pictóricas.
  
  • Kandinsky reconocía que los objetos empezaron a disolverse gradualmente en sus cuadros, con lo que se afianzaban los valores estrictamente plásticos. Y ya Monet confesaba que su obsesión de todo el día era el color, su gozo y su tormento. Y en este sentido se manifestaba Merleau-Ponty cuando manifestaba que la pintura nunca celebra otro enigma que el de la visibilidad.
    
    
    • Mi amigo y artista vasco Álvarez Vélez no sabe celebrar otra cosa, la pintura es la conciencia y él es el intermediario, ella surge gracias a él, que se somete a su conjuro y desvarío. Y si él le ofrece una pasión sin reserva, ella le deniega estimas, pues sólo sabe de devociones y éstas han de ser desinteresadas.
    
    
    • Y mi amigo Humberto sigue rematando pinturas con unas representaciones que no reconoce después. El Malecón se acerca por detrás y le susurra que más vale que sepa quienes son, si no quiere caer en la desesperación de un subterráneo ciego. Allí todo el mundo tiene que estar fichado, no quiere sorpresas ni de amor ni de muerte.
      
      
      
    
    

JUAN GENOVÉS CANDEL

De ese conjunto que forman los seres inteligentes con el medio en que viven, el artista español nos hace el tránsito del plano conceptual al plano de las vivencias.

Son estas últimas las que configuran la inmanencia plástica hasta alcanzar a vivir su esencia en toda la expresión de que somos capaces de asumir.

• Una humanidad diminuta y desamparada, sola o agrupada, se percibe en un constante movimiento que plasma la zozobra de que son víctimas por los poderes que las amenazan. Para lo cual su concepción se formula abriendo unas superficies y unos horizontes y perspectivas con una coloración febril que contamina el escenario de un aliento desesperado y agónico que se erige en portador de un origen siempre invisible mas conocido y letal.

• Obra en la que se contempla un género humano derrotado y en permanente huida de unas sombras que no terminan de alargarse jamás.
  
  El Malecón se dirigió a mi amigo Humberto y a mí y nos dijo que pensaba protagonizar una comedia dionisíaca, y como en tiempos de Aristófanes los actores llevaban siempre colgado de sus ropajes un ingente falo, nos instaba a moldearle uno de más de un metro. Nos quedamos callados y después de un rato comenzamos a tallar uno que cuando se balancease pronunciase: mucho son para tan poca canción.
  

HERMANN NITSCH (1938)

• Nuestro propio cuerpo se hace el soporte material de la obra porque la significación y el valor de su sentido no radica en lo que se ve sino en lo que le hacen o se hace uno a sí mismo.
  
  • Violencia, sexualidad, exhibicionismo, resistencia corporal ya no necesitan otra base que no sea su mismo organismo o masa, de lo que se deduce que son alternativas plásticas y visuales que se presentan y escenifican ante el espectador para que éste contemple su sublimación u otras dimensiones cuyas connotaciones se integran en la representación. ¿Ésa es la cuestión planteada y como tal tiene como presupuesto una provocación o reflexión o ambas a la vez?, ¿Es un fenómeno que nos concierne de forma introspectiva o un impacto emocional que defiende una estética hasta sus últimas consecuencias?
    
    
    • Quizás, por último, de lo que se trate es de que estos interrogantes formen parte del núcleo de la obra y por sí mismos coadyuven a su configuración, lo que no obsta para que esta especie de happenings o perfomances sean de dudosa factura artística.
    
    
    • Hoy ha corrido la sangre de un gallo por el Malecón. Mi amigo Humberto y yo probamos su sabor mezclada con sal marina. No adquirimos vigor pero sí una audición de voces y aullidos venidos desde lejos. Ya están lo de allá con ganas de bendecirnos, nos dijimos, apurando el último ron.