NICOLAS CARONE (1917-2010) / YO PINTO. SI SOY PURO ES OTRA COSA

• Hay un afán en todo arte por alcanzar la absoluta pereza, dice Hans Sedlmayr, por liberarse de los elementos de las demás artes. Y añade que la pintura abstracta es la pintura absolutamente -¡Vaya con lo absoluto!- pura, es decir, la pintura depurada de todo sus componentes de todas las demás artes.  

• Y ahí está Lucio Fontana, en defensa del signo abstracto de su obra, que manifiesta que el materialismo establecido en todas las conciencias exige un arte alejado de la representación. Es obvio, a la vista de ello, que se pueden desvalorizar todos los estilos venidos de una u otra parte. Y también lo contrario. 

• El norteamericano CORONA ha buscado, se nota mucho, y ha convertido su taller en un laboratorio -que es lo que es ahora- y ha pintado experimentando y fabricando, hasta llegar a esa deconstrucción total en que las líneas y las manchas trazan signos sin importar el significado. 

•  Signos que preceden a la significación y que tratan de significarse a sí mismos, aunque si le damos más calado a la superficie en que se manifiestan, observamos una psicología del gesto y la fuerza del propio sino del autor.  

Ahogas sin saberlo
y serán las manos muertas
las que estrangulen 
tu alma de desierto.

(Tomy Martínez) 

ALFRED PELLAN (1906-1988) / EL RESUMEN DE UNA VIDA

•  Siempre me han concernido estas palabras del artista italiano Bruno Munari respecto a la creación artística: "El propósito del artista es comunicar a los demás hombres (y mujeres) un mensaje poético, expresado con formas, colores, a dos o más dimensiones, con movimiento; sin preocuparse a priori si lo que saldrá será pintura, escultura, o incluso otra cosa, con tal de que contenga ese mensaje y con tal de que ese mensaje hable y se haga comprender también al menos por un mínimo de personas". 

•  El canadiense PELLAN lo reúne todo en su obra, ya sean signos, formas, figuras, colores, relieves, significados, estilo y júbilo de la propia creación en sí. Lo fantástico y lo real asumen su protagonismo y se explayan en un mismo ámbito espacial. 

•  Se dice que actualmente se reclaman obras desenfadadas, fantasiosas, despreocupadas, híbridas. Lo que podríamos considerar como una coexistencia pacífica de estilos. No es el caso de este autor, porque este artista alcanza una dimensión configurativa que va mucho más allá. 

El hombre es cita de elementos, y la vida un préstamos que hay que devolver de buen grado cuando llegue al momento, decía Séneca con tanta elegancia.
(María Zambrano)

JUAN OLIVARES (1973) / NO OS SOLTÉIS

•  En el valenciano OLIVARES la significación estética incentiva las percepciones más ópticas, las engulle entre esas ondas que conforman un aleteo, un movimiento y un dinamismo donde el color ha tomado una posición determinante a la hora de intercalar sus agudas resonancias.  

•  Como escribió Merleau-Ponty, "la pintura despierta, lleva a su máxima potencia el delirio que es la visión misma, ya que ver es tener distancia, y la pintura extiende esta extraña posesión a todos los aspectos del ser". En estas obras la vieja distinción entre contenido y forma no tiene sentido, pues en ella la propia forma es contenido y el contenido está dentro de la forma. 

El que sabe escuchar hace de conciencia del otro y, así, sobreviene a veces un silencio: el silencio del que habla con su conciencia o ante ella.

(María Zambrano)

RENATO COSTA (1974) / EL TESTIMONIO VISUAL ES MI TUTELA

•  Estamos ante una obra, la del brasileño COSTA, que debe mucho a la espontaneidad, pues en la creación artística la espontaneidad responde a un empuje instintivo previo a toda reflexión. Ahí es cuando comienza a revelar, a través del medio plástico, los elementos del imaginario personal o colectivo acumulados en ese hecho visible que es la obra.  

•  El dibujo y ese alumbramiento líquido, que es un cromatismo sensiblemente expresivo, pero casi indomable, nos enmarca una visión en que la naturaleza humana está sometida a su propia y cruel condición, que busca otros espacios y otros ámbitos aunque su esperanza está muerta y su habitabilidad destruida. Lo que significa que esa realidad nos concierne a pesar de que sintamos la añagaza que de que se encuentra plasmada afuera y nunca nos abordará dentro.  

 El hablar a quien nos escucha nos descubre, sin que él nos diga nada, el grado de verdad y, sobre todo, el grado de convicción de lo que decimos.
(María Zambrano)

CHEN YU (1965) / ¿NO TENEMOS IDENTIDAD?

•  Es verdad que algunas veces el espectador llevará la obra de arte más allá de la intención original del artista, pero será un fenómeno que frecuentemente desemboque en que él también se adhiera a esa interpretación. Tal podría ser mi caso si esta iconografía lo utilizo como un reverso de la revolución cultural china.

•  Sin embargo, el chino YU, autor de estas magníficas obras de un perfil reflexivo y perceptivo, aspectos indivisiblemente interrelacionados (Rudolf Arnheim), expresa ese mínimo de identidad -labios cerrados, un ojo abierto, et.- ante la homogeneización ideológica reciente de la colectividad de su país, que supuso tal acontecimiento. Por tanto, utiliza la técnica cartelista para transmitir ese mensaje que ha formado parte de su biografía.   

 Cuando los humanos obedecen o piden obedecer, tienden a hacerse mudos, como las criaturas de la naturaleza.
(María Zambrano)

MÒNICA SUBIDÉ (1974) / SÓLO QUIERO CARNE

•  El soporte es la piel donde se corporeiza toda imagen. En la obra de la catalana SUBIDÉ es la piel la que hace de soporte de la carne, la cual a su vez se hace imagen perturbadora. Lucian para esta artista es un referente, pero cada obra de arte contiene un determinado modo de ver, sólo es cuestión de encontrarlo.   

•  Si pensamiento y significado nacen solo con el acto de pintar, en esta producción el pensamiento guarda terribles secretos y el significado se contorsiona con esas carnes y rostros angustiados y empastados con el fin de que esa saturación sea una expresión de mayor crueldad. Bajo esta plasmación se da como cierto el que las formas y estilos pueden agudizar nuestra percepción de la sociedad.   

 Pues vivir exige y es una larga paciencia, un hacerse con el tiempo, experiencia, parto de la historia.
(María Zambrano)

HANS HENDRIK GRIMMLING (1947) / NO SÉ CÓMO ENVOLVER MI FETO

•  Hace falta considerar la obra por sí misma -método formal- y en su contexto histórico-social -método crítico (contextual)-. Con ello, es de suponer que encontraríamos varias claves en cuanto a la comprensión de la misma, sin que ello signifique que una interpretación sea la única aceptable, pues son múltiples las que se suscitan, las que pueden ser correctas y no contradictorias. Lo cierto es para ser válida tiene que estar trabajada y argumentada. 

•  Bien es verdad que el misterio de la pintura radica en ampliar el mundo, engendrar formas que amplíen nuestro conocimiento y nuestra sensibilidad. Y como en caso del alemán GRIMMLING casi podríamos decir que es premonitoria y alucinatoria, ya que se percibe una fusión total.

•  La preponderancia de las grandes formas, del color negro, de las líneas encerrando los cuerpos, tratando de no salir al peligro exterior, a la violencia, a la crueldad, a la vorágine del aniquilamiento y la tortura, enmarcan una fantasmagoría indómita. Alegorías sobre territorios y sociedades que han sido víctimas de la monstruosidad.       

 Quien se mira, aunque se objetive, lo hace él mismo, así que se adentra en sí.
(María Zambrano)