JOSÉ LUIS ÁLVAREZ VÉLEZ / NO QUIERO DEJAR DE SER

• Se trata de no cejar, de continuar, de no darse por vencido. Y en esa tesitura mi amigo JOSÉ LUIS ÁLVAREZ, alavés, es una prueba contra la fragilidad dada la presente situación de salidas cerradas. Él sigue esculpiendo, diseñando, pintando, buscando secretos visuales que añadir a la vida.
  
  
  
  
  
• Me envía estas nuevas obras en las que las texturas, el color-pigmento y los relieves revisten una densidad acordes con los atributos que perseguimos en ellas.


• Su código visual nos transporta lo mismo a paisajes entrevistos que a faunas insospechadas, aunque, de todas formas, no hay que buscarles símbolos sino reverberaciones plásticas que impacten en la mirada.
  
• Exquisitas y misteriosas, con la seguridad de domeñar una materia que no traiciona, el artista las transforma en su modo de experimentar lo vital y verdadero. Convierte el privilegio de ver en un pensar el sentir, en el cimentar la pasión sobre la conformación pictórica de unas vivencias estructuradamente concebidas. Como si fuesen unos presentimientos que se amalgaman y se cruzan, se visten y un momento después se desnudan, se proyectan tanto como se esconden. Demostración, al fin y al cabo, de que no hay tregua, de que la creación no se detiene y se limita en sus exigencias.

VLADIMIR VELICKOVIC (1935) / TRANSIMITIR LA VERDADERA INFORMACIÓN

• La tragedia, el crimen, el genocidio, la muerte nos acechan. Unos los sitúan en su contexto y situación y miran en su interior, el resto, ya informado, se relaja.
  
  • En estos días en que la desmaterialización del arte gana terreno, una representación visual como la del serbio VELICKOVIC cambia nuestra visión porque su discurso tiene la autenticidad de la locura clarividente.
    
    
    • Sobrecoge tal hondura y despliegue de imágenes, es un sentimiento del horror tan de cerca y tan inmediato que casi lo tocamos. Y no hay espacios para la huida ni ocasión para el rechazo porque la fuerza plástica de esta figuración no nos permite volver la mirada por ser un arte de la desesperación, incluso de la falta de esperanza, que reconocemos en el latido inmenso, espeluznante de esos iconos tan eficaces en su transmisión del mensaje.
      
      
      
      • No hay nadie que no se conmueva, ya que no se trata de una fortaleza espuria que haya que exhibir con el propósito de ser inmunes al sufrimiento, sino de absorber el dolor que se desprende y fluye de esos soportes sin omitir la veracidad de un código estético que acaba ya de definirse para siempre.
        
        
        
        
        • Hoy al Malecón le ha dado por abrir los cuerpos de algunos de sus habitantes. El reguero de vísceras se veía y olía desde el cementerio donde nos habíamos ocultado. Mi amigo Humberto y yo tendríamos mucho trabajo para enterrarlos y poco ron para despedirlos.
          
          
          
          
          
          

LEONARDO CREMONINI (1925) / ¿DÓNDE TERMINAR?

• La imagen es ante todo una forma simbólica de conocimiento, decía José Jiménez. El italiano CREMININI lo ratifica desde un significante de múltiples registros que la interpretan, crean y ejecutan con el propósito de generar una realidad que vivir en la nuestra propia.
  
  • Hay una inexpresividad atenta, intensa y ensimismada, al mismo tiempo que una inmovilización, un detenimiento en un instante concreto. En un segundo momento, la mirada explora la superficie cubierta por una figuración que nos alude, despierta otros ecos y señales y dibuja reseñas dejadas por la memoria.
    
    
    • En el conjunto percibimos una historia pictórica que nunca ha de acabar, que se desarrolla en la representación visual de un drama silencioso y también una crónica de la pintura que nos revela nuevas claves y formas de contemplarla.
      
      
      
      • El Malecón, hoy, no ha dormido y vomita sangre. Mi amigo Humberto y yo nos miramos con escepticismo y nos preguntamos de donde la habrá sacado.
        
        
        
        
        

HERVÉ TELEMAQUE (1937) / CUANDO LA PINTURA DISFRUTA

• El que un haitiano en París se enganche al disfrute y a la pasión por la vida dejando esa huella en una obra pictórica y escultórica podría ser raro pero no lo es, lo que sería extraño sería lo contrario tratándose de un gran artista.
  
  • Por eso TELAMAQUE oficia la ceremonia con un rito jubiloso, danzarín, alborozado, como queda de manifiesto en cada uno de sus trabajos, que, en colores planos, ensamblan elementos dispares que descubren afinidades o asociaciones plásticas en el momento que salen a la luz.
    
    
    • Podemos incluso considerar determinantes los aspectos expresivos que toman las formas cuando éstas han alcanzado libertad de acción y pensamiento, cuando se alzan ante nuestras miradas y se equiparan con entusiasmo al desánimo presentido y en esta ocasión equivocado.
      
      
      
      • Es más, nos dan la impresión de que en ese medio en el que quedan en suspensión, ríen en tanto son reales, gozan en cuanto están a la vista, y en eso consiste su trascendencia y significación formal, en depararnos otra perspectiva desde la que ligar y cohesionar visión y sensibilidad para orquestar procesos desde sus mismo orígenes.
        
        
        
        
        

GILLES AILLAUD (1928-2005) / FIGURACIÓN NARRATIVA

• Ayer fue el realismo fantástico y mágico, hoy la figuración narrativa, para mañana deberíamos estar ideando una nueva etiqueta para encajar lo que veremos.
  
• El francés AILLAUD templó el pigmento para que no se deslizara sin necesidad de recrearse en aquel episodio, ya que su finalidad era recoger una experiencia vivida o que tuviese un protagonista, ya sea hombre o animal, sumergido en una materia colorante que por sí misma diese a luz al acontecimiento.
  
  
  • Hay, por lo tanto, un planteamiento formal sobre una distinta dimensión cromática que es la que forma la situación retratada bajo la condición pictórica, y hay una imagen que se sustancia dentro de esa masa clorofílica con vistas a la creación de una ficción visual que se sustenta en la plasticidad deseada.
    
    
    
    • Con ello el logro concilia una cosmovisión con su conocimiento visual, un pensamiento narrativo con su estructura figurativa, una ruptura del hábito convencional de la representación con otro concepto de ilusión aparentemente fotográfico. Y quedan al final y siempre símiles de soledades indefinibles y dudosos presentimientos.
    
    
    • Mi amigo Humberto se ha empeñado en decir que El Malecón está sumiéndose en el misterioso continente de la Atlántida. Pues, le contesto, que sea sin nosotros y el ron.
      
      
      
      
    
    

YUDIT VIDAL FAIFE (1979) / FIEBRES DE FANTASÍA

• Hasta la esencia acaba mudándose de naturaleza, alterando su condición, modificando su gene, pero una parte del yo permanece si que el saber la destruya, sin que un flujo de excrecencias mentales y emocionales mórbidas la desnaturalice. Esa parte es la fantasía que no se apaga, que sigue encendida y que de vez en cuando encuentra a una YUDIT VIDAL, desde Trinidad (Cuba), para reencarnarse.
  
  • Es una experta en conseguir que esa facultad, ese don, sea una misma cosa con su obra, cuya plasticidad expresiva nos introduce en un ensueño sin que casi seamos conscientes de ello. Que sea esa singular irradiación o aura cromática la que plasme con sabiduría pictórica la ilusión, o sea la dimensión única de sus personajes, lo importante es el todo resultante que narra visualmente un universo y un tiempo que están acotados a nuestro lado y no siempre vemos.
    
    
    • Estos trabajos iluminativos sólo pueden ser posibles si quien los ejecuta está imbuida de una sublimación válida y apta para desvelar misterios y, aún más primordial, capaz de calibrarlos y cristalizarlos a partir de referencias y formulaciones que conjugan nuevas formas y perfiles. El que esta artista los haya hecho posibles nos da acceso a la conservación del sentido acariciador de la quimera.
      
      
      
      • Anochecía en El Malecón sin la aparición de luciérnagas. Mi amigo Humberto me dice que cree que cuando oye hablar de un paraíso sin verdad ni mentira, están refiriéndose a la tumba. Hasta el ron enmudeció y con ello se nos acabó la bendición.
        
        
        
        
        

GÉRARD DESCHAMPS (1926) / NO HAY QUE ARROJAR NADA

• Arrojamos nuestros restos y sobrantes a la basura, al fin y al cabo son trastos inútiles, residuos, excedentes de vidas anónimas y su historia. Por lo tanto, también ellos son ignorados y despreciados.
  
• Pero también los podemos considerar ruinas, vestigios, encarnaduras de una civilización que si bien los desdeña, los eleva a los altares del arte si adquieren, a través de un mediador, categoría estética.
  
  

  Es una cuestión que ya se ha abordado desde diferentes prismas, aunque la consistencia argumental para caracterizarla es tan flexible como un junco.

• No obstante, el francés DESCHAMPS, junto con otros de sus colegas de ese nuevo realismo, nos ofrece, a través de estos ensamblajes, una sintonía visual comunicadora de unas formas actuales de existencia que hacen de lo anodino y rutinario una realidad plástica, de lo decrépito y acabado una armonía física donde dejar atrás el sentido y la concepción de otros fenómenos artísticos menos heterodoxos.

• Gracias a esta modificación de nuestros hábitos culturales heredados comprendemos mejor el drama de nuestra época, y su significación, al plantearse de un modo escénico y ocular inaceptable bajo otros patrones que, sin embargo, ellos mismos han dado paso a esta plasmación de la realidad.