SOLAMENTE HAY TRAMPAS VISUALES

Los palos y las piedras pueden romperme  los huesos, pero las palabras nunca me pueden lastimar.

(Proverbio inglés)

KEVORK MOURAD (1970) / RECUPERO UNA ÉPICA

Ver lo destruido y capacidad de reconstruirlo, de que cada obra exija una lectura que siga los detalles, temáticas, perspectivas, valores y ritmos. 

A lo que MOURAD añade una unidad de conjunto y una extraordinaria disposición para la asociación y relación de unos significados que dan pleno sentido a la obra. 

Es una visión la que nos ofrece que causa pasmo y al mismo tiempo una indagación de como se ha vertebrado una esencia de un compendio estético y vital, histórico y cultural.

Seguro que el futuro traerá consigo nuevas metáforas para el mismo concepto.

 

MARTA ALBELDO (1980) / SON MIS POEMAS PICTÓRICOS

La albaceteña ALBELDO, actualmente exponiendo en la galería Orfila de Madrid, defiende ese arte abtracto que sugiere la esencia de las cosas, pero traduciendo su obra en un lirismo que  proporcione un signo absolutamente nuevo.

Sobre un fondo blanco o entintado da vida a un proceso pictórico que se constituye en una interacción cromática que nada entre hilos, manchas, nubes, puntos, líneas, que son como sentimientos tímidos, medio escondidos y prendidos de una acción poética de una brisa vital.

Fluidez, sutileza, movilidad, sensibilidad, fragilidad, apacibilidad, pulcritud, son caracterísiticas que identifican su hacer, empleando para ello una armonía emocional que transmite con delicadeza.

Casi podría decirse que su experiencia artística, que, al principio se contempla entre la atracción y la sopresa, es el sumirse extático -del que hablaba Heidegger- del creador/a en el desocultamiento de su ser, que en ella se traduce en la plasmación de unas pinturas que están como desocultadas.  

GREGORY GILLESPIE (1936-2000) / YA NO PUEDEN ENCONTRARME

En la pintura del americano GILLESPIE señalar que la significación es la apertura a un más allá es quedarse corto y enfangado.

Un imaginario turbulento y escatológico anima esa realidad plástica que en su confrontación con la mirada despide tufos de crueldad y sabor amargo.

 

Sin embargo, su capacidad creativa es notoria y sabe expresar el demonio que hay en esas superficies que al final acaban atragantándose en la contemplación que sobre las mismas se desgrana en la memoria.

 Hemos de estar precavidos ante el determinismo tecnológico.

ALEC DEMARCO (1989) / ME VOY CON ELLOS

El ver, concebir, componer no forman una secuencia temporal, sino que se realizan al mismo tiempo en una interdependencia cambiante.

En el caso de las obras del americano DEMARCO se advierte en el espacio una creación de energía, color, luz, una unidad caótica en definitiva, pero que en conjunto guardan una estrecha relación. 

Sus fuentes han sido tomadas sin atender a su naturaleza propia, sino al fin que se propone hacer con ellas y a los resultados provocadores que espera obtener.   

Sólo dejo pasar las ideas heréticas.

MATTHEW ROLSTON (1955) / AUTORRETRATOS DE SEPULCRO

Toda esta serie del americano ROLSTON forma parte de una traducción de un hecho espiritual concreto, cuyo sentido radica exclusivamente en una singularidad ontológica que quiere ser anónima. 

Son obras van dirigidas directamente a la consciencia, pero dejando que las formas alcancen su plenitud y los colores desarrollen su acentuación acusatoria.  

Son momias que vienen a significar que el tiempo y la eternidad son hechuras de nuestra insatisfecha adherencia o inadherencia al mundo. 

Escucha lo que hicieron.

No escuches lo que dijeron.

(James Fenton)

LUIGI PARZINI (1925-1959) / CAD VEZ QUE BUSCO Y ENCUENTRO HE SIDO OTRO

Ante la obra del italiano PARZINI percibimos que en su abstracción sombría y terrosa la realidad corporal del acto de pintar siempre se expresa. 

Las manchas cromáticas gravitan insomnes y solitarias sobre un espacio que las contiene en su desventura, en la textura de su tristeza y desolación.

Pero su elocuencia plástica no es muda, revela un sinfín de avatares, sacrificios y renuncias, de olvidos y reencuentros, de abandonos, heridas y trashumancias.  

Aunque para muchos de nosotros pase inadvertida, se está librando una gran lucha de poder en torno a la forma, los términosy los límites de la libertad de expresión global...

(Timothy Garton Ash)

ALEJANDRO PEDRIDO (1989) / SON VOCES RECUPERADAS

Ante la obra del cubano PEDRIDO me puedo dejar guiar particularmente por su contexto y destino, pero es un enfoque insuficiente para determinar los parámetros configuradores de una visión plástica cuya expresión va más allá.

Cada medio de representación que toma presencia es el símbolo de un universo que en su representación nos traslada a un suceder que está siendo en ese momento, a una morfología y metamorfosis de origen de raíz ancestral y cultural.   

Al mismo tiempo que la materia, la estructura, el color y la forma alcanzan una determinación concreta en su pintura, la cadena de significados crece, se desarrolla y profundiza hasta la obtención de una contemplación activa para el espectador.

Yo sostengo que la manera de convivir adecuadamente en este mundo -ciudad consiste en disponer de más y mejor libertad de expresión.

(Timothy Garton Ash)

FABIENNE VERDIER (1962) / SON IDEAS SENTIMIENTO

Se dice que la absolutización de un único medio, incluso cuando se lo intensifica sensiblemente, pone de manifiesto un cierto  predominio de tendencias cosmovisivas respecto a la capacidad de configuración artística.  

La francesa VERDIER ha optado, en ese sentido en su obra, por imponer un rítmo de síntesis vivencial como una estructura de una realidad anclada y movediza en su conciencia. 

La propuesta formal que articulan sus piezas responden al reto de un ideario plástico oriental adaptado a su propio quehacer constructivo y emocional.

La fidelidad al arte es fidelidad a la vida y a la libertad.

  

 

ANTONIO VALDIVIA / SON INTRICADOS ESTOS CAMINOS

En estas obras del cubano VALDIVIA, se capta todo un movimiento interno y distintas trayectorias con las que ha querido expresar tanto la energía permanente como las simbiosis que constantemente se producen.  

Son signos barrocos que en su entropía y topografía muestran un sentido plástico que evoca y se ensimisma en visicitudes en blanco y negro enganchadas a sus propias efusiones.  

El autor, entre lo espontáneo y pletórico de sus dibujos y filigranas, trata de lo ancestral en el futuro, de lo hereditario en el presente, de lo que hay de vidente en el arte.

 La pintura sirve a la libertad cuando es fiel a ella misma.

WINSTON BRANCH (1947) / EN LO QUE CREO

Se ha afirmado que el arte abstracto es una muestra ontológica de la realidad, la constitución de uno de esos supremos intereses del espíritu para la conciencia.

Para el británico BRANCH lo importante no sería si debía pintar abstracto o no, sino que en la obra apareciesen corporeizados y encarnados los signos sustanciales del universo.

Y en este magma cromático podemos manifestar lo que Herbin atribuía a los colores, cual era el que inducían a un significado cósmico profundo.  

 Enamorado de ideologías absolutistas, convertidas en ídolos sanguinarios, nuestro siglo (XX) ha sido intolerante e inicuo.

(Octavio Paz)

MÁXIMO CAMINERO (1962) / SÍ QUE LO SONDEAR

En todos los dominios la actividad del hombre, y en este caso del artista, culmina en formas, es decir, en creaciones orgánicas y acabadas.

Pero sin las capas y los revestimientos cromáticos el artista sabe que el resultado espiritual no alcanza la significación que le es propia, y, entonces, la obra de arte queda al albur de respuestas que no se encuentran.  

Sin embargo, el dominicano CAMINERO tiene el don de saber acometer, entrar, definir, catalizar y simbolizar las imágenes, con toda su hondura colorista, de nuestros ritos y de nuestros signos.    

Duerme, ya tienes en tus manos

el azul de la noche inmensa.

(José Hierro)

MATTIA MORENI (1920/1999) / NO ACEPTO NADA

Para el italiano MORENI la libertad pictórica y plástica es adherirse y encontrarse en las situaciones que le permiten la mayor libertad de elección.  

Y a fe que lo ha conseguido al culminar una obra en la que las formas y el color lo han significado todo, lo han depurado y visibilizado hasta que el gesto sea el signo.

Son turbulencias que se agitan en el frente existencial que conlleva una práctica cuyo destino revela la condenación de un cosmos que está ya marchito.

 El cuerpo se deshace en llanto,

en ancha tumba el mundo se convierte,

y en ella, consumido de anhelos y temores,

se posa el corazón como ceniza.

(José Hierro)