VIVENCIAS PLÁSTICAS

PEDRO S. MORILLO (1947) / UN QUIJOTE QUE ES VERBO DE COLOR

2012-01-26T03:47:00.000-08:00

En el post que le dediqué al español MORILLO, el 12 de noviembre pasado, hablé de la imposibilidad de lo posible, aunque, en este caso, creo que cabe también su variante contraria porque esta paradoja es la forma y la desnudez del fondo. Hoy retomo ese cruce para señalar la anatomía, nunca mejor dicho, de una pintura en la que el color supura y la metamorfosis es ya un hecho.

Esta serie, de gran formato, que postula un Don Quijote al que se le constituye como un vértigo salvaje de secreciones (se le adivina en las siluetas, en los perfiles, en las costuras) tiene una dimensión entre lo insólito y lo cerebral, entre el trazo desinhibido, procaz, y su caparazón encefalográfico, de animal equinodermo, entre lo visionario de un cromatismo que señala la condición de un ser y la profanación de un espacio que en su molicie no esperaba nada.

El artista nos viene a reseñar que su obra es una confrontación de la que trata de extraer una realidad hasta hallar la sucesión de tácticas que consumen una estrategia, la que, en la fusión de torbellinos, informen la ficción del personaje y su trascendencia en aras de unos valores que exigen su propia identidad.

Por lo tanto, no hay que dudar de la sabiduría de este creador, que entiende la tierra y el clamor que nace de ella misma como una inmanencia que le sirve a modo de determinación de las razones y ansiedades de una abstracción que marca un recorrido tan real como múltiple, tan esencial como exultante, siempre en la onda de un fluir inagotable.

En definitiva, es un vuelo que desafía la gravedad de la pesadumbre que insiste en eclipsar la pintura, sabedores de que su luz reaparece perpetuamente porque anida en lo más profundo de nuestras entrañas, y, desposeída, nos ilumina (Frederic Amat).

Admiro
Con fervor de mirada
Convergencias y signos
De algo que yo, torpe,
Escruto y no descifro.

(Jorge Guillén).

RIGO SCHMIDT (1974) / ¡CUÁNTAS SIMILITUDES SIN SABERLO!

2012-01-25T04:22:00.000-08:00

En la pintura esperamos que la concreción nos trascienda y simultáneamente evoque esas realidades que no es una tarea imposible avizorar. Cuando estamos ante ellas es cuando las certezas tienen la máxima visión de las incertidumbres que todavía nos aguardan.

Dentro del alemán RIGO se posesiona esa inmanencia plástica que formula en el soporte toda su fuerza y alcanza el juego de la esencia, la evolución y la naturaleza. Lo de detrás toma la opción de adelantarse, hacer su apuesta y enviarnos un mensaje de última consumación.

Si vemos su diafanidad postrera es que estamos en el eslabón que concluye, que hace casar todos los elementos de este lenguaje, frío, impertérrito, impávido, que nos absorbe hasta penetrar en el pensamiento de las premoniciones dislocadas.

De ti remoto, mi magín emprende
Su peregrinación muy fervorosa.
Los abatidos párpados se abren
A tinieblas visibles a los ciegos.

(Jorge Guillén).

EUGENIO CHICANO (1935) / TENGO UNA MISIÓN QUE CUMPLIR

2012-01-24T07:40:00.000-08:00

Decía Alcolea que sólo pintando se es. El problema es entenderse con la pintura. Lo único que interesa en la pintura es el fluido. No Dionisio, más bien Baco (muerte lenta por la bebida que, al parecer, él cumplió al pie de la letra).

Esto es lo que el español CHICANO expresa en su obra, ese amor por la pintura, por la creación que exhibe y representa, por la memoria a la que induce, por un destino que nos acompañe y nos ilustre.

No es la conquista de un mercado, que para eso vale cualquier mensaje, es la multiplicidad temática, la relajación del ser con la realidad, la plenitud, la intensidad. No hay que equivocarse, el significado de una pintura no está en su origen sino en su resultado. Y por lo que se refiere a estos grandes formatos y murales, la riqueza de su dimensión semántica no tiene pérdida, solamente hay que seguirle las pistas, son tantas, tan fértiles y claras que no nos hacen falta sintagmas.

Omitamos teorías del conocimiento, que son inútiles, pasemos al saber mismo que se desprende de cada pieza, de su ornamentación entre claves y referencias que son el factor de la función sintáctica, la elegancia de esas estructuraciones cromáticas, perfectamente ajustadas. Hasta sus incursiones geométricas convierten el soporte en lecturas sosegadas, en poéticas derivadas y abiertas al pasto del amanecer urbano.

Imágenes que han encontrado el valor del signo y lo han tapizado e imbuido de un sino cultural cercano, que señala lo debido y lo vivido.

Los días no me otorgan más que tránsito
De espera.

(Jorge Guillén).

DANIEL SUEIRAS FANJUL / ¿CÓMO NO VA A HABER AMORES INDEFINIDOS?

2012-01-23T09:52:00.000-08:00

Ante todo señalar que la visión pictórica o escultórica nos protege contra la invasión del arte conceptual, ese que está constituido por procesos repetitivos e inmisericordes de pensamientos ciegos que persiguen lo sublime de la nada.

Y ahora referirme a que hay una nueva oportunidad de reencontrarnos con DANIEL SUEIRAS con motivo de la exposición actual de su obra en la galería Marita Segovia de Madrid. No es para perdérsela aunque la juzguen abominable (en ese caso todavía les será más inolvidable).

Debo confesar que tengo una marcada inclinación por el trabajo de este artista, por ese sueño de la pintura y la escultura que produce monos (bien es verdad que Francisco Rivas pronunció esta frase remitiéndose a otro contexto).

Pero es que ha agarrado lo que nadie o casi nadie había blandido y conseguido, y con tal perfección de procedimientos que al encajar las piezas en la mirada precisamos una visera a fin de que no nos causen ceguera o obnubilación. Ya no sirve lo fácil, la alusión amañada, el cuento de que la ficcion se ha hecho realidad, etc., no, nos dejemos caer por esos trillos, al contrario, sean o no antropomorfos, sean o no facciones cazadas, establezcamos una comunicación con ellos, no engañándonos, pues su excelencia y pureza es mayor que la nuestra y merecen un lugar o morada, además de nuestra devoción y el ser objeto de su sarcasmo.

Con ellos nunca será posible lo que decía Borges, que el olvido es una de las formas de la memoria, puesto que atesoran lo más inmensa, aquella que es memorial de agravios y desdenes y auténtica biblia de almas desconsoladas, no como las humanas absorbidas por la sangre.

Por lo tanto, el creador nos ha proporcionado un bestiario sacro y mitológico para tenerlo cerca y contemplarle en días de fuego y muerte. Gracias.

Incógnitas palpitan, se afilan, arden, claman
En la más anchurosa desolación desierta.

Y a través de lo oscuro, tú, criatura, clave.

(Jorge Guillén).

MICHEL PÉREZ POLLO (1981) / SE HAN SUBIDO A LAS BARBAS Y AHORA YA NADIE SE LAS CORTA

2012-01-20T08:52:00.000-08:00

Si la obra de arte no sale de la mente del artista podemos quedar ciegos y seguir viendo (Sol LeWit). Yo lo he intentado pero si quieres arroz, Catalina. Necesito ver, mirar y contemplar. ¿Será por estar quedándome ciego?

Y después se siente obligado Millares a dejar bien claro: "hay que descoser los forros del mundo plástico volviéndolos del revés".

¿Qué ha hecho, en este caso, el cubano PÉREZ POLLO? Pues engendrar entre pollo y pollo sus mutaciones, con semblante serio, atrevido, insolente y con cierta coña. Que sí, que es verdad, que no hay viviencia insular caribeña que escape al don del carnaval y del surrealismo tropical más revoltoso.

Unas obras que entran por detrás y salen por delante, en el ínterin se han vestido, acicalado y hasta tomado el biberón. Su carácter lúdico es de los que juegan a ganar y tú, como espectador, a perder, porque se te escapa la afinidad y las identidad y te quedas con la deformidad inherente a su casta cromática, a su descendencia amable y acariciadora, paradojas que son tantas como se quieran y se fusionen.

Lo mejor es pactar, dialogar y entresacar su realidad, darle el rincón que necesita y la proyección que recaba, ya que la mirada es el fondo que la hace viva, indisoluble, incalificable e inquisitiva.

Las hermosas "Ayalgas" me suplican que mate al "Cuélebre" para que puedan recuperar sus tesoros escondidos. Si lo hago, me llevarán cogido de su cintura hasta ellos. Ahí es nada, esperar a la noche de San Juan, buscar un hierro, sorprender dormido al monstruo y clavárselo en el cuello. ¿Y si después no me dan nada y me quedo sin revolcón? Que lo haga El Malecón, les aconsejo, que es más viejo y está más resabiado.

AUGUSTO BORDELOIS (1969) / LAS ESPERO PORQUE SON ETERNAS

2012-01-19T02:21:00.000-08:00

La pintura de la nada contra la pintura absoluta. ¿Dónde nos sitúa la obra del cubano BORDELOIS? Si el dibujo es la idea, el principio de realidad, el control, lo consciente e inteligente; el color alude a cierto descontrol medido y graduado, lo inconsciente, lo irracional, las pasiones. Bases teóricas que no se cumplen pero que no son óbice para establecer prontuarios, como en este caso.

Gauguin señalaba que el color era el lenguaje del ojo que escucha, de su virtud sugestiva, que sirve para desarrollar la imaginación, para decorar los sueños, abriendo una puerta nueva hacia el infinito y el misterio.

Por lo tanto, las señas están claras y dadas hasta donde queramos, las alusiones hechas y los encuentros son la pura fantasía de espacios edénicos, hechizerías, conciliaciones reparadoras, hechos encantados, contrastes no por artificiosos menos plásticos y fascinadores.

Es por eso que entonces busco la hoja del vencedor, el paramí, el amansaguapos, las llanas, el jala-jala, el bleo blanco, el ayo, el cundeamor, la verdolaga, el rompezaragüey y el almácigo. Y, por último, me siento a posar la mirada en las celadas que nos tiende este artista, que entre treta y treta (¿no hay ciertas raíces rurales americanas en ocasiones?), bosqueja morfemas en los que ensayar historia, tiempo y veleidades del yo, tan cálidas como filibusteras.

Me visita en mi esquina del muro "El Ome Marín". Cree que como estoy siempre en El Malecón, soy el que alquila las cuevas de debajo. Le digo que no, pero le aclaro que con esas greñas, algas y escamas, ya puede buscarse otro sitio para guarecerse. Hay que prevenir, no sea que al final le dejen quedarse, con los que ya somos.

RICARDO MOJARDÍN (1956) / EN MI MUNDO DEJÓ DE OTEARSE HACE MUCHO TIEMPO

2012-01-14T02:10:00.000-08:00

El impacto es perpetuo. Delante de una de sus pinturas de simios en la galeria Vértice de Oviedo, de considerable formato, me quedé absorto, apocado e intrigado. ¿Qué me estaba diciendo o me estaba advirtiendo? ¿Es un retrato ancestral de mis antepasados? Mundo de supervivencia y agresividad, en definitiva.

Cuando la imbricación es tan penetrante, las incógnitas se trasladan a la capacidad del artista, que ya debe de tener los ojos renegridos, agujereados por la larga noche de los abismos (Millares).

El asturiano MOJARDÍN coagula y cataliza, crea y al hacerlo suprime lo accesorio, codifica y descodifica. Del color, como Tápies, hace toda una filosofía: la de los sueños, las visiones, el vacío.

Se planta en su territorio y desde allí ya ha dejado de otear, ahora se funde con el prodigio de lo telúrico, lo animal, lo pasado, el presente, lo clásico, desvelando lo pictórico en todo ello, su magia, hasta hacer desaparecer el perro -no lo veo- o a la figura sacra (¿descendió o no descendió? ¿Acaso no ves su calavera desde el tren?). Con lo cual, plantea sus preguntas aunque la trampa ya está hecha, ahí, en esa milagrosa revelación, están todas sus respuestas.

Sabe muy bien que a sus obsesiones plásticas ha de permitirlas que se concentren, que se llenen de sí mismas, que prohiban la evasión de lo que tiene que aparecer. Y también es consciente de que va más allá de su contexto, que es lo que le da energía, le aporta puntos de salida, pero, no nos engañemos, esas llegadas son únicamente suyas y son universales.

Me cuenta el artista que de vez en cuando se cita con el "Nuberu". Quiere convencerlo para que cabalgando sobre las nubes llegue hasta El Malecón y le libre de los ciclones. ¿Y si se queda y se cabrea? ¿Más desastres?

ULISES GONZÁLEZ (1963) / ACERCA DE ESTOS MISTERIOS ENCONTRÉ PASIONES INTENSAS

2012-01-11T07:06:00.000-08:00

Debemos dar por obvio que la mirada del artista es la propia construcción plástica. Pero, no nos equivoquemos, ha de ser honda, tal como pregonaba Dubuffet:
"¡Cavad! El mundo está formado de capas, es un pastel de hojaldre. ¡Probadlo en hondura, sin ir más lejos de vuestros pies, y veréis!

Sin embargo, ULISES, el artista cubano residente en Jalisco, lanza una llama que incendia todo cuanto arrolla. Hace de la pasión un lenguaje y lo encubre con el misterio de una impronta en expansión, que filtre en el hervor cromático la serenidad del dibujo.

Se asegura que solamente hay belleza en la búsquedad de la verdad. Apaga y vámonos, me susurra él mismo. Mi verdad está en la carne, la nocturnidad, el frenesí, el erotismo, el amor y la alevosía. No tendría perdón si no fuese así. El arte le ha pedido siempre, me aclara, ese relato, una historia de fuerza y emoción, de plasmar lo que cada día se desata y grita.

Por eso es que las manchas de sangre o el carmesí en flor colorean una superficie con arañazos y en la que nadan esporas o corpúsculos que dan su última conformación al hecho pictórico. ¿Cabe más eficiencia que ese contraste que anuda lo hecho con lo deshecho? Un corazón negro vomita un pañuelo rojo, ese rojo que el artista convierte en un vocabulario desesperado que no desdeña intercambiarse con la demacración, con una blancura que no aspira a la reencarnación y sí a la angustia.

Y por ello es que la cruz, como espejo metafórico, aparezca astillada y con esparadrapos, a la que nos asomamos con más deseos que ansias de encuentros. Y los capullos -O´Keeffe nos habló de ellos- sean entes colgados de esa plasticidad apasionada que cubre la certidumbre de ser la sendas de unos trazos o la del propio destino, forma de la plenitud carnal de unos colores que al mismo tiempo que designan proclaman.

Obra que reflexiona, una vez que se ha quitado de encima el gesto y el sudor, sobre lo que es o no la culminación de un proyecto, cuya continuación estará en ese futuro que le aguarda compartiéndolo con el destino.

Se dice que Pollock, en ataque de rabia, arrojó un libro que trataba sobre Picasso, gritando:
"¡Maldita sea, este tipo no se ha dejado nada!" ¿Qué fue de ese libro?

RUBÉN ALPÍZAR (1965) / REGOCIJOS

2012-01-10T02:26:00.000-08:00

Todos están asomados y el frío no se queja ni mete una denuncia en el ayuntamiento. Y si lo hiciese destruiría la simbiosis dinámica y ya no habría creación. El observador, ante esta obra, se relaja pero el artista se tensa y estimula.

Si hay algo que al territorio del cubano ALPÍZAR no le falta es un catálogo imaginativo, que discurre entre lo burlesco, la vida insólita y real, el sueño, la fantasía, las referencias clásicas y las raíces vigentes de una existencia en el trópico.

La pintura es una ventana en la que aparecen y desaparecen, se muestran y relacionan, exhiben sus alusiones y dotes, maquinan lo que es imposible urdir, se mueven entre y delante de espacios abiertos o cerrados, nos hablan e inquieren.

Es todo un universo que sin ese color que lo forma no lo veríamos, pasaría desapercibido, y, sin embargo, al impregnarlo adquiere su total autonomía y esplendor, aunque esté pautado por el recato de una cadencia o un bolero.

Diviso un macho cabrío y una mano negra. Como todavía no amanece llegan a tiempo, son el "Pesadiellu" y la "Monona". Salgo pitando del Malecón, no es hora de andar a la búsqueda de las de ébano.

REINERIO TAMAYO FONSECA (1968) / NO ME PERTURBEN QUE NO ME SALEN LOS VIENTOS

2012-01-07T02:52:00.000-08:00

¿Cabrían unos espacios cósmicos de tanta danza, locura, ucronías, convulsiones, humor y jolgorios? Ahí los tenemos, con sólo contemplar la obra del cubano TAMAYO.

Que someta al surrealismo, a lo metafísico, al clasicismo, al barroco, al expresionismo, etc., a una interpretación trepidante, es lo de menos. Lo de más es su carga de profundidad pictórica y retórica.

No ahorra estiletes ni mengua las dimensiones, hacen falta desahogos, vestir imaginarios, reunir el discurso de los iconos, sembrar las miradas de picaresca narrativa y exaltación múltiple.

Que no haya otros vislumbres de los que quieren ver o están más allá, es infamia socarrona de ciudadanos ilustres, porque están todos cantando, reconciliados con la vida y ya con el peaje pagado a la muerte. Amén sea dicho y hecho.

Y ahora que la fiesta continúa, observemos que estas correspondencias plásticas actúan, no incinerando, sino haciendo posible el que la quimera representada no siga defraudando.

Voy del Navia al Eo para encontrarme con el "Patricu". Me dijeron que era fácil de ver porque era muy grande, tenía un solo ojo y andaría hundiendo algún barco. Mi propósito era llevarlo al Malecón, dado que siendo antropófago, serviría para devorar tanto naúfrago desesperado por tener un lecho y además caliente.

CARLOS DEL TORO (1954) / CUANDO LA VIDA ES UN TRÓPICO

2012-01-05T02:37:00.000-08:00

El arte está destinado a captar y transmitir la esencia de las cosas y de los fenómenos, de la realidad y sus mejores o peores fantasías, el núcleo del hombre y sus locuras, provocando asombro de que eso llegue a pasar, de que la metáfora esté tan viva.

Por consiguiente, tiempos y espacios son, con el artista, los hacedores de formas y sustantividades que serán configuradas de maneras diferentes.

Si tomamos la obra del cubano DEL TORO como referencia, nos asomamos a una luz vidriada, culminación del feliz encuentro entre dos convicciones sobre un modo de generar un imaginario enraizado y una fantasía policromada. Calan porque forman parte de un todo estético de la pintura cubana del siglo XX.

Dentro de la superficie del cuadro se manifiestan unas morfologías procedentes de distintos ámbitos plásticos, incluso ellas mismas se amalgaman y crean su contexto, el credo de su lenguaje, la impronta de su realidad.

Sin embargo, esta especie de flora biológica se transmuta hasta ser pathos de lo telúrico tropical, de su marca original, que nunca pudo estar confinada. Una negativa que nos es útil para enriquecer la mirada.

No nos veremos nunca cara a cara,
Oh antepasado que mi voz no alcanza.
Para ti ni siquiera soy un eco;
Para mí soy un ansia y un arcano,
una isla de magia y de temores,
Como lo son tal vez todos los hombres,
Como lo fuiste tú bajo otros astros.

(Jorge Luis Borges).

SANTIAGO LARA (1975) / ¿CÓMO EXPLICAR MI PARTE DE MUNDO?

2012-01-03T02:41:00.000-08:00

El español LARA tiene una forma de proyectar y mirar que viene de lejos, como si él mismo fuese un personaje obligado a fabricar otros personajes que le explicasen al mismo tiempo que le infundiesen temor, angustia, susto o asombro.

Sin duda que hay un componente universal que se encuentra en el intérprete contemporáneo y viceversa, pero lo esencial es que el código de contemplación se conserve fresco, vivo y con el significado propicio a ser explorado.

Este artista inventa su propia mitología, que es su verdad, esa que se consigue de noche pues el día favorece la mentira (Bob Woodward). Y lo hace con la veneración del delirio calculado, de la coloración bien desatada, de un mundo observado como un ente sin posibilidad de rescate, basado en la concepción de que no hay transferencia sin desolación.

Son actores que afloran bajo las horas tasadas de un comediante experto en dejar que sea el tiempo y no el viento el que sacuda las tempestades, inicio y fin de un trabajo que no rehizo fantasía alguna, ya que estaba concibiendo una realidad de obligado pensamiento.

No hay que dar un beso al "Busgosu", que te contagia la tisis. Se le lleva ante El Malecón para que le cuente cómo son el frío y las mujeres del bosque.

CHECHU ÁLAVA (1973) / LA MUERTE NO SE SEPARA

2012-01-02T03:00:00.000-08:00

Distingo el espíritu pero no la carne, la forma pero no el fondo. Salen de sus nadas y me dicen algo. Entonces me asalta la duda de que es lo que miro.

Para la asturianan ÁLAVA lo que le otorga su condición de artista es bordear tenuemente el abismo pero sin llegar a caer en él, por eso sus personajes penetran en nuestra atmósfera como una extensión del yo y su imaginario.

Horadan y calan. Perforan y atraviesan. Son duendes familiares allí donde se coloquen, nunca desaparecen, ni al amanecer ni en el ocaso porque son víctimas del encantamiento plástico a que las ha sometido el artista.

Dentro de esa nebulosa cromática, tratada como un celaje autóctono, caben todas las gamas, todos los seres, todas las señales y todos los semblantes. En cuanto a descubrirlos, fijémonos en los atributos peculiares, en las cualidades intrínsecas que serán fantasmas de leyenda.

"Lástima non te faigas llobu, pá que te fartes de carne".

El Güercu, el Tamboriteru y la Muerte Mesada iban en el carro por El Malecón. Iban contando, cada uno con sus cuentas y sus espíritus en pena, la Señora en la de todos. La procesión de la Güestia, con huesos encendidos y blancos sudarios, ya había salido para encontrarse con ellos, murmurando:

" Andai de día, que la noche ye mía".

FELIPE, VLADIMIR, HUMBERTO / LA CUBANÍA

2011-12-31T02:59:00.000-08:00

En este fin de año conservan el son, la magia enterrada o despierta sopesando la búsqueda de otro ron y distinto rumbo. Viven para ello, por lo que al extender su lenguaje estiran el mundo, el suyo, el nuestro y de cada ser fantástico que les toca con su rumba.

Viven para ser obra que después se poseerá a sí misma, sin olvidar al que le dio sed de nacer y crecer. No hay otro amanecer que abrirse a ese quehacer, que pisar su territorio, calibrar el espacio y el tiempo de aparecer. No hay otro y si muere no hay ningún deber.

VLADIMIR, FELIPE y HUMBERTO, la isla se agranda, percibe neto vuestro arte, lo aprecia, lo deja posar y sedimentar, confiada en que un día, otro año, una nueva década lo sitúe como una sensualidad cuya inmanencia todo lo explica, lo siente y lo propicia.

Mientras tanto, feliz 2012, en el que si se esconden los márgenes de un futuro, sean para el discurrir vuestro, con las luces y las sombras preparadas para dar la epifanía entre charangas, criaturas y alegría.

Las tres de la madrugada y El Malecón silba con una devoción que sugestiona.

MARCEL MARTÍ (1925-2010) / ENTRE FORMAS

2011-12-31T01:15:00.001-08:00

Último día del año, con cierres y comienzos, con mentiras que son verdades y verdades que son mentiras. Para mis amigos artistas, y para el conjunto de ellos en general, voluntades de ser y seguir, de continuar un proyecto que son ellos mismos devorando muérdagos, afanes y cuerpos silentes.

Y refiriéndome al caso concreto, decir que toda obra artística se involucra profundamente con el tiempo y el espacio en que es gestada individual o colectivamente (Marta Zátonyi), lo cual sabemos a través de nuestros hábitos perceptivos, culturales e intuitivos. Mas también lo entendemos como un camino de citas, crecimientos, asimilaciones y desplazamientos.

Por eso, lo cóncavo y convexo es la epidermis de la estatuaria del argentino MARTÍ. Pero el corazón es esa naturaleza que se erige juez y parte, cosmos y definición de una propagación de la forma como un sínodo complejo que solitaria o en grupo tiene la estructura y configuración de unos cuerpos en perfeta asonancia.

Acabando en un eco sobre el entorno, la visión va hacia donde no hay nada oculto, todo es visible y no se ha de sepultar ningún silencio.

Habiendo llegado al tiempo en que
la penumbra ya no me consuela más
y me apocan los presagios pequeños;

habiendo llegado a este tiempo;

y como las heces del café

abren de pronto para mí sus redondas bocas amargas;

habiendo llegado a este tiempo;

y perdida ya toda esperanza de

algún merecido ascenso, de

ver el mar sereno de la sombra;

y no poseyendo más que este tiempo;

no poseyendo, en fin,

más que mi memoria de las noches y

su vibrante delicadeza enorme;

no poseyendo más

entre cielo y tierra que

mi memoria, que este tiempo;

decido hacer mi testamento.

éste: les dejo

El tiempo, todo el tiempo.

(Eliseo Diego).

EDUARDO KINGMAN (1913-1997) / SOMBRAS Y SILENCIOS

2011-12-17T02:01:00.000-08:00

La iconografía de América Latina se ofrece gigantesca para realzar una humanidad que en su desamparo se ha quedado raquítica. De esos olvidos de la cultura, la dignidad y la memoria surgen colosos como Guayasamin o como el también ecuatoriano KINGMAN, capaces de devolver al hombre del sur su dimensión de sufrimiento, soledad, miseria y derrota.

Sin trampas ni cartón, esas figuras recaban la fuerza y energía del observador que contempla una cruda realidad sin fisuras, con la boca sellada y bajo una imaginación doliente y hasta incrédula.

Ante un tratamiento pictórico tan magistralmente absoluto, el sujeto, en su fantasía, no busca el objeto ni su signo: aparece él mismo capturado por la secuencia de imágenes. El gesto rompe la alternativa entre medios y fines, presentando, propiamente, los medios como tales.

Subjetividad cargada de lente objetiva, al final ésta es más fuerte, más grande, más pesada y maciza, se amplifica, gana consistencia, espesor, hondura, se hace carne tan viva que convierte la sangre en capas de sustancias carnales trazadas con una profunda rima de poema físico y hambriento.

Una obra que no tiene otra misión que dejar inolvidable lo que un rotundo y expresivo tiempo y arte mamaron entre impiedades y geografías ocultas.

Sombra y silencio para el paño póstumo,
la máscara final, la última mueca,
la postrera ilusión de nuestra farsa.

(Eliseo Diego).

CUNDO BERMÚDEZ (1914-2008) / FICCIONES QUE SOLAMENTE PUEDEN SER PINTADAS

2011-12-14T07:19:00.000-08:00

Decía Jean Baudrillard que acaso la tarea del creador sea la de intensificar el carácter enigmático del mundo, poblarlo de sombras y sueños, extraordinarias apariencias y desconcertantes simulacros.

Con el cubano CUNDO lo ortodoxo es el destino sin acasos, los hados bailando una rumba a la luna, los azares comiéndose los imposibles, las ficciones mirando desde Egipto aunque se queden sin muñones.

Es lo desatinado a cometer si estamos incursos en la redefinición sumarial del tiempo-espacio en la plástica prescindiendo de la locura, la intuición, el hallazgo fortuito o la aventura.

Mientras el artista lo tome todo, experiencia, salsa y vida, los valores no decrecen, no se repiten, no se adaptan a malos hábitos. Vuelven a recuperar contextura y una ilación fiel a sí misma y a las expectativas de la mirada del observador. Tal es el compromiso de esta desbordante obra, su mensaje y su dote en especie.

Aire y tierra y fuego y agua: fe y barajar.

(Eliseo Diego).

MELQUIADES ÁLVAREZ (1956) / MOMENTOS DE PENUMBRA

2011-12-11T06:51:00.001-08:00

Flusser identifica el gesto de pintar con un momento de autoanálisis. Otros dicen que cada pintura nace de un conflicto entre fuerzas opuestas.

Kandinsky habla de una figura que ha interiorizado su propia tensión. Por lo tanto, podría argumentarse que si su naturaleza consiste en ejcutar su propia necesidad, es que entramos en un ámbito de afirmación de lo visible que nos rodea y que continuamente está pareciendo y desapareciendo.

Tal repertorio de jadeos y resuellos se ofrecen como excusa a propósito de la obra del asturiano MELQUIADES ÁLVAREZ, al que cabría aplicar lo que declaraba John Berger:
"El pintor, en su soledad, sabe que lejos de ser capaz de controlar el cuadro desde fuera, tiene que habitarlo, dejar que éste le cobije".

En consecuencia, en ellos vemos muros en los que se reflejan poesía y angustia, esperanza y melancolía, paisajes fantasmales que son nuestra textura y horizontes que son nuestro reverso. No hay difuminación que valga ni explique, son visiones que sangran la noche y el día, los instantes de lucidez y las ansias de creación y vida.

Donde el verano es frescura
Verano es tu prebenda blanca
Herbácea que pulula por los hemisferios
Fuerte
Maleable
Dura.

(José Luis Álvarez Vélez).

ANTONIO LORENZO (1922-2009) / CIRCUITOS QUE HE DEJADO CON UNA SONRISA Y UN DON

2011-12-09T09:39:00.001-08:00

Alguien afirmó que el arte no quiere decir nada; el arte dice, y la manera de decir es no extraviar nunca el enigma del arte verdadero.

El del español LORENZO, que perteneció al Grupo de Cuenca, pide un tono y que mi propia subjetividad no esté enfrentada.

En su obra no hay gesto, hay una travesía, un filón experto en articular y construir. Unos planos estructurados entre perímetros, recorridos, pistas, vueltas, un modo de escritura, en definitiva, cargado de significación y que marca un trayecto que coincide con el destino de la mirada.

Pintura y escultura se hermanan, revisten su lenguaje en una misma superficie, se confieren formas y colores, luces y sombras, materiales y pigmentos. Y, señalando los análisis de las fronteras plásticas, se anuncian jubilosas bajo un mismo entorno, que destila un son armonioso, cálido, sensual, sereno y contento. Sería el encuentro final en un espacio simbólico en el que vivir.

La muerte, en fin, es esa
mancha en el muro que una
tarde hemos mirado, sin saberlo,
con un poco de terror.
(Eliseo Diego).

VLADIMIR RODRÍGUEZ SÁNCHEZ (1971) / FOSAS ANTE LAS QUE HAY FAJARSE

2011-12-07T02:57:00.001-08:00

Enterramos sueños y fantasías, visiones terriblemente cegadas, cúmulos de gestos que estaban vivos sin saberlo, monstruos de nosotros mismos fabricantes de materias efímeras y malditas.

Entonces, mientras hacemos que existimos, sucede lo imprevisto: el anhelo por cobrar vida de lo tapado, de lo inhumado y soterrado.

El cubano VLADIMIR RODRÍGUEZ, en su instalación "Bestiario", expuesta en la Casa Benito Juárez de La Habana, nos concede las imágenes de un inmenso poema que ha intercambiado palabras por huesos, verbos por fósiles exhumados como reliquias en su altar.

Si la mirada queda transmutada, es por una reacción a las formas de unos vestigios que han madurado bajo tierra, la han poblado y habitado con la ficción de su morfología, sus ansias de armonía, de arraigo y afirmación sobre lo humano, pútrido y miserable.

Ya entienden que su estética es su rumbo de vida, que la conformación y articulación muestran casi todo, que aparentar un descanso eterno es lo que transfieren para seguir construyendo su fisonomía de futuro.

Bajo ese mandato, el artista, hábil transformador de espacios y tiempos, canaliza la creatividad que entronca con tantos enigmas como destinos, tantos trayectos como radiantes cimentaciones de cortejos ilustres y erupciones.

Un paraíso está ileso.
Adoración, embeleso.

(Jorge Guillén).

JOSÉ LUIS FARIÑAS (1972) / UN ENCUENTRO QUE TUVO UN JUBILOSO INFIERNO

2011-12-05T07:10:00.001-08:00

Me fui a la isla y me vine con ella en la luz y la memoria. Pero no sólo con ella, ni mucho menos. Está ese uno que ha sido él y lo que de él emana. Un fenómeno sin paliativos y herido de sombras que pagan el peaje de la vida con sus fantasmas.

¿De qué nos sirven el conceptualismo, la deconstrucción, el arte efímero, las acciones plásticas de quito y pongo? Solamente el ver la obra del cubano JOSÉ LUIS FARIÑAS lo borra todo hasta quedarse un instante y un vacío que modifican la trascendencia del yo y su inclusión en el hemisferio que nos vaya a tocar de la oscuridad.

Esa inmanencia e inmensidad pictóricas, esa totalidad sacralizadora, desde las cuales la integridad temporal deja de transcurrir, te traslada a un ser y estar más allá incluso de lo que consideramos el principio y el final, es arribar a un fondo, hermoso, hermosísimo, de una ubicación en que nos mutamos, en que somos una genealogía infinita de otra confluencia.

Entonces, ahora y en la hora, no puede haber un silencio cómplice en un pensamiento alimentado por estas vivencias y realidades que determinan un hacer artístico. La eclosión estética de este quehacer es insistituible ayer, hoy y mañana. Estará siempre buscándonos como una perennidad que no ceja, pues esa visión "milenarista" formará parte del discurso ontológico de una realización maravillosa.

Por tanto, comoquiera que el trabajo de JOSÉ LUIS no permite irse por los márgenes, ni remitirse a significaciones que se remontan a otras semánticas, ni andarse por las ramas, ni brincar a través de ellas, es por lo que se entra de lleno en una representación que abarca el todo por el todo, el espanto y la gloria, la plegaria y el amor por el infierno, la desnudez y el magnífico desamparo. Y en todo sus enfoques la alegoría es concluyente, no valen tópicos que comulguen con el signo, lo que tiene auténtico hechizo es el esplendor de un conocimiento creativo sin parangón.

Ya dije en un primer "post" que le dediqué, que hay mundos que cuando se abren no hay fuerzas posibles que puedan volver a cerrarlos. También, como adición y sin supuración de solemnidad, cabría hablar de un imaginario isleño de pura sublimación, de contra utopías que culminan en océanos videntes y visionarios, en delirios ensamblados para miradas absolutas, jamás presas de un ansia de fuga aliviada.

Son ámbitos desmesurados para transfigurar desde un Malecón que resume la virtud de un testamento depositado en la eternidad como un testigo invicto, como la muestra del genio que conquista lo real e irreal de lo secreto.

Entre dos vidas próximas no hay más que algún abismo.
Tras el perfecto acorde la disonancia embiste,
Y llega a un paroxismo
Que ha de absorber, por fin, la luz del día.

(Jorge Guillén).

NICOLÁS SCÖFFER (1912-1992) / ¡LISTOS!

2011-11-15T02:57:00.001-08:00

¡A escena!, todo está ya listo, las luces encendidas, las pantallas enardecidas, las columnas lúcidas.

El completo aparato lumínico, técnico, cibernético se ofrece en toda su grandeza, dominando cada centímetro de espacio, expandiéndose más allá del mismo, consagrándose a proyectar la visión por encima de nuestras latitudes visuales.

Para el francés de origen húngaro SCHÖFFER no hay obstáculos en lo que se refiere a una concepción del arte que debe absorber lo científico, configurarlo con lo estético y entrocarlo con lo que es la magia del futuro.

Quiere demostrar que el próximo entorno, hábitat, nuestros cercanos cosmos y microcosmos han de responder a estos desafíos porque será el modo de sostener la vida, ejercerán la función de catalizadores de una existencia ubicada dentro de parámetros que ahora nos parecen suprarreales.

La culminación de esta obra contiene dosis de espectacularidad e impacto, sin restar un ápice a su categorización racionalista, ordenada, fusionada con la óptica de la necesidad y del arte, de la energía vital y lo que la soporta. Son alianzas que nos sirven y marcan lo que tendrán de vestigios.

Heme ante la realidad
Cara a cara. No me escondo,
Sigo en mis trece. Ni cedo
Ni cederé, siempre atónito.
(Jorge Guillén).

FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE (1966) / NO GASTO MÁS RETÓRICA QUE LA IMPRESCINDIBLE

2011-11-10T10:47:00.000-08:00

Respecto a la proliferación hay que quedarse corto, sin dudarlo y evidenciándolo, lo mismo que cuando el espacio se lamenta de la penuria pictórica. De haber aptitudes, que marquen bien el territorio y éste se asuma, así como lo hace el hispano-cubano ALARCÓN ECHENIQUE.

Para su exposición en la galería de la Asociación de Veteranos de Iberia en Madrid, C/Fuencarral, 101, 1º, la obra es todo lo contrario de una dejadez sintáctica, cabalga llena, casi saturada, toma prismas de aquí y de allá, agudiza la perspectiva, revoca lo vacío y lo ocupa con la transmigración de los signos y huellas de una vida dedicada al arte.

Decía Taine que las grandes obras son la resultante de tres fuerzas: el medio (lo teóricamente más importante), el momento y la raza. Nietzsche sustituía esta última por la moda. Mas en el caso de la propuesta de este artista prefiero, sobre la cita anterior, resaltar la presencia de un clamor que permanecerá siempre presente en la obra de arte, hará con ella el modo de una comunicación, de una lectura basada en la amplitud y números de niveles, una audacia y sapiencia plástica para montar los retratos múltiples de un tiempo de ahora y de mañana.

Dando seguridades sin las tretas de la mentira, está, repetimos, el pasado, el presente, la memoria, los iconos abiertos de una vivencia incapaz de no acercarse a su realidad para hacerla vivir. Está todo. Y seguirá sumando y siguiendo, la visión estética no se cansa de ser eterna.

No es una recomendación, pero no se la pierdan. En C/Fuencarral, 101, 1º.

JOSÉ LUIS FARIÑAS (1972) / DESPUÉS DE CERRAR LOS OJOS

2011-11-09T01:30:00.000-08:00

¿Qué hacer con tantas imágenes en las que se cuelan, jubilosas, la intriga, la desolación, el abismo y el horror? Hay mundos que cuando se abren no hay fuerzas posibles que puedan volver a cerrarlos. Ni imposibles.

Al artista cubano FARIÑAS, también poeta, lo milenario le sirve de mesa y frontón, y para ir apurando, en esa fluidez exquisita, una evocación visual de lo apocalíptico, lo que cuando estamos con la vena desolada creemos que rodea el destino tenebroso de nuestra desdichada naturaleza.

Siendo una obra que se propone que la mirada vea, contemple y se convenza; siendo una realidad que no necesita más incertidumbre; y siendo una conflagración entre vida y ultratumba, la cual se produce, ya solamente cabe un adiós a la espera y a la sangrienta negación.

Entre una imaginación plástica desbordante y una ejecución vigorosa, que no admite una imperfección que no esté besada por la perfección, la aventura se encamina por unos derroteros que no parecen tener fin u otro fin. Menos mal que hay hecatombes que de tan mágicamente levantadas son visiones que nos ayudan a sentir, comprender y suspirar.

Aunque sea un ilustrador además, su sabiduría en todo lo que toca radica en el hecho de reencontrar las fuentes de un simbolismo que creíamos perdido, de una representación que la memoria había enterrado porque eran fronteras no susceptibles de violar. Él nos revela que no es cierto, que el inframundo está ahí y quiere estar presente, más vivo y real que nunca, pleno de hermosas alucinaciones a la hora de un viaje con un espíritu adúltero y en alianza con lo oscuro y su cielo. Y para mayor gracia, reparte invitaciones gratuitas de visita.

Si las puertas de la percepción se depurasen,
todo aparecería a los hombres como realmente es: infinito.
Pero el hombre se ha encerrado en su mísmo hasta ver
todas las cosas a través de las estrechas rendijas de su caverna.
(William Blake).

KELY MÉNDEZ RIESTRA (1960) / TIEMPO DE CÁNTICOS EN JARDINES

2011-11-07T07:32:00.000-08:00

La primera vez que vi una de estas obra en el Museo de Bellas Artes de Oviedo, me quedé absorto y detecté que algo, de súbito, empezaba a ser otro. Un latido, quizás, a golpe de imagen, un silencio acompañando y una incógnita de alameda abisal (¿o son extraños coleópteros enmascarados por la belleza del cortejo?).

Ramajes y flores hilvanan su reverso y desde oriente arriban a la búsqueda de su don -sin saber que no les hace falta-, ya que ahora son sombra de nombres adivinados, de vidas bajo la protección de la poesía de hilaturas brumosas que chorrean en su fluir lento, muy lento, casi tanto como el transcurso de un sacrificio de resurrección.

No hay competencia entre plástica y vida, hay contabilidad de fibras que deshilachar y después volver a tejer. En esas secuencias, tanto sumergidas como aleteando, la asturiana KELY trenza una levedad, un balbuceo de voz en el viento.

Y citando libremente a Guillén, diríamos que son fuentes que derrochan un manantial perpetuo con sus apariciones diamantinas. Por tanto, visibilidad que tiene la encarnadura de una naturaleza que a pesar de su negrura gris anhela siempre vestirse de gala.

Señalaba al principio que algo había pasado a ser otro, por eso mi mirada registró el acontecimiento como lo que siendo único e instantáneo en ese momento no se desdobla, no se aleja, retorna para marcar, dibujar una raíz honda, una escena entera, un caleidoscopio que depura lo físico, lo esencializa hasta cubrirlo de crisálidas nocturnas gravitando en temblores de espuma.

Estamos ante un trabajo que ha disfrutado del tiempo de la lírica, que es una exaltación de la tierra con otro son, con la memoria que acumula y persiste en la mirada como otra insondable encrucijada.

Sensor de aguas claras
Te necesitamos,
Donde tú habitas hay riqueza,
Manos entrelazadas, sueltas
A ritmo del caminar.
(José Luis Álvarez Vélez).

JAIME HERRERO (1937) / ES TODA LA VERDAD

2011-11-05T02:55:00.000-07:00

Todavía recuerdo, de joven en Oviedo, la inconmensurable impresión que me dejó la obra del asturiano JAIME HERRERO. Fue un auténtico impacto y me quedó como aquello a lo que se refería Malraux cuando sostenía que toda obra de arte, en suma, tiende a convertirse en mito.

Y si es cierto que cualquier creación está hecha a partir del gozo, incluso en el caso de que la melancolía, la duda y la angustia precedan al sentimiento de entusiasmo por haberlo conseguido (Denis Huisman), lo obvio y patente es que el artista, en la realización de su trabajo, no llegaría al final mientras que las pugnas y combates consigo mismo, con sus verdades y mentiras, con sus experiencias y vivencias, no consiguiesen el encuentro deseado, el que impulsa el trazo, la mancha, la deconstrucción a construir, la rabia, el brochazo en ese último momento de determinación.

En esas mil cobras que bailan, los fetos de formas antropomorfas se tiñen con la pasión vital y su contexto, expresan y acentúan un espíritu de fuego. Después, ya en otra fase posterior, son sueños negros que se vuelven semejante a su sombra.

HERRERO es un urdidor de dramas y hasta de farsas con unos atributos pictóricos excepcionales, que denotan un sentido personal e intransferible de la plástica de su tiempo, un entoldado lúgubre de existencias aferradas a la pesadumbre de espacios grises.

Además de que será siempre una muestra de una voluntad clarificadora de intenciones y fines, de imaginarios abiertos a la visita y al acercamiento, de sentimientos y emociones ligados íntimamente a la ordenación de un mundo pictórico a compartir, a pulsar y a seguir en sus ineludibles y necesarias manifestaciones.

Nada al fin. Y en el pecho,
Una angustia común
A todos, reunidos a orillas de la nada.
Este mundo del hombre está mal hecho.
(Jorge Guillén).

BERTO LARDERA (1911-1989) / LAS FORMAS PIENSAN POR MÍ

2011-11-03T04:15:00.000-07:00

La diversidad de formas en el espacio alcanza lo absoluto, constante que ya no nos asombra, cohabitamos con ella tal que si fuese un axioma. Y su geometría es esa capacidad para reinventar fórmulas imprevisibles, inagotables y fecundas.

Lo demuestra el italiano LARDERA con su obra elocuente, de formatos grandes, que plantada en la dimensión que le es propia nos permite acceder a un cosmos premeditadamente planificado.

Los acoplamientos y ensamblajes, las junturas muestran una pureza de líneas de todos los pelajes, caben sinuosidades, huecos, concavidades, senos, curvas, lo ortogonal, hasta cerrar un periplo que podemos catalogar de filigrana óptica y física, que busca obtener de nuestra mirada la expresión de un pensamiento reestructurador de su precaria finitud.

Es una propuesta plástica que no alardea en vano, en la que subyace una cimentación sólida, de equilibrio y magnitud serenos y persistentes, que reposan la concentración de esfuerzos y convicciones.

Y la noche está ahí -bajo el inmenso
Futuro, de temblor tan inmediato.
(Jorge Guillén).

K.R.H. SONDEBORG (1923-2008) / EL TRAZO ES IMPERATIVO

2011-11-02T04:24:00.000-07:00

¿Ha de liberarse el acto creador de todas las influencias del entorno y del propio pasado para garantizar la autenticidad de la obra? Esta pregunta que se hicieron algunos es ir demasiado lejos, es incurrir en una posición dogmática imposible.

Se insiste en que hay que reinventar la pintura porque los medios existentes se han vuelto insuficientes frente a las realidades nuevas. Tampoco es cierto, porque la verdadera pintura es una nueva propuesta en cada momento, en cada ciclo, ni siquiera las similitudes tienen una correlación estricta, son frecuentemente consaguinidades contrapuestas.

En el caso del danés SONDEBORG, su informalismo tiene la factura de mil demonios negros en movimiento, bailando sobre el blanco de la totalidad y vertiendo el rojo de una sangre no coagulada. Pintura esta que, como en palabras de Millares, es un suicidio constante y un continuo nacimiento.

Y de pronto, de esa dinámica incontrolable, surge una pareja helada que se ama entre tinieblas, aunque el artista se apiada y las alumbra antes de volver a encerrarlas.

El rojo cadmio y la naranja me dan la calidez
Del primario y secundario,
Tocan al color negro, neutro,
Un poco de amarillo delimita
Trastocando su línea homogénea,
Que al desplazar con gesto, la pincelada inserta
Y hace verde pardo.
Los laterales están saturados de gris claro.
(José Luis Álvarez Vélez).

OTTO PIENE (1928) / NUNCA SE APAGA

2011-11-01T03:30:00.000-07:00

Si la pintura fuese un modo de existir (Pollock), el alemán PIENE, que perteneció al Grupo Zero, nos condenaría de por vida, a través de su obra, a una luz del desierto. Y si es un modo de concebir, es mediante el humo y del fuego como conoceríamos la índole de nuestra sustancia.

Realización plástica y concepción idealista implica una transfusión mutua, es la luz la que fija y determina, la que lleva a una liberación total para reinventar el arte (Fautrier).

Es una singladura, evidentemente, en que la disolución y depuración crean una dimensión visual a la que entregarnos, en la que envolvernos, con la que explayarnos. Su intensidad ampara la nuestra, recoge el halo y lo expansiona hasta constituirlo finalmente como la esfera, como el anillo, como el círculo luminoso donde mostrar la emoción de la visión.

Del carbón que tizna la tela de la pulcritud
Surgen formas, bato el color,
Negro humo, marfil y azul ultramar,
Con el rodillo voy a por el trazo,
Tu línea es transversal.
(José Luis Álvarez Vélez).

ZDENEK PESANEK (1896-1965) / NI EN LA TUMBA PERDERÉ ESTAS VISIONES

2011-10-29T02:30:00.000-07:00

Si, al fin y al cabo, el alma no es sino nuestra capacidad para el dolor (Marina Tsvetaeva), hay otras visiones, tan inmensas, que exaltan otras condiciones de la dimensión física y científica. Nos detienen cuando estamos ante ellas, y después caminamos en otra dirección.

Y si Reinhardt, harto de escudriñar entre tanta megalomanía, negó toda función o significado al arte, en el momento en que contemplamos la obra del checo PESANEK volvemos a retomar la idiosincrasia de la magnitud constructiva, luminosa y visionaria.

Elementos que conjugan ciencia, técnica y el saber extraen -lo que está dentro (idea) está también afuera (forma), decía Goethe- cimentaciones plásticas en el espacio, o formas onduladas que rigen como una incandescencia a punto de invadir la respiración del aire, o el desnudo ignoto, enterrado y sacado como una raíz.

Conjuro de la materia, del objeto para ser una ficción visual, una referencia insólita en el contexto del arte. Unas secuencias que entrañan ir al futuro con el conocimiento, la epistemología de lo observado, de lo estudiado en un ámbito venidero, que aúna tecnología, experiencia, hábitat, percepción, artificio y una conspiración profética imbuida de un sentido ilimitado de la captación.

A dudar de esta luz ¿hay quien se atreva?
(Jorge Guillén?

YOAN CAPOTE (1977) / NO HAY PROPÓSITOS DE ENMIENDA

2011-10-27T02:04:00.000-07:00

Poliakoff insistía en que hay que otorgar al espectador el derecho de ejercer su imaginación, en lugar de obligarle a una interpretación demasiado precisa.

Dicho y hecho en lo que concierne al cubano CAPOTE y su obra, además de tener derecho a expresarse a sí mismo sin considerar la historia, la cultura, el estilo y la tendencia, como si todo empezase con su obra (Estienne).

Por lo tanto, del caos del sentimiento se obtiene imágenes que dan realidad a lo intangible, es decir, una especie de escritura personal sin el apoyo de cualquier forma conocida. Y si lo es, se hace la desconocida, fragmentándose o desdoblándose.

El núcleo de sus realizaciones dejan un nítido sentido de líneas físicas y mentales, de pensamientos que tienden a recrear un lenguaje a la misma velocidad que los vértigos de estas piezas, elementos de un orbe seriado y laberíntico. Mas la diacronía no remite sólo a acontecimientos, también incluye escuchas y penes cerebrales.

La agilidad visual e intuitiva que nos exige este trabajo se ve compensada por una raíz plástica que lo descubre como la estructura de un gnomo enjaulado en un bosque. Así que, insisto, cuando las formas son reconocibles, el conjunto no lo es; cuando son indicativas, hay que explorar su condición, colocación y definición. No existe una cohesión superficial sino intrínseca, buscada por cada vertiente, ajustada a la nomenclatura constructiva.

Confiado en la idea de que al comienzo no sabe lo que va a hacer, pero sí que lo que va haciendo le enseña lo que busca (Soulages), el hallazgo deviene afortunado y cuadra con el momento y su historia, con lo que esa especie de mazos en las murallas asomados al Caribe reciben la llamada del viento.

¿Y si ya no quedara entre nosotros
Más que civil abismo?
Abismo, sí, tal vez, de sol viviente.
(Jorge Guillén).

JESÚS ZURITA (1974) / TROPIEZOS INESPERADOS

2011-10-24T08:22:00.000-07:00

Se teorizó sobre eso de que los signos funcionan con mayor fuerza cuanto menos comprendidos son. Cuando se identifican, se agotan. Y entonces vuelta a empezar, a ocupar nadas presentidas en el plano, encarnarlas y significarlas.

Esa es la alucinación controlada del ceutí ZURITA, que tiene, con evocación modernista sopesada o no, una ensoñación del conocimiento pictórico, el mismo que trabaja en el soporte, en la tela o en la madera con la esperanza de que algo importante se manifieste (Baziotes).

Y sí, en esta obra se ha expresado y exteriorizado con donosura, incluso con elocuencia, mediante la enunciación de flujos, formas, pigmentos entre lo onírico y lo vegetal, lo incógnito y lo telúrico. Si hay más, probablemente llegará con idéntica oratoria de amor diurno y perpetuo.

La vertebración, aunque se resista y lo niegue, se alinea como una cartografía de vasos comunicantes, en tanto que la fisonomía de lo que ha tomado cuerpo, es y aparece como un don visual que nos proporciona la consumación plástica necesaria.

Abrevar en ella, en su desarrollo, en su escenario, que no acaba en el propio marco porque es como un árbol de luminosas raíces, constituye la señal más segura de un acuerdo entre enfoques y ficciones, entre ópticas y visiones que nacen cada día.

Entre muros y torres ved el aire:
Un aire de afluencias matutinas
Que también será ardor
Hasta por las penumbras y las sombras.
(Jorge Guillén).

SIMON HANTAÏ (1922-1966) / LOS PLIEGUES DE LA CARNE PICTÓRICA

2011-10-22T01:36:00.000-07:00

Son partituras de una biografía pintada, hechas a ciegas, con los ojos vendados, una pintura automática de la que el pintor es su comadrona. Son telas plegadas y desplegadas, en las que se imprimen y se graban galaxias, biosferas, fuentes aladas de la vida. Lo que conforma, según Gottlieb, el realismo de nuestro tiempo: la expresión de la neurosis, que es nuestra realidad.

Aunque Herbin atribuía a los colores un significado cósmico profundo, el húngaro, nacionalizado francés, HANTAÏ no rehizo ese concepto porque no le hacía falta, dejó que ellos se desplegasen en retículas, en cuadrados, en formas visuales que volasen, significasen luz, esperanza, obsesión, alegría, impudor de lo que es súbito y surge para entrometer, desear y no resignarse.

Y además, para que la irrupción cromática agarre ha de haber pasión, liberación y una honda conmoción. Por eso, el creador digno de tal nombre no le es posible traducir su ineluctable mensaje fuera de lo excepcional, el paroxismo, lo mágico o el éxtasis total.
Por último, otro apunte más: este artista renunció a exponer porque estaba convencido de que el mercado era la muerte del arte. A partir de ese momento sobrevino un "silencio retiniano".
Grosor de chapas lineales,
Matices de óxidos del tiempo, desagradecido,
Ardiente apetito.
El rojo brillante me hace casar bellos colores,
Polvo lo inservible, esqueleto de hierro,
Cabeza de uña, barra de color oro.
Respiro por tu hueco, chimenea.
Navego a la atmósfera, cenizas de disputas,
Disipa de la cabeza las nieblas, ópalos blancos.
Fría tiembla e irradia esplandor de rayas en el espacio.
Es tu presencia.
(José Luis Álvarez Vélez).

ÖYVIND FAHLSTRÖM (1928-1976) / ASUNCIÓN DE RIESGOS

2011-10-18T02:19:00.000-07:00

Estamos en un epicentro que parece moverse a nuestro alrededor, que nos entrega materiales y fenómenos que se escalonan, y fabrican un concierto de lecturas, de signos, hasta de cuentos que brincan por itinerarios desconcertados.

El brasileño FAHLSTRÖM tuvo que haberse aprendido aquello de que la tarea del arte no es satisfacer deseos, sean o no legítimos, estén o no determinados, sino realizar lo todavía no existente y lo imprevisible.

Y de este modo, se sirve de una o varias estéticas, la afín al pop entre ellas, las amalgama, las sitúa donde le place, vigoriza las imágenes resultantes, las asigna distintas presencias, sean o no figurativas, sean o no reconocibles, así la verosimilitud está en el conjunto, en su ceremonia organizada, en sus collages danzarines, impactantes, que transmiten sensaciones que vamos descubriendo.

La abstracción de base puede ser tanto geométrica como orgánica, el caso es que permitan y con ello hagan posible la rutilante fraseología del prestidigitador.

Quizás, después de todo, haya escuchado lo que manifestaba Konrad Fiedler sobre eso de que la importancia de los artistas relevantes está en que con su arte llevan lo nuevo a la consciencia cognoscitiva de la gente.

El mundo moderno ha inventado la acción para distraerse de la muerte (José Pla).

GYULA KOSICE / HEMOS CAMBIADO DE CIELO

2011-10-17T02:53:00.000-07:00

Como preámbulo hay que decir que ya Platón y Aristóteles entendieron el arte, la techné, como un puente entre la ciencia y la experiencia.

Y, después, a principios del siglo XX los neoplasticistas, los suprematistas, los constructivistas y los futuristas tomaron el conocimiento científico como la referencia básica para generar una nueva estética del hombre, basada en una formulación teorética proyectada en el campo de una acción espacial y cósmica.

Stelzer afirmaba que el arte nuevo viene del futuro y lo anuncia, que la actividad creativa se convierte en aventura, en experimento y que toda obra ha de ser innovación.

Al argentino KOSICE, cofundador del movimiento Madi, lo tienen como un precursor del arte cinético y lumínico, y lo cierto es que viendo su trabajo se perciben otros significados vivos en el espacio, arcos iris maravillosos y signos de escritura luminosos.

Con la utilización de medios de la técnica moderna las ficciones toman la singladura de un viaje lunar, explorador de sensaciones visuales que enmarcan una fecundidad saturada de luz y encuentros, de citas con la inmensidad ingrávida que empieza a ser desvelada.

Entonces, sí que es manifiesto que la huella del ver lineal es necesaria para la irrupción del ver que desordena y corta, que sueña y desnuda la órbita.

Verdad es aquel error sin el cual una especie no puede vivir (Nitzsche).

STARSKY BRINES (1977) / NO QUIERO SABER DE ADULACIONES

2011-10-15T02:05:00.000-07:00

Es ya un tópico insistir en que el argumento básico de la modernidad y de lo contemporáneo es una ruptura con los valores estéticos del pasado occidental (Moreno Galván).

Tanto es así, que el venezolano BRINES plasma su versión irónica, falsamente infantil y descorazonadora por la falta de confianza que le puede brindar un manual de dibujo, o de los horrores si se prefiere, pues tales reglas le incitan a operaciones caducas, que empeoran la forma de trasvasar los vestigios. Lo que hay que hacer es confinar los procedimientos, buscar las espontaneidades, las inocencias seniles que tienen veleidades virginales, los trazos gordos y monstruosos.

Por lo tanto, plantea una obra que bebe y se nutre en los escenarios visuales de la escuela, del barrio, de la calle, de los guetos. No la capta en toda su pureza, que sobra y no está suficientemente corrompida, sino que la ejecuta bajo una formulación concreta, derivada de una concepción de la plástica que adultera lo perdurable, que es lo que no se requiere de una realidad que grita de lo sorda que está.

Pertenecer sí que nos pertenece, comunicar sí que nos comunica, mas no es comida de hombre, es sospecha, eso sí, de hombre y de todo lo que se le parezca.

Amanece
Turbio.
¿Todo resurge en un suburbio,
En un martes, en un trece?
(Jorge Guillén).

ANA LAURA ALAEZ (1964) / PRÉSTAME TUS TOCADOS

2011-10-12T02:56:00.000-07:00

Dicen que esas fuerzas simbólicas llamadas deseos salen de la periferia del ser. En el centro no hay nada, ni espíritu ni sulfato de potasio.

En consecuencia, si en relación a la obra de la vasca ALAEZ ponemos juntos el mito y el logos, podemos estirar el argumento hasta situarlo en el infinito del centro, ya de la nada o del todo. ¿Quién da mas?

¿Alcanzaría la disputa los términos en que se produjo en el I Concilio de Toledo? San Elipando, el arzobispo, se dirigió a San Beato de Liébana llamándole borracho y farsante. Pero éste no se quedó corto y le replicó tildándolo de cojón del Anticristo. ¡Joder con aquellos Santos y con la autenticidad de aquella época! Ahora son más hipócritas.

¿Esta propuesta posmodernista, maquillada de diseño y marketing, se ofrece como aquello que se acaba? ¿Es todo lo que se termina? De ser así llegaría a ser innombrable excepto en lo del yo, en lo de que soy una artista que se pretende como un ego más que polisémico.

¿O lo único que quiere es encandilar, seducir, conquistar? ¿Así comienza el ejercicio de venderla? Entonces no es necesario comprenderla, con lo que supuestamente lo haga la secta más rica que puede comprarla ya es suficiente. Glamour y chillidos y dinero.

Y mal olor porque de todas esas piezas tiene que salir una fetidez creativa, una pestilencia que impregne al espectador, pues es así como ha de calar en su cuerpo, somatizarlo y después hacerlo víctima de una afección visual insoslayable. Lo propio, en tal caso, es una huida rápida para no contraerla.

Una abadesa quería desterrar del rezo lo que no sonaba bien:
"No digáis Domine meo, que es un término muy feo; decid Domine orino, que es un término muy fino".

RAMÓN AGOSTO "LAGARTO" / MI GRANJA

2011-10-11T02:29:00.000-07:00

¿Dónde he penetrado? ¿Acaso estoy turbando la paz de estos seres esqueléticos? ¿Quién mira a quién? Soy un extraño entre ellos, un organismo de piel, carne y sangre que no encuentra la verosimilitud que encarnan, esa distancia entre el yo y el tiempo, entre ésta y otras vidas.

Ante esta exhibición es cuando nos damos de cuán notoria es la sed omnisciente de lo contemporáneo, no puede haber parangón que se le resista, tiene que rebasar los máximos y escalar por los cementerios.

La visión de estos bufonescos entes nos ayuda a calibrar nuestros miedos, lo convencional de las propias premoniciones, la sensibilidad respecto a la naturaleza visual de lo que nos angustia. Y también a determinar la espesura o ligereza de lo teórico, el imaginario que idea, conforma y refunda una nueva tesis sobre el alarde estético, la introducción de otro tipo de alegorías y mundos de incubadora.

Por último, si nos centramos en la anécdota podemos afirmar que la obra del portorriqueño AGOSTO obtuvo su pequeña gloria: uno de sus especímenes mostrado en un pueblo de Jayuya causó tal auténtico terror que sus habitantes creyeron que había aparecido el "chupacabras".

Y por la carne acude el alma y cesa
La soledad del mundo en su lamento.
(Jorge Guillén).

¿A QUIÉN VOY A ESCANDALIZAR?

2011-10-06T03:03:00.000-07:00

Raúl Eguizábal ofrece una magnífica síntesis sobre una cuestión muy debatida:
"El artista sufre, sin saberlo las más de las veces, su propia crisis: la que surge de una absoluta contradicción entre su identidad, entre una autoimagen heredada del Romanticismo (como elemento que se opone a los poderes dominantes) y una situación confeccionada de los mercados, de los massmedia y de las modas. Al igual que de los políticos, de los artistas ya no esperamos más que el que nos diviertan con sus astracanadas".

En el caso del filipino CRUZ, la transgresión es un correveidile sin mayor trascendencia que la que él cree que es. Una simbología religiosa a la que se pone a prueba con marchamos escatológicos, y cuyos significados obtienen la impostura de significantes. ¿Qué es lo quiere remarcar? Que la figura de Cristo asumió la condición humana. Con ello no descubre nada nuevo, pues ya lo dijo San Pablo: "Cristo se ha hecho pecado".

Y además para que una instalación de estas características tenga el éxito de las lenguas ofendidas y alborotadas, han de mostrarse y exhibirse los dichosos penes. ¿Qué haría sin ellos? Son los únicos que sirven a estos fines seudosemánticos.

Pero lo superficial y banal carcome todo el edificio que se considera ingeniosamente levantado. Es un nihilismo gotoso, sin ferretería ni ideario estético, una acumulación grotesca, leprosa, hambrienta de una efímera gloria y de un concepto átono y estreñido.

Si hay un componente de lo contemporáneo o posmodernista desde hace siglos, ese es el faraón Menopto, rey de Egipto en el siglo III antes de Cristo, que, tras vencer a los sirios, ordenó mutilarles, reuniendo así trece mil miembros como trofeo de guerra. Un fascinante museo, aunque demasiado formalista, diría yo.

CARLOS GARAICOA (1967) / NO HAY DIFERENCIAS ENTRE INTERIORES Y EXTERIORES

2011-10-04T02:53:00.000-07:00

En estas instalaciones del cubano GARAICOA no sabemos en qué tipología de lugar nos encontramos cuando estamos en medio de ellas. Reina la construcción en sus aspectos más centelleantes y una luz incisiva se introduce como parte básica de un hecho que está esperando ya la última determinación: su asentamiento y ocupación.

Las condiciones, fijadas en una escala de lo posible utópico, están dadas, precisadas en su composición y organización, en sus estructuraciones visuales, en su constelación gravitatoria, tan crudamente impensables como físicamente accesibles.

Plásticamente conjuga las dimensiones requeridas para el logro de una definición visionaria, prototipo de espacios aptos en orden a una realidad que pueda vivirse, madurada tanto en sus perspectivas como en sus combinaciones.

Por tanto, una plasmación rica en significantes que arrastran significados consecuentes sobre la integración artística de materias, planos, ideas, modelos y tesis vertebradas e incitantes.
Honda acumulación está por dentro
Levantando el nivel de una meseta,
Donde el presente ocupa y fija el centro
De tanta inmensidad así concreta.
(Jorge Guillén).

JOSÉ BEDIA (1959) / ¿PARA QUÉ ESPERO?

2011-10-01T02:26:00.000-07:00

Es un mundo de símbolos, de redes y bucles de retroalimentación, de conexiones e interacción, cuyas fronteras se esfuman, donde todo lo sólido se desvanece en el aire (Jeremy Rifkin).

Es un planeta de atávicas creencias, de fes heredadas al servicio de dogmas o intercesiones que no imparten la gracia, únicamente la consumación del sacrificio y la sangre.

Conforme a esos términos se confabula la leyenda, se erige el rito, se postula la gracia, que el cubano BEDIA concibe como una alquimia plástica y una síntesis evocadora y convocada a un festín de sombras.

Las cualidades intrínsecas y extrínsecas de su obra son la constatación de que las superficies han de utilizarse para grabar esa señal que nos permite afrontar una realidad formada para la liturgia y la ceremonia, que no son triviales y aparentes sino consustanciales a las visiones íntimas y deliberantes.

Por eso, ha de conciliar la esquematización y estilización precisas que le dé licencias sobre como aproximar los relatos de antaño, como estrujarlos hasta la consecución del éxtasis liberador. Lo que hace sin parsimonias, con el imaginario dando vueltas y adelgazando las trascendencias innecesarias.

Un artista que no entiende de rodeos y que se apoya en historias que le conciten imágenes de memorias insepultas, las mismas que cuentan los muros de una piedra secreta.

El planeta invisible
Gira. Todo está en curva.
Oye ahora la sangre.
Nos arrastra una altura.
(Jorge Guillén).

ASHLEY BICKERTON (1959) / ¿QUIÉN QUIERE VERME?

2011-09-28T02:40:00.000-07:00

Muy repetido eso de que el color es el sufrimiento de la luz contra la oscuridad, de que se revela y se modifica en esa pugna. No se habla, eso sí, ni de vencedor ni de vencido, porque no los hay, es una síntesis que al fin y a la postre engrandece a los contrarios.

Pero en la obra de BICKERTON, nacido en Barbados y residente en Bali, miembro del movimiento Neo-Geo (su perfil lo dejo a la imaginación del lector), el color es una seña de identidad que abarca un hemisferio, atolones, mares y todo lo que quepa dentro.

Para este artista lo exótico es condición milenaria, antropológica, étnica, un compendio que brota de una forma de vida en un hábitat tan interrogante e inexpugnable como planetario.

Es como si hubiese dado realidad a una fábula que de lo exotérico nos trasladase a lo ancestral, después a la ficción, bajando por la mistificación cromática y subiendo por su antítesis visual. El campo figurativo siembra el caldo creyente, el ídolo y la confluencia pagana. Nadie es capaz de dar más.

Como divertimento es tesis, como fenómeno pictórico y escultórico es un cuerno de la abundancia , como plástica es una concurrencia de espíritus convidados y en trance.

El mundo tiene cándida
Profundidad de espejo.
Las más claras distancias
Sueñan lo verdadero.
(Jorge Guillén).

BILL WOODROW (1948) / ESTOS SENDEROS SON MUY AGRESTES

2011-09-26T07:44:00.000-07:00

¿Quién dice que no hay que deshilachar los espacios, que no se pueden volver a roturarlos con otras aporías visuales? Da lo mismo que sean aporemas, teoremas, anatemas, apologías, lo esencial e irremplazable es que el desfile ocular agote delirios, fantasías, ficciones, imaginaciones y alucinaciones.

En la obra del inglés WOODROW se dan todas las características de un hacer con una visión transgresora, iconoclasta, abierta deliberadamente a la diacronía de las miradas. No rehúye emociones insólitas y dadaístas en sus construcciones, sabe perfectamente que hay que estimular el desafío iluminado, la luz que despierta ecos de oscuridad en la lucidez, temores cabalísticos, sortilegios e intrigas.

Convivir con tales creaciones no deja un estrecho margen, al contrario, se suceden confluencias y divergencias, separaciones y aproximaciones, colisiones y armonías. Necesitamos deambular alrededor de ellos, convertirlos en nuestros espejos trotamundos, perezosos, vagos, investirlos de nazarenos para que nos den su bendición y así poder transformarnos en ellos.

Quiero mi ser, mi ser
Íntegro. Toda el alma
Se ilumina invocando
Las horas más cantadas.
(Jorge Guillén).

ORLANDO ARIAS MORALES (1954) / FRAGUANDO ESPACIOS

2011-09-24T02:07:00.000-07:00

Escribía en el 2007 que el boliviano ORLANDO ARIAS tenía un gran talento para armonizar y ensamblar, así como como para la recreación de espacios donde nunca se agota la mirada. Y es que la plasticidad y la esponjosidad de su obra subyugan la forma y el fondo de la materia hasta que ésta logra hilvanar un caudal de realidad de algodonosa ficción, que resurge entre tramas cromáticas que flotan y sintonizan con la luz tamizada de un remanso henchido.

Más no es sólo eso, son también sus autómatas urbanos construidos como la representación de una metrópolis que irradia fulgores, rayos, fosforecencias cuyos logotipos remarcan la condición de personajes arquetípicos de la visualidad contemporánea.

Aunque el artista regrese a sus tierras americanas, ellas nunca lo abandonaron, formaron su identidad pictórica, ese hacer cargado de sensibilidad a la luz-color, al encuentro de hechuras genuinas que continúan allí a la espera, arraigadas, depositadas como cábalas.

Y es que su lenguaje posee una transparencia neta, sin dudas y vacilaciones, entendiendo que puede tomar cuanto le convenga -figuración, geometría, abstracción- porque las cuestiones estilísticas ya han sido afrontadas, superadas y resueltas con solvencia. Por lo tanto, esa intemporalidad perseguida conforma su trabajo sin dejar de persistir en su voluntad de agarrar el instante preciso en que se derrama y vacía.

Está haciendo todo lo posible por desprenderse de su obra reunida aquí, en Madrid, y si bien no es el momento idóneo por todas las vicisitudes que conocemos y padecemos, sí merece el esfuerzo de gran ayuda y también de oportunidad. Y la seguridad del no arrepentimiento.

El mundo tiene cándida
Profundidad de espejo.
Las más claras distancias
sueñan lo verdadero.
(Jorge Guillén).

HANS BALDUNG GRIEN (1484-1545) / ¿QUIÉN PINTARÁ LA ALEGORÍA DE MI MUERTE?

2011-09-21T10:33:00.000-07:00

Yo soy un ser mudable, vivo en una urbanización, tengo mi coche en leasing, compro on line, recibo software gratuito, sólo presto atención unos instantes, no reflexiono, soy espontáneo. Pienso en mí mismo como un intérprete y me considero un creador.

En un mundo donde el trabajo es flexible y temporal, mi vida está sujeta a mudas y estados provisionales. No busco ideologías sino sensaciones terapeúricas y me defino más con imágenes que con palabras. Aunque soy experto en el proceso de datos electrónicos me juzgo más emotivo que racional.

El centro comercial es la plaza pública en la que tiene lugar mi soberanía como consumidor y como expresión democrática. Mas no creo en las personas sino en los personajes de ficción (de televisión, cine, ciberespacio), en los vínculos de las páginas web, en una participación de la realidad más sistémica que lineal y objetiva.

Veo el mundo como un escenario, me voy reconstruyendo con el estilo y la moda y experimento y busco la innovación. He accedido a un mundo de redes, portales y conectividad. Si me desconecto muero. Amén.

El alemán BALDUNG, desde la ultratumba, me musita con su voz fría, casi helada: me necesitarás para que el momento de tu muerte sea el anuncio más y mejor pintado, sin envases ni marketing, sin experiencias de vida mercantilizadas, sin hiperrealidades que no vas ya a necesitar. De acuerdo, le replico, pero que no duela.

HUMBERTO VIÑAS (1963) / TRATO DE HUIR Y SIGO SIN MOVERME

2011-09-20T02:00:00.000-07:00

En el cubano HUMBERTO VIÑAS el cielo es un ciego con muchas lunas que no ven lo que hay debajo. Y el guerrero, de aires greco-latinos, ya no se ubica en su forma ni en la realidad de su pensamiento.

Además se esconde en un arlequín relamido (escapada a la vieja tradición de la commedia dell´arte de Arlequín y Pantalon) que no sabe que en el firmamento de la isla es un espejo de la nada. Y también le gustaría ser ese payaso músico de colores lívidos y tocar la diana, caminar por El Malecón así vestido, a la búsqueda de princesas mestizas de enormes cuerpos que no estuviesen todo el día con las jaculatorias atravesadas.

Toca esas paredes agrietadas, informales, y no reencuentra lo que nunca ha perdido a pesar de su penetratante olfato cromático. Le han quitado las alas que no tenía y ya no vuela. Su obra no se mira y él se está quedando invidente de tanto escuchar sus quejas, porque ella quiere salir y conocer, comunicarse y vivir sin el agobio del sobrevivir.

Así que opta por no sufrir más que lo elemental, seguir pintando y cavilar lo de que al pintar le ha sido concedido el atreverse siempre a todo, tal como lo afirmaba el gran Horacio.

Mientras yo resistía
-Bajo mí mismo oculto-
Negándome a presente,
Contando por segundos
De error aquella torpe
Lentitud en pasar.
¿Qué hacer? Mis soledades
Se erguían contra el mal.
(Jorge Guillén).

BRUNO PERRAMANT (1962) / BAILE DE FANTASMAS

2011-09-17T01:27:00.000-07:00

Parece que nos estuviesen aconsejando siempre que hay que desandar lo andado, que las vicisitudes de lo aparecido, aunque estén ocultas, proyecten su signo desde muros y paredes.

No en vano el francés PERRAMANT les da salida, les invita a acercarse, no sin cierta ironía, y les muestra con la cadencia que les es más propia:la humana.

Y si bien estas manifestaciones han adquirido en estas obras un resplandor febril, casi prodigioso, fascinante en su concreción plástica, no por ello ha desaparecido el sentido enigmático, que es el principio y fin de una imaginería en que lo fantástico se yuxtapone con los significados del temor y la angustia. Vigor y humor de muerte, esa que nos acompaña, besa y nos duerme.

Una pintura que encara miradas y situaciones, actitudes y encantamientos, que depura lo que espanta y viceversa.

Sin cesar con la móvil
trabazón de unos vínculos
que a cada instante acaban
de cerrar su equilibrio.
(Jorge Guillén).

ANA MENDIETA (1948-1985) / PISO 34

2011-09-14T02:46:00.000-07:00

Fumaroli no da tregua:

"Haberse vuelto ya, en el medio del arte contemporáneo, capaz de mirar lo horrible, lo innoble, lo asqueroso como algo más que bello, es haber pasado la prueba que permite entrar en el "sanctasanctórum" de las elegancias del nihilismo contemporáneo".

Cierto pero estremecedor. Y más cuando nos enfrentamos a los perfomances de la cubana MENDIETA, cuyas premoniciones parecían augurar su fin, siendo aún muy joven, al precipitarse desde un piso treinta y cuatro en Nueva York.

Es una biografía que enlaza en lo más íntimo y creativo con las prácticas y ritos religiosos afrocubanos (la cuestión del sacrificio, la sangre, el cordero jamás olvidados, la faceta de un cristianismo que toma raíces de un paganismo primitivo), la vida y la muerte, los restos humanos, la tierra como la madre primigenia y absoluta. Mas un encierro escatológico en las entrañas reviste limitaciones obvias si se formula en el medio artístico con tal acritud y destemplanza.

Pensando en que sus procedimientos son una antítesis de lo sagrado conocido, el hecho plasmado en sí no gana su adecuación estética, únicamente altera, irrita, repugna, asombra, provoca y suma adhesiones. Tiene capacidad para estar pero no para poseer la dimensión del ser, y por debajo el tufillo teatral es claramente ostensible en su aspiración posmoderna brutal, reacia a salir de ese cuestionamiento de lo plástico por considerarlo engañoso y ruin.

No obstante, no hay que escatimar la autenticidad de su esfuerzo, la trascendencia del exceso que devino una realidad consumada, ni el sentido de hallar y abolir los márgenes en busca de una renovación de sensibilidades.

Con ella convertida en cuerpo y alma en su propia obra, avistamos la ultratumba de cerca aunque su inspiración sea estéril y el presagio pestilente.

Tétrico, alegre de ver su majestuoso trazo
descansado sin urdir.
Línea oblicua, patas delanteras hacen
tándem en forma de perspectiva,
da profundidad la señora observando el buey.
Con amarillo hay muchos trazos, la luz tu relieve,
rojos combinados con fondo oscuro,
moblaje, maderas fusionadas con el fondo
dando expresionismo al buey, que es tu principio
de un camino con impronta.
(José Luis Álvarez Vélez).

WALTER DAHN (1954) / VIGILIAS CON PAN

2011-09-12T02:10:00.000-07:00

Le decía Sócrates a Platón en Fedro:

"Los seres que engendra la pintura se mantienen de pie como si estuvieran vivos, pero cuando se les pregunta permanecen revestidos de su dignidad y guardan silencio".

Sin embargo, si se trata de un joven salvaje de los años 80, el lenguaje que preconiza la figuración es grotesco, burlesco, gamberro, deparador de ámbitos sombríos. Y cuando se remite a otro ilusionismo, se enreda en rimeros cromáticos y en referencias geométricas lúdicas en espacios predecibles.

Es la razón de proferir gritos porque se han consumido las exclamaciones, de vocear porque ya está todo articulado y ensamblado. Mientras ejecuta y desliza, deja de contar con el significado, que se abre sitio a trompazos, alegando que lo que es se queda por el camino o ya es demasiado.

Al alemán DAHN no hay que buscarle blancos, los tiene en multitud y dispuestos al derribo, sin que ni siquiera uno haya de sobrevivir sano con una escopeta tan pródiga y certera. Ni suerte hay que desearle, la conserva bien atada y transcrita.

Hay en tu campo las ovejas más limpias.
Se visten con festones,
hablan de trabajo, risa en los labios,
degustándose la boca, langosta en el estómago,
cheques oro en el traje,
guardián a la orden del día.

Os he dado las cartas trucadas,
os he dado derecho al pataleo,
hombres y togas corruptas.
Parados desconsolados, hombres sin futuro,
vuestra papelina: ir a fichar en una rifa imposible.

Marionetas de papel impreso,
carne de cañón, no piensan en vosotros
y ahí os pudráis en las calles saturadas de desconsuelo,
con lo deshumanizado. Es el principio y fin de toda muerte.
(José Luis Álvarez Vélez).

LEÓN FERRARI (1920) / ¿QUIÉN ACUDE EN MI AYUDA?

2011-09-10T01:51:00.000-07:00

Jorge López Anaya nos explica que la obra de arte se convierte en un texto, un "tejido" formado por la escritura del autor y la interpretación activa de los espectadores. El nacimiento del espectador comprometido en la producción de significados es siempre a costa del autor.

Si bien puedo estar de acuerdo con tal apreciación, no pienso emplear tal ayuda en la consideración de la obra del argentino FERRARI, valorado por el New York Times como uno de los cinco artistas plásticos vivos más importantes del mundo. Su patrocinio es él mismo en la medida que conforma su posición en función de realizaciones que postulan citas con el reverso de tópicos o los inversos simbólicos.

Se trata de configurar las vueltas con las revueltas, ya sean ideológicas, estéticas o culturales. Que la retina, después de la estupefacción, retenga y coopere, deje sentir la inspiración de lo que le han transmitido y tome la calle que más prefiera.

Sin incurrir en un pregón, con perdón de tal osadía, es lo propio implicarse en la lenta agonía de una fantasmagoría que bajo una supuesta alucinación encubre visiones rotas, agotadas, enojosas, cocidas conforme a un espíritu de provocación errático que no se cansa de probar.

Estímulos no le faltan, las alarmas se ilusionan con la abundancia de sonido, la teatralización es un caballo en lontananza que cuando se acerca es un mendigo paulatino que cojea sin saber andar. En fin, hay que verlo, contextualizarlo, descontextualizarlo, invocarlo, desconvocarlo o volver a consagrarlo, lo que sea con tal de que este ayuno no nos persiga con la visión pelada cuestas.

Blancas páginas en nubes irritadas de colores,
un blanco gusano azul plateado,
la plata es negra como tu noviembre,
el rojo es amarillo como álgidos son tus arrebatos de fuego.

Decoraciones a la llama del viento húmedo,
a la luz de tu fusión,
al negro de tu resplandor,
a la sequedad.
La niebla en rocas, vidrios en líneas de aire helado,
arde en ráfagas de viento en mi pensamiento
la indiferencia, es soledad del tonto.
(José Luis Álvarez Vélez).

WILLIAM COTTON (1965) / A CHUPAR

2011-09-05T01:55:00.000-07:00

La banalidad entra en la concepción artística por una puerta y se niega a salir por la otra. ¿O es que el equívoco surge de la ambigüedad de combinar en la pintura erotismo y pastelería, decadencia y mal gusto?

Tampoco es cuestión de irnos muy lejos, sólo al rococó francés y sus posteriores epígonos, por eso de hallarle unas excrecencias que, la verdad sea dicha, no necesita, las lleva consigo. De todas formas, lo que hizo el norteamericano COTTON es ponerlo al día y endulzarlo.

Después de tanta asquerosidad y abyección, ya le tocaba a la repostería, la bollería, la confitería y la panadería. Y si a eso añadimos esos cuerpos embadurnados, los lameteos o lametones son de hartura total.

No obstante, para el observador es una frustación ver tanta fragancia, dulzura, sabor y piel rozagante y no succionar el éxtasis correspondiente. Únicamente la mirada queda convulsionada, casi "orgasmizada", entre espasmos atacantes y perplejos. O absolutamente lo contrario, repugna tanto empacho carente de una autenticidad estética o de una verosimilitud plástica.

¿Dónde extraviarse, dónde?
Mi centro es este punto:
Cualquiera. ¡Tan plenario
Siempre me aguarda el mundo!

(Jorge Guillén)

ANTONIO LÓPEZ (1936) / LA PINTURA ES UN DESCUBRIMIENTO

2011-09-01T08:47:00.000-07:00

Creo que Fumaroli no se estaba refiriendo al español ANTONIO LÓPEZ cuando señala que en neofrancés se llama ¨plásticos" a unas personas que han colgado los hábitos de todas las artes, con la pretensión de subvertirlas todas a un tiempo, sin saber ni dibujar, ni pintar, ni esculpir, ni bailar, ni cantar, ni dar un paso, ni actuar...... Ni mucho menos. Él y su obra en sí mismos son el propio concepto de arte, sea clásico, moderno o contemporáneo.
- Pero además es que cada cuadro o escultura refleja un acontecimiento único, un suceso extraordinario, un hecho a través del cual sentimos la fuerza expansiva del sentimiento plástico en un contexto exclusivo, en una síntesis de tiempo, memoria y creatividad. En esta segunda retrospectiva en el Thyssen de Madrid se reconstruye paso a paso una sabiduría lenta, que ha madurado plena y paulatinamente, que opera sobre la mente y el ojo como un bisturí, sin acudir al desperdicio de lo que sobra o de lo que está de más.
  - Trabaja con la realidad de una urbe que se descubre a sí misma, que se habla, sufre, se confiesa, ensucia y no pide la bendición porque está levantada con una dimensión humana que se transparenta en su soledad. El artista tiene esa capacidad para acertar con la materialización justa de ese imaginario, enriqueciéndolo con una reflexión pictórica que se alarga durante decenios. Ahí reside su finalidad, ya sea buscada o hallada, o las dos al mismo tiempo.
    - Casi diríamos que su oficio es desmesurado en su virtuosismo, atemperado por un talento excepcional que impone un sentido, una dirección, cuyos términos avanzan etapa por etapa, capa por capa, y conforme a perspectivas que se abren para buscar otras. Una visión poética que enlaza finitud e infinitud, tiempo y escoriación, duración y corrosión, vida y muerte. No se deja nada.
      - Le digo a mi hermano cubano Humberto Viñas que si ANTONIO LÓPEZ viviese en La Habana pintaría El Malecón miles de veces. Te equivocas, me dice, no se lo permitirían, agrietaría demasiado los muros, se detectaría la corrupción que los empuña en el barniz de su retrato.

DANIEL SPOERRI (1930) / BODEGONES PARA COMER

2011-08-30T06:16:00.000-07:00

No sé en qué lugar he oído lo de que a mí lo que el artista traiga de su viaje de exploración no me asusta. Y además no puede conseguir esa intimidación si la sensibilidad imaginativa está sincronizada y acorde con los nuevos artilugios visuales.
- Sí es cierto que en toda tentativa de traducir a palabras el enigma inextricable de la creación artística se da un carácter ambiguo y equívoco, lo que ya he comentado en anteriores ocasiones. Y también, y ya es una acotación inédita, lo de que un gran pintor está autorizado a retomar la tradición después de haber hecho la revolución, que no es más que la búsqueda de su propia realidad (Elie Faure).
  - Por consiguiente, expresados esos preámbulos en referencia al denominado "nuevo realismo", la obra del suizo de origen rumano SPOERRI es paradigmática, por sus bodegones trampa, su mal calificado arte para comer, su penetración y conjugación insidiosas, el centelleo de lo efímero antes y después de su consumo, su proceso organizativo, su soporte máscara de lo que nos nutre, su rebelión al colocar en vertical lo que no tiene otra conciencia que lo horizontal, su intención plástica en un contexto ajeno a ella, en definitiva.
    1. Comoquiera que los bodegones son puros reflejos visibles y táctiles, que desprenden olor, sabor, cultura y pathos culinario, podemos hacernos ahora eco de su lamento al no poder ser entes a desaparecer invocando su destino, al estar condenados a una presencia sin comensales, sólo espectadores, y a una exhibición extraña a su naturaleza, su constitución física. Hay una estética evidente y determinada en la manipulación de lo empírico y en el objetivo de destrucción de su significado, pero en todo caso comamos, que la cena está a punto.
      - Después de que El Malecón nos diese su permiso, llevamos al muro mi hermano Humberto Viñas y yo un bodegón. No nos dio tiempo a posarlo, en un instante los utensilios y los alimentos había desaparecido. Les deseamos la mejor de las venturas.

CARLOS MÉRIDA (1891-1984) / RAÍCES QUE ATRAVESARON EL CORAZÓN

2011-08-21T01:02:00.001-07:00

¿De qué sirven las ecuaciones en el arte? Pues de tener que cargar con ellas, veces más, veces menos, y estén despejadas o no. Aunque la más notable es la referida a objetos más galerías más salones más museos más coleccionistas más ventas más especulación, sin olvidarnos de premios, ferias y fiestas de guardar.
- Pero centrándonos en el guatemalteco MÉRIDA, que no es ninguna ecuación, hemos de decir que él sí ha encontrado los símbolos adecuados y les ha dado una forma convincente. Y es que su fórmula plástica recopila la idiosincrasia constructiva y la hace moverse en la dirección ancestral, aborigen, autóctona de un subcontinente hasta ahora olvidado y despreciado.
  - Desde este sentido eclecticista, la raigambre convierte el pensamiento, la intuición, el sentimiento y la sensación en una obra de manifiesto impulso creativo y también en producto de solera, pasión y abolengo.
    - No es que nos vaya a descubrir increíbles mutaciones, inalcanzables estratosferas, no, no es eso, es que sencillamente nos revela que una iconografía con las maneras cimentadas, bien organizadas y conformadas depuran la gracia y el rito heredados, sus creencias y sufrimientos.
      - Los signos son reconocibles y a pesar de ello nos hablan de lo desconocido, de los tiempos remotos, guerreros y cultos, de los orígenes de una civilización y/o los mecanismos de su destrucción.
    - Atendiendo a lo que se ve, es una labor de recuperación, de rescate de presencias nuestras que nunca han tenido redención, lo máximo una convalecencia de lavado de imagen con funeral cantado.
    - Llueve sobre El Malecón y mi hermano Humberto Viñas aprovecha para hurgar en los huesos que traen las mareas. Piensa hacer con ellos un museo bajo tierra y no cobrará entrada. Amén.

ANDRÉ MINAUX (1923-1986) / HUIR DE LO AMORFO

2011-08-12T06:41:00.000-07:00

He de reconocer que tomo de los especialistas únicamente aquello que me interesa, tal es el caso, ya repetido en este blog, de Herbert Read, el cual declaró que las imágenes de los artistas son ante todo formadoras, es decir, que le confieren una forma definida a lo que era amorfo; son cristalizaciones de intuiciones mentales fluidas; materializan lo inmaterial, lo inmaduro, las orientaciones meramente sentidas y localizadas de la experiencia sustancial.
- Efectivamente, el francés MINAUX es el cultivador de una síntesis que por sí sola conforma un modo de vislumbrar, de acceder a esa experiencia que delimita al artista, lo que le hace ser de la forma plástica que al final es.
  - Nada de bellezas buscadas ni sentidas, nada de rasgos excelsos ni metonimias. La representación goza con su propio sentido de lo que aparece, con su significado alcanzado, con la rotundidad de una coloración que difumina o avejenta y a la que no hay que exigirle más. Pues sonoriza la pasión de lo que no precisa tanta contextura y revela dominios y tramas que remiten a la ilusión de mirar lo que no vemos.
  - Cuando hay claudicaciones hacia otros derroteros, la magia permanece y alienta al taumaturgo y entonces se baña en su caudal hasta la hora de cierre. Mañana será la aventura de otra espera.

ARNALDO POMODORO (1926) / EL ORDEN DE LAS MUTILACIONES NO CABE EN MIS CUERPOS

2011-08-09T01:44:00.000-07:00

Si buscamos el paradero de otros conglomerados de monolitos, no tenemos más que preguntárselo al italiano POMODORO, aunque él no creo que nos aclare que su intención era que esas efigies funcionasen como intrépidas reminiscencias de un ideario que pretendía ser omnisciente.

Sus superficies están horadadas, los tajos abren oquedades, interiores o dejan grabadas las heridas ordenadas, geométricas de civilizaciones supuestas o de culturas que se amparaban en esos ídolos para renovar sus teodiceas.

Dentro de la esfera la tierra oculta su naturaleza aunque no le sirve de nada, la pirámide comunica su tiempo nuevo y los baluartes las muecas de sus defensas conquistadas.
- Es una obra cargada de connotaciones, fuentes, mitos y referencias, centrada, asimismo, en una plástica que conjuga el misterio y finalidad artística, lenguaje y sensibilidad panteísta de una humanidad que lo necesita para vivir.
  - La misma necesidad de unos artistas que nos sugieran continuamente nuevos símbolos de la realidad que reflejen estos cambios (Herbert Read).
- Valles sin lindes, mares sin riberas,
- cavernas, bosques densos y titánicos,
- montañas que a los cielos desafían
- y hunden la base en insondables lagos,
- en lagos insondables siempre mudos
- de misteriosos bordes escarpados,
- gélidos lagos, cuyas muertas aguas
- un Cielo copian tétrico y extraño.
- (Edgar Allan Poe).

EVA AEPPLI (1925) / LA INFELIZ RAZÓN DE NO CONVERTIRME EN NADA

2011-08-03T02:54:00.000-07:00

Silencio de nieve por doquier, las campanas están tocando a rebato, mas es lo mismo, las plañideras y ceremoniosas criaturas se han plantado en el hogar de nuestro imaginario y conducen tan pronto nuestros rezos como proporcionan diana a nuestras andanzas.
- Lo peor no es su hermética configuración y compostura sino la insondable forma de inmiscuirnos en ella. Cabe su hechura de símbolo durmiente pero en su seno se despereza una formulación antropológica que obliga a la razón plástica a descubrir su propio signo sin respuesta.
  - En cuanto la suiza AEPPLI, autora de estas piezas, dé por acabadas las mismas, los espectadores nos adentramos en la visión de una cosmogonía tan incrédula como fiel seguidora de una sumisión a la tragedia y al drama de una concepción épica, aunque bien desprovista de sintagmas grandilocuentes.
    - No hay motivo para asustarse. Y no lo hay porque es la propiedad de un fruto muy bien imaginado y articulado, donde la emoción infiere y no se originan pérdidas causadas.

MIKE SWANEY (1978) / EMULACIONES Y SÍNDROMES

2011-07-25T03:15:00.000-07:00

Vamos a contar un cuento tan grande que no quepa en el espacio ni en el tiempo. Vamos a vivir de narrarlo tantas veces y en tantas ocasiones que no haya forma de recuperar su origen y comienzo. Vamos a hacerlo nuestro, cobijarlo entre nuestras sábanas y dejar que nos colme.
- Si lo habitamos y permitimos la fluidez de su decoro, que sea como un collage que capte idiosincrasias de color sustituyendo habitaciones vacías. Si va a pertenecernos, que sea a caballo entre los ensueños y las elucubraciones. No queremos más si de los que se trata es de ir hacia menos.
  - El canadiense SWANEY, en su obra, aparece como un analítico que se pierde a lo largo de ella en su expresión, pues proyecta, siente, imagina y sueña. Tiene capacidad para que la fantasía de su trabajo sea nuestra compañía, informe nuestra percepción, la de espectador y la de inquisidor de nuevas imaginerías que nos remitan al acontecer de un ciudadano huérfano.
    - Juega con nuestras ensoñaciones de infancia, con nuestros repertorios de misterios por pintar y crear, construye desde las distintas dimensiones de la realidad, una para ti, otra para mí y otra para aquél. Juntas conciben la unidad esencial de lo que se representa como ensayos de la percepción hambrienta carente de adhesión. Necesitamos otra vez los duendes, los elfos y los gnomos para acabar con el insomnio.
      - Enigmas son y aquí
      - Viven para mi ayuda,
      - Amables a través
      - De cuanto me circunda
    - Sin cesar con la móvil
    - Trabazón de unos vínculos
    - Que a cada instante acaban
    - De cerrar su equilibrio.
    - (Jorge Guillén).

CHRISTIAN YAMAO / NO ESPERO AL INVIERNO

2011-07-24T04:11:00.000-07:00

De las palabras de Bossuet a la obra y personalidad del argentino YAMAO:

"Soy pintor y escultor; tengo mi arte, mi proyecto o mi idea; tengo la elección o la preferencia que concedo a esta idea por un amor especial.

Tengo mi arte, mis reglas, mis principios, que reduzco en la medida de lo posible a un primer umbral único, y es por ello por lo que soy fecundo. Con esta regla elemental y este ingenio fecundo que constituye mi arte, concibo de mí un cuadro, una estatua, que en su sencillez es la forma, el original, el modelo inmaterial de lo que ejecutaré en la madera, en el mármol, en la tela donde colocaré todos mis colores.
- Me gusta ese proyecto, esa idea, ese hijo de mi pensamiento fecundo y de mi arte inventivo. Y todo ello se mantiene junto e inseparablemente unido en mi espíritu, y todo ello en el fondo es este espíritu mismo y no posee otra sustancia; y todo ello es igual e inseparable".
  En resumen, el trabajo este artista es fruto de una concepción entre oriente y occidente, la encarnadura de una impronta que ruge como un incendio manga, que rebobina formas y conceptos, que aglutina y construye con fuerza e intensidad, sin olvidarse que la vivacidad cromática es la determinación que dilata los términos e intensidades de las visión. Dejemos, por tanto, que prosiga.
- Soy, más, estoy. Respiro.
- Lo profundo es el aire.
- La realidad me inventa,
- Soy su leyenda. ¡Salve!
- (Jorge Guillén).

JOSE MARÍA CUNDIN (1938) / LA SUTILEZA Y SU CONTRARIO

2011-07-20T02:11:00.000-07:00

Si es como dice María Zambrano, que la mano debería colaborar, sin duda, dibujando, en esta simbiosis del sentir y entender, el vasco, residente en Nueva Orleans, CUNDIN, lo defiende, sin necesidad de consignas, desde un sentido armonioso de un caos lumínico que brota sobre la luz, le da sabor y perfume, multiplica la onda que crece en la mirada y permanece con el latido a flor de piel.
- Después está la otra vertiente, esa de eliminar la belleza y sustituirla por la expresión, que el artista concibe como horma de su zapato, que contiene un alma caricaturesca, vehículo de gramática parda pero confabuladora de designios pictóricos recitadores.
  - En conjunto, si hay un descubrimiento -me remito de nuevo a Zambrano- es que hay expresión de libertad y encuentro de una realidad prometida que al fin accede a hacerse presente, a dar la cara. Realidad que se descubre y sintetiza, se forma entre desvelos, tocando espacios, guiándose bajo los colores y dentro de ellos, examinando las raíces que se funden, y esperando, siempre esperando.
    - A veces, en épocas como ésta en que vivimos,
    - donde todo está desencajado y revuelto,
    - grandes especialista construyen férreos y blindados tarjeteros.
    - Siempre ocurre lo mismo en los días de gran confusión y desarreglo.
    - Y en un siglo tan caótico como el nuestro,
    - surge de pronto una mecánica perfecta de definiciones y clasificaciones.
    - Y se dice: todo está puntualizado y archivado.
    - (León Felipe).

GIANCARLO ALEJANDRO LEON WALLER (1979) /LA ANGUSTIA ES UN SERVICIO PÚBLICO

2011-07-18T03:57:00.000-07:00

Que el hombre se dirija a la realidad para tratar de encontrar todo no es extraño. Pero es el artista quien no desatiende a los signos emanados de las propias entrañas para ir con ellas hacia el corazón de la misma. Esa es la razón de que Balthus dijese que pintar es llegar a la profundidad de las cosas.
- El peruano GIANCARLO LEON WALLER se ha aventurado, irreprimible su ansia plástica, en ese rastreo en el que ha intuido lo que las imágenes, desde su santificación estética, han perseguido en aras de lo que es una continuación sin verso, como es la ruptura de convenciones canónicas sobre la belleza, el ideal, el clasicismo. Había que pugnar por corporeizar el reverso, la inversión de términos, tal como hicieron las vanguardias; por lo tanto, el dar forma y fisonomía a la angustia tiene sus antecedentes, no hay razón para dudarlo, pero también sus consecuentes, y su obra es uno de ellos.
  - Estas visiones apocalípticas pertenecen a tal fruto sin árbol, y si no nos cogen ya con el pie cambiado, sus terribles efectos dejan la huella de lo que sensorialmente hayamos tenido la voluntad de captar. En este caso, la desolación es una descarga plagada de luz viva y cruel, carente de caricias, y, en cambio, ahíta de unos empastes de cocina sangrienta manejada por turbas de íncubos y súcubos, criaturas, en definitiva, útiles para espesar pactos con la mirada y acondicionar entornos con desacuerdo.
    - El marco donde se sitúa la muestra permite a los espectadores no hundirse en una paráfrasis claustrofóbica porque en esas columnas clásicas encontrará reposo, apoyo y reflexión para resistir y hasta vengarse de lo turbio que implora ser más visto con el fin de atraer y fecundar. La cobra ha vuelto a picar.
      - Hoy abrí la ventana que mira al mar y al viento.
      - Y me pareció que había abierto
      - la trampa que estaba aquí en el suelo
      - para los días de las conspiraciones y del miedo.
      - (León Felipe).

FRANCISCO ECHAUZ (1927-2011) / NO HAY ABANDONOS QUE VALGAN

2011-07-13T02:46:00.000-07:00

Diderot decía que el dibujo da forma a los seres, pero es el color el que les da vida. Goethe añadía que el color es el sufrimiento de la luz.
- Y Charles Blanc sostenía que el dibujo es el sexo masculino del arte, y el color el sexo femenino.

No obstante, es el conjunto el que posee significación a través de sucesivas metamorfosis y mutaciones, como muy bien lo hizo valer el español ECHAUZ, recientemente fallecido.

Fabricó una geometría del color que fue su territorio y su consolidación, una temática exploradora que se hizo presagio y conjetura. Las formas adquirieron, en su obra, un sentido matriz, el cual hizo de síntesis de niveles diferentes, que en continuos recorridos conjuraba realidades internas, cargadas de plasticidad y equilibrio.
- Hay intersecciones, cruces, contrastes que envuelven, que semejan entes mecánicos que no son, que anuncian un modo de crear entre lineamientos camuflados, causantes de perspectivas espaciales y regeneradoras. Es una amplitud que va hacia otras extensiones y descansa en ellas.
  - Y he visto:
  - que la cuna del hombre la mecen con cuentos....
  - Que los gritos de angustia del hombre los ahogan con cuentos.....
  - Que el llanto del hombre lo taponan con cuentos......
  - Que los huesos del hombre los entierran con cuentos.
  - Y que el miedo del hombre.....
  - Ha inventado todos los cuentos.
  - (León Felipe).

WILLIAM KENTRIDGE (1955) / ¿CÓMO ENCONTRARLE UN SENTIDO A TODO ESTO?

2011-07-12T03:06:00.000-07:00

Un mundo que ata al propio hombre, hace que sea un falsificador, una víctima de su locura que al final se desconsuela en la indagación de esa sinrazón.
- Para el sudafricano KENTRIDGE los paradigmas acompañan mucho cuando van de visita, pero poco si tienen que alumbrar un imaginario acostado con espinosas circunstancias vitales y artísticas.
  - Él se ha decantado por confesar sus pesadumbres con esas imaginerías que expresan dolor, angustia, amenaza y una resurrección escultórica de una geografía alada.
    - Lo inquietante es que su obra no pierde, a pesar de todo, su carácter de filigrana fantástica, entre lo incitador poético y su abismo, pues se basa en la hondura del esquema propuesto y el entorchado de su dibujo, que cala en negruras danzarinas, bélicas, enardecedoras.
      - No podemos dejar de admirarla y observar que su interpretación tiene más intensidad si la incorporamos al medio en el que está situada y significada.
    - Desde el fondo de la soledad y aún más de la desdicha, si es dado que una ventana se abra, se puede, asomándose a ella, ver, pues que andan lejos e intangibles, a los bienaventurados. Siendo los seres perfectamente dichosos solamente en la hondura desdicha se hacen presentes, se aparecen (María Zambrano).

MIGUEL MACAYA (1964) / LOS TAMBORES NO CESAN

2011-07-11T02:45:00.000-07:00

El santanderino MACAYA acaba de exponer en la galería Jorge Alcolea de Madrid. Y su exposición nos adentra en el interior plástico que hay afuera.
- Diríamos que el trasunto nos ha salido rana, pues respira, habla y se sostiene por sí mismo. Es más, es un fenómenos que nos confronta, un sosias de él como centro, inicio y fin de un evento pictórico que tiene un modo de dimensión velada, de encuentro de encrucijadas visuales en la usurpación de otras realidades.
  - Este artista camina haciendo vivir a las sombras, meditar a los ojos y resurgir a las miradas. Tiene legitimidad y certezas cromáticas seguras, verdades que despiertan el viejo fondo sensual del hombre (Matisse), la silenciosa presencia del arte sin tiempo, y personajes-signos que demuestran su capacidad imaginativa, esa mágica soga de siempre.
    - Todo lo que se pesa, todo lo que se compra,
    - todo lo que se mide y que se cuenta
    - lo habéis defendido como perros
    - y todo se ha salvado.....¡todo!....pero habéis asesinado los sueños
    - ¿oísteis?
    - ¡HABÉIS ASESINADO LOS SUEÑOS!
    - (León Felipe).

FEDERICO GUIDA (1969) / CÍRCULOS CERRADOS

2011-07-07T02:30:00.001-07:00

El abismo de una duda, la ansiedad del caos, la confusión figurada para expresar la confusión expresa y así una mayor autenticidad.
- El círculo humano de lo plástico se va cerrando en esas caras, en esos cuerpos que no tienen historia, únicamente una inmovilidad en la mueca, en el pensamiento visual, en la contracción presente y en la dicha o desdicha futuras.
  - No hay que entender al italiano GUIDA sino contemplar la materialización desde la que ejecuta y desarrolla, desde la que conforma la introspección de un semblante o una escena.
    - El espectador ya no necesita declaraciones ni testimonios, sólo una iconografía de señales inequívocas, en las que la pintura transpone la marca esencial, el nexo que desenrolla el metafórico círculo que necesita abrirse para desentrañar la formulación artística de tiempo y destino.
      - Fijémonos bien y sirvamos a ese descorrer de la suerte, que no quisiéramos que se fuese sin una versión entre tantas deudas y dudas pendientes con nuestro entorno y con lo que resta cada día de serlo.
      - Se va del salmo al llanto,
      - del llanto al grito,
      - del grito al veneno....
      - ¡Arre! ¡Arre!
      - ¡Y se gana la luz desde el infierno!
      - (León Felipe).

MARTIN DISLER (1949-1996) / ME VOY HABIENDO DEJADO MI COSECHA

2011-07-06T04:22:00.000-07:00

El viejo fondo que cubre todo de sospechas sigue despierto, esparce sus renglones por el aire y quedan grabados como espejos.
- Ese fondo es el que el suizo DISLER maneja y manipula. Nunca ha tenido que recurrir al disimulo, y de haber una simulación que sea airada, ha de ser perfecta hasta que la cuerda sea ya una cadena rota y desairada.
  - Lo espontáneo y el gesto quedan fusilados bajo la duda plástica y me remito a J.F. Yvars en lo de que el arte es un despliegue original de formas equívocas que van perfilando las imágenes y nos obligan a corregir nuestra percepción convencional de las cosas.
    - Sí, es cierto, este artista, como tantos otros, no pinta una oración para musitar en el desierto que obre como un solo de silencio, y además nos ofrece de acompañante un doncel hermoso que sea luz y conmiseración del universal destino. Si pedimos más, tendremos que hacer cola.
      - Vomité tragando vida,
      - hice un sobreseimiento con laude,
      - miré rompiendo claridades, vi que lo siguiente era existencial.
    - Más es polvo un idilio en los seres,
    - licuar mi sangre en el trabajo,
    - darme estimulante,
    - y mi sustento, política de creencia.
    - No talaré el palo largo,
    - la independencia matriz primordial,
    - el aura de toques despejando la frente,
    - sudor de un tiempo y frescura de un instante.
    - (José Álvarez Vélez).

MARILENE OLIVER (1977) / LO VISIBLE NO TIENE RANGO

2011-06-28T09:31:00.000-07:00

Establecer nuevas pautas visuales, abarcar dominios que la tecnología ha permitido diseñar y crear, son condiciones de un arte que no puede ignorar el pasado pero que sabe que su tesis es el futuro.
- Bien es cierto que tales mecanismos nos devuelven realidades irreales, flotantes, fantasmagóricas, lo que no por eso queda invalidada su determinación de incorporar sensaciones múltiples.
  - Que se trate de una innovadora iconografía no es excusa para esconder la mirada o esquivar su fuente de energía, su caleidoscopio de configuración de posiciones que amamantan espacios en los que tiene lugar la visión mínima en su acción y máxima en su representación de un suceso.
    - Dentro de esa dramaturgia de silencios poblados, las imágenes conciertan una envoltura de texturas insospechadas por su naturaleza intangible, pero también capaz de emitir una vibración que sonoriza las miradas, que las enlaza con el fondo virtual de su propia trascendencia.
  - ¡Eh, Muerte.........escucha!
  - Yo soy el último que habla:
  - el miedo y la ceguera de los hombres
  - han llenado de viento tu cráneo,
  - han henchido de orgullo tus huesos
  - y hasta el trono de un dios te han levantado.
  - (León Felipe).

VANESA BEECROFT (1969) / COSIFICAR MIRADAS

2011-06-25T02:08:00.001-07:00

La italiana BEECROFT busca sin medida una perturbación que acaba en cosificación; y si va al encuentro de contrastres repite en cosificación; y si incordia y desnuda ya la cosificación se remata en forma de retina.
- Los desfiles y posados esquivan posiciones formales, mientras que la alineación adquiere visos de ver, no tocar, dejar conceptos armados y perpetuar la sorpresa de los que no son allegados.
  - Fusión de sangre y negritud, imperio estético de muertes anunciadas, la raza como balcón de la moda o la esclavitud, el cuerpo vivo o en éxtasis de levitantes tocados por la mano de un hacedor vestido con la virtud de lo perfecto.
    - En la conformación dramática la artista se desmide y planta sus reales, pues de reflejar lo roto se trata, lo que hacemos pedazos en una vida derrotada.
    - Vigía de la alienación nuestra de cada día, quiere transmitirnos esas sombras que forman la duda de lo que vemos y no trascendemos. Pero con sus escenas no conseguimos saber si eso es lo que deberíamos mirar y creer.
    - Estoy aquí otra vez
    - para subrayar con mi sangre
    - la tragedia del mundo,
    - el dolor de la tierra,
    - para gritar con mi carne:
    - ese dolor es mío también.
    - (León Felipe).

ANNE Y PATRICK POIRIER (1941 Y 1942) / MAQUETAS QUE BUSCAN LA DIMENSIÓN DEL TIEMPO

2011-06-21T01:57:00.000-07:00

¿Por qué Vasili Grossman escribiría en una de sus novelas que el arte conceptual se interpone entre el hombre y el mundo actual cual pesado, áspero e insalvable enrejado de hierro fundido?
- Mas lo insólito a señalar es que la noción de concept art debida a Henry Flint data de 1961, unos años después de la redacción de este texto.
  - Sin embargo, los franceses POIRIER se han embarcado en la aventura de la construcción de estas obras como una alternativa de ocupación plástica del hábitat , referencia física, trasladable, palpable de la dimensión humana del estar, habitar, crear, vivir.
    - Son glosas perfectas, con atributos de señales a seguir, itinerarios, encuentros, lugares, tiempos. Transcursos y presencias que todavía están en pie, erectos, descubridores de dominios, posiciones y términos, de la percepción de caminos que jalonan historias y advientos.
  - Para ellos no hay mudez de desiertos, sino ansias de levantamientos en pequeño, armonías que no equivocan más rumbos que los necesarios, aquellos que no despiertan y no están abstraídos en ese mundo.
  - Y los que venimos del sur, del más abajo desde la pequeña isla
  - donde hombres como Martí, Guillén, etc... supieron plasmar el
  - universo infinito del sur.
  - (Felipe Alarcón Echenique).

UISO ALEMANY (1941) / YO SOY EL GESTO

2011-06-19T01:51:00.000-07:00

La caligrafía, el gesto, la mancha, la pintura no han muerto a pesar de haber recibido la extremaunción. Lo refrenda la obra de este valenciano, ALEMANY, que encuentra en la superficie modos de perpetuar la vida, de que en el arte haya una visión totalizadora del hombre en un momento dado. No hay arte del pasado: todo arte vive en el presente (Luis Cardoza y Aragón).
- Y no importa que la vivencia de la obra de arte, al igual que su creación, sea un producto opuesto a la comunicación tal como se entiende hoy día (Schapiro).
  - De una u otra forma la hay, pues como en el caso de estas proyecciones, su conformación se articula como la culminación intrínseca de unos espacios que exudan ecos, galimatías, enigmas y proposiciones.
    - Para que el lenguaje adquiera su fisonomía propia, los trazos han de inspirar un movimiento emocional que codifique la mirada como un sistema abierto de signos de lectura en el tiempo, del yo inserto en él, de coordenadas secretas para contemplarlo y no olvidarlo.
    - La riqueza hermética de ámbitos que incluyen la fuerza de la expresión queda así grabada y gesticulada en la visión, que ya ha dejado de conformarse de ver objetos con linterna.
    - Escuchemos a Picasso:
    - "Desde niño dibujaba como Miguel Angel, pero me ha costado toda una vida dibujar como un niño".

RAQUIB SHAW (1974) / NO ME SUELO CRUZAR CON NADIE SIN UN TOLDO ENCIMA

2011-06-16T00:37:00.000-07:00

Si hay un aserto que me coarte y limite es éste de Jean Guichard-Meili:

"No podemos fijar la obra de arte en una espesa de nube de frases e ideas, brumas de palabras cuyos estratos superiores están formados por desarrollos filosóficos y los inferiores por reflexiones estúpidas. No se trata de comprender sino de mirar. Nuestra mirada, para ver, para llegar a una comunión con la visión del artista, debe, en su seguimiento, actuar visionariamente".

Y ahora, al comentar la pintura de coches, purpurina, dorada o pedrería de imitación del indio SHAW, puedo emprender dos opciones. Circunscribirme a sus propias palabras: "yo bailo con mis cuadros y bailo al son de una música que nace de la locura del corazón".
- O constatar que lo que le da a la obra su valor es que tenga su justo peso, su propia vida. Y ésta, a través de esa misteriosa y rozagante fauna, la tiene. La tiene como una hoguera siempre despegando del apagamiento, confiando en la inmortalidad de lo que nunca será un cese o un acabamiento mientras haya una celebración, un éxtasis que plasmar.
  - Ya desde Oriente u Occidente hemos de entender la estética como una condena sin plazo fijo, la sentencia de una mirada que viene después del veo luego existo. Pues ese castigo se forma a través de una sucesión de momentos de penetrar sintiendo una visión en el espacio. Lo que propone este artista ni anula lo sagrado ni diviniza lo profano, exalta el valor prestidigitador de lo plástico, el ilusionismo puro y duro de acordes asiáticos hibridados rebosando el estigma más virgen de nuestro imaginario.
    - Habrá todavía un eco en la tierra, cuando el pie
    - yazca inerte y, la voz, muda.
    - (Charles Hamilton Sorley)

GHADA AMER (1963) / LOS HILOS DEL NILO

2011-06-14T02:24:00.000-07:00

¿Filamentos o alambres? ¿Fibras o cables que construyen redes? ¿O son cárceles? ¿Hebras del Nilo quizá que son la lluvia que destiñe la libertad de esas siluetas?
- En la obra de la egipcia AMER se puede descubrir el curso de unas tramas polícromas que jalonan oscuros y claros laberintos. Constituyen mallas que lo mismo que atrapan, suscitan formas y modos de resolver tal situación plástica.
  - No agota el tejido de las sensaciones, la fluorescencia de unas construcciones que tienen raíces en su pasado y en su historia. Rehace continuamente el marco donde desarrollar tales intuiciones y el trasfondo de sus certezas.
    - Surge sin dejar de mirar hacia dentro, reviviéndolo en su acto de plasmarlo con los hilos constantemente enredándose y cayendo.
  - Donde persigo lo sólido de tu postura,
  - limpieza de tu cuerpo oro,
  - azahar de sonetos blancos en templadas siembras,
  - se trasluce la luz de tu mirada,
  - párpados latiendo como reloj desvelando nos llama,
  - cambié el sentido a pesar mío, estuche de recuerdo,
  - tu vida dejó un saludo,
  - tu soñar dio vida,
  - tus calles por donde caminabas eran muy grandes
  - y sentencia dejaron en mí con sonidos de guitarra,
  - terminé en fantasía.
  - Así empieza una partida y así muere un principio.
  - (José Álvarez Vélez).

ANTONIO RECALCATI (1938) / SÉ QUE LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO

2011-06-07T23:18:00.000-07:00

Dice Jean Baudrillard que hay una gran dificultad para hablar de la pintura de hoy porque hay una gran dificultad para verla. Porque la mayoría de las veces ya no quiere ser exactamente mirada, sino visualmente absorbida y circular sin dejar rastros.
- Pues tal fenómeno no me pasa con la obra del italiano RECALCATI, que se debate entre esos cuerpos que son emociones vibrantes de soledad, de dudas en ambientes fríos, helados, con vientos que les señalan como personajes frágiles, efímeros, que se corroen con la sustancia coloreada -pálida pulsión del pop- de su propia ficción. Y esos espacios que describen metafísicas incontinentes, abiertos a los escalpelos del alba. O ese cuadrado anónimo que inscribe los rostros de otros anónimos que ya se encuentran dialogando bajo otros cielos.
  - Es una pintura que guarda las distancias, que tiene en su aparato conceptual la visión lumínica de un hoy multiplicado en distintos escenarios, pero se queda en la opción más difícil de negar lo que nos parece que tiene de ya suscrito y visto, mayoritariamente visto y suscrito.
    - Quisiera escapar de las líneas de mi mano
    - río arriba, desafiando el vértigo
    - como un arcángel, sin estómago
    - para no vomitar el universo.
    - (Manuel San Martin Palacios).

AGOSTINO BONALUMI (1935) / EL QUE NO QUIERA VER QUE SE QUEDE CIEGO

2011-06-07T01:03:00.000-07:00

Es un hecho que las prácticas artísticas y culturales están hoy estrechamente ligadas al desarrollo tecnológico, al de los medios de comunicación y de información.
- Pero Marc Fumaroli lo plantea desde otra convicción: "en su lugar han aparecido y proliferado un arte contemporáneo y unas artes plásticas totalmente serviles a la imagen tecnológica, a la publicidad y al comercio de lujo".
  - Entonces, la obra del italiano BONALUMI, la que enmarcan dentro de este contexto como una experiencia táctil y de abstracción sensorial, me remite a Pascal con aquello de que "me aterra el silencio eterno de los espacios infinitos".
    - Silencios monocromáticos de unas superficies cinceladas que contienen un sino, que es el de exhibir la condición de su manifestación como un retablo ausente al que únicamente le queda la piel.
    - No obstante, la lujuria está presente, la austeridad de la opulencia también, y si se colocasen estas obras en un altar de ceremonias tendría lugar la fastuosidad de un reencuentro con la visualización soltera y harta de tanto acontecimiento narrado.
    - Se acabó el relato, solamente hay tiempo para que un plano no nos deje más que una historia palpable de sí mismo.
    - El azul que está en el aire, con cruz de relámpagos,
    - chispa en los seres y animal en la supervivencia
    - mañana, otra persecución a lo inanimado del dibujo real
    - que lo sustenta.
    - Así pasan sopletes en tornados de vida,
    - martillos pilones en heridas abiertas,
    - me canso que me toque la enfermedad,
    - es la vida.
    - (José Álvarez Vélez).

OSVALDO LICINI (1894-1958) / SE PUEDE SEGUIR PINTANDO HASTA DESPUÉS DE MORIR

2011-06-06T01:51:00.000-07:00

El artista, a partir de su experiencia personal y plástica, ha de ser capaz de dispersarse en todo lo que conoce, ser todo lo que puede sentir. Y sentirlo todo. Entonces su experiencia es universal e intemporal (La Camama).
- Ejemplo de ello es el italiano LICINI, vitalidad concentrada en un sueño etéreo, animado, de cielos abiertos azules, negros, rojos, de ámbito oníricos en los que nuestras sombras blancas flotan y nos esperan.
  - Sobre ese misterio que nunca agoniza, su pintura es una bahía que sirve de refugio para que esas cromáticas conjugaciones maquinen esplendores, mapas cósmicos, y unos pobladores de movimientos fugaces que dejan estelas que les proporcionen el regreso por nuevos caminos.
    - Es un poema exultante esa sencillez desnuda, ese sentido de acentuar lo mágico sin apenas señalar el objeto y su cúmulo, lo pluriforme y su hacinamiento, el vertido y su configuración espacial.
      - Por eso es un canto de amor a la confluencia de tesituras artísticas que hacen de la cualidad estética actual su fundamento, su razón de concebir y realizar, su parangón universal.
      - Donde parten las palabras caben los sentidos,
      - rompiste el vértigo al ser madre por placer
      - donde el amor se siente, hay en el océano de tus ojos
      - una herida cálida, sombras con párpados cerrados,
      - ventanas pintadas, labios rojos y ceniza en la barbilla.
      - (José Álvarez Vélez).

WERNER BÜTTNER (1954) / SENTIMIENTOS HONORÍFICOS

2011-06-02T02:31:00.000-07:00

El soporte ha de estar muy embutido, así ha de evitarse que la figuración se escape y asalte al espectador. Además de que ese embarrado propicia más que nunca una encarnadura limpia que explica unas claves de ironía y de conciencia sobre lo que es la pintura cuando se descuelga de su propia metafísica estética.
- La obra del alemán BÜTTNER están en función de los rastros que va dejando, de la antítesis de una plástica que se ha concebido como una convocatoria iconoclasta.
  - Mientras las corrientes conceptuales anidan, las aves de la discordia trazan historias zoomórficas bien empastadas que aglutinan delirios y venganzas, no sin antes proclamar que es hora de que amemos lo que vayamos a negar.
    - Estamos ante un enfoque casto pero peligroso, perverso pero infantil, sombrío pero de orgasmo feliz, estéril pero fecundo en imágenes que no por abatidas han reaparecido con una sonrisa feliz.
  - Aprovecho el día con mi existencia,
  - ¡es afirmación el día a día!
  - Si preguntáis de donde vengo,
  - son amargos los pasteles, los grillos no cantan
  - al sol, las palomas están sin condiciones de volar
  - y al violeta le han indicado que es su Semana Santa.
  - (José Álvarez Vélez).

AlMUDENA LOBERA (1984) / YO CREO QUE SIEMPRE TENEMOS QUE IR MÁS ALLÁ

2011-05-30T02:37:00.000-07:00

Confiamos en la pluralidad de estilos y en la multiplicidad de lenguajes y códigos, aunque la ayuda de la tecnología posindustrial ha sido decisiva.
- Y también apelamos al eclecticismo, a la publicidad y el marketing, sin olvidarnos de los medios de comunicación.
  - ¿Y la obra? ¿Es un mero pretexto o es el fin? ¿Es un único concepto o reúne arquetipos, sensibilidades, representaciones, alegorías, etc?
- La de la española LOBERA se sostiene en caligrafías, floras, instalaciones lúdicas en las que el simulacro está lleno de preguntas sin que ello sea óbice para detenernos en su contemplación todo el tiempo del mundo sin necesidad de respuestas.
- Organiza y complementa visualmente un núcleo de visiones que hacen de vehículo de una ambigüedad mágica, catalizadora de preferencias tomadas aquí y allá, de lo que vivimos y de lo que imaginamos.
  - Trasudan momentos en los que necesitamos que sean estos signos y vocabularios los que nos conciernan y aludan. Ya nos son insuficientes los que hay, aunque cada día se lanzan nuevos, pero no todos son válidos, algunos se incorporan desde su origen agotados. No obstante, en este caso la realidad de este quehacer es agua fluyendo sobre sus propios límites.
- La vida es una dura disputa agitada por desgracias concretas, y hace falta un terreno en el cual arraigar, y hace falta el calor que madure y huela, y hace falta la tarde que inunde de melancolía y la mañana que refresque y conforte.
- No tengo más que caminos y caminos: el gris pérfido de esta senda sin fin.
- (Giuseppe Ungaretti).

SAMUEL BURI (1935) / LAS VACAS PACEN EN MIS LIENZOS

2011-05-26T02:55:00.001-07:00

Marc Jimenez sostiene que el artista es polivalente, capaz de poner en ejecución, simultánea o sucesivamente, diferentes procedimientos mediante soportes y materiales diversos.
- En ese caso el suizo BURI es el artífice de unas prácticas que abrazan la plenitud cromática desencadenando tormentas abstractas sin necesidad de recurrir a alcurnias trasnochadas.
  - Pero ahí no queda todo. Hay que policromar, a continuación, las vacas símbolo, que para eso son la hechura icónica de un entorno que detrae significaciones colaterales para condensarse en la concatenación e interrelación entre lo animal, lo vegetal, lo geográfico, la luz, la sustancia óptica y el pensamiento plástico. Y sin olvidar la enseña propia.
    - De buscarse referencias no hay otras que las que brotan en la aplicación de enfocar fusiones, mixturas, mezclas, que hacen que el color señale, imponga y hasta escriba el discurso de su inacabable pirueta o giro entre la nada y lo absoluto.
  - Con avaricia ávida me como el día,
  - el corazón apresurado sin marcapasos,
  - con un paso apresurado para encontrar sustento
  - del Dios que no llega.
  - Los calcetines que guardan manos,
  - pies desnudos en los maltrechos
  - espesos del hambre.
  - (José Luis Álvarez Vélez).

CARLOS URIBAZO (1951) / ENSENADAS INUNDADAS

2011-05-24T01:58:00.000-07:00

¿Hasta qué punto es cierto lo que afirma Nelson Goodman, eso de que lo que vale hoy es el contexto filosófico y artístico en el cual aparece la experiencia artística y lo de menos es el juicio, el valor y la calidad de las obras?
- La obra del cubano URIBAZO tiene su propio contexto -lo tiene cada obra que es capaz de suscitarlo-, la de un tapiz introducido en una realidad plástica que se despierta a toque de diana pensando en una recolección de visiones.
  - Si no están esmaltadas y vidriadas se resisten a aparecer, y cuando lo hacen emergen ceñidas y con una genealogía de formas metamorfoseadas según un caleidoscopio metafórico de colores.
    - La atmósfera caribeña imprime esos reflejos, esas solubilidades luminosas que gozan ante tonalidades y gamas como si estuviesen en un baile verpertino de rumbas o en un ambiente al alba de boleros. Y configuran en sus obras cuerpos, imágenes y espacios que forman microcosmos de saberes fantásticos, de mensajes en clave de códigos ilustrados y sacrificados a la pasión de la pintura.
      - Por lo tanto, los valores plásticos aquí reunidos son los que no buscan un juicio final sino el principio de un entendimiento con la razón de ser del artista.
        
        Hoy es domingo, y esto
        
        tiene muchos siglos; de otra manera,
        
        sería, quizá, lunes, y vendríame al corazón la idea,
        
        al seso, el llanto
        
        y a la garganta, una gana espantosa de ahogar
        
        lo que ahora siento,
        
        como un hombre que soy y que he sufrido.
        
        (César Vallejo).

¿EXTRAVAGANCIAS EN EL ARTE?

2011-05-17T08:46:00.000-07:00

MICHEL JOURNIAC se empeñó en consagrar el evento con una hostia recortada de una morcilla fabricada con su propia sangre: noventa centímetros cúbicos de sangre humana líquida, noventa gramos de cebollas crudas, noventa gramos de grasa animal, una tripa salada y reblandecida en agua fría y luego secada, ocho gramos de las cuatro especias, dos gramos de plantas aromáticas, azúcar, etc.
- Entonces GÉRARD GASIOROWSKI me dice que está desesperado porque Kiga, maldito el día que lo inventó, mezcla su mierda con hierbas y después con los dedos impregnados de ese revuelto pinta visiones y se las atribuye a él. No sé como acabará esto.
  - A continuación, WIN DELVOYE me pide mil quinientos euros por un trozo del excremento excretado por su máquina Cloaca. Me asegura, mientras se unta el pene con sulfato de vario para exponerlo a los rayos X, que se alimenta de comidas especiales preparadas por los mejores chefs de la gastronomía francesa.
    - Cuando ya harto voy a hablar con PIERRE PINONCELLI, lo encuentro seccionándose con un hacha una falange del meñique izquierdo, después de destrozar a martillazos una réplica de la Fuente de Duchamp. Como lo condenaron a trescientos mil francos de indemnización no me contestó y siguió en silencio.
      - Y encima a PHILIPPE MESTE lo sorprendo masturbándose encima de fotos de top models. Es para que así vayan condecoradas, me susurra, es muy importante para su publicidad.

YAYOI KUSAMA (1929) / ¿HAY RUTAS ESTABLECIDAS?

2011-05-16T02:56:00.000-07:00

A la japonesa KUSAMA (cuya obra puede verse actualmente en el Reina Sofía de Madrid) le fascina lo que puede aportar la ciencia a su actividad y a sus necesidades de proyectar lo que cada día constituye su despertar. Gracias a ella y a los materiales que incorpora (uso de los cuales es una clave del arte contemporáneo) a sus realizaciones, los límites se han roto, la pluralidad de medios, escenarios, imágenes, es posible, alcanzable y conseguible.
- La metodología y las técnicas industriales , tan accesibles y maleables, le permiten crear sus biotopos, sus comunidades de objetos, sus fiestas sorpresa, sus carnavaladas, sean cuales sean, lo importante es que despidan vientos de desconcierto, de asombro, de estupefacción, de sensaciones que tenían la mecha apagada.
  - Los siguientes pasos estaban ya pensados: convencer de la riqueza visual y subliminal de esa integración disciplinar, obtener como sea y por donde sea un lanzamiento internacional y a través de él la llegada al gran público.
    - Pero simultáneamente ha de compaginarse tal despliegue con la leyenda, como aquella que hacía referencia al artista Wu Daozi, que se perdió en la bruma de un paisaje que acababa de pintar. La suya ha de ser casi similar, la de una desaparición y ocultamiento. Lo peor hubiese sido que nadie la hubiese querido encontrar.
    - ¿La muerte? ¡Opónle todo tu vestido!
    - ¿La vida? ¡Opónle parte de tu muerte!
    - Bestia dichosa, piensa;
    - dios desgraciado, quítate la frente.
    - Luego hablaremos.
    - (César Vallejo).